Riddick é traído pela sua própria raça e deixado para morrer em um planeta distante. Desolado, luta para sobreviver em um ambiente hostil repleto de predadores alienígenas, e se torna mais poderoso e perigoso que nunca. Caçadores de recompensas de toda a galáxia começam a busca por Riddick, apenas para se tornarem peões em seus planos. Com seus inimigos exatamente onde ele os quer, Riddick se lança em uma violenta jornada de vingança antes de retornar ao seu planeta natal, Furya, para salvá-lo da destruição.
Curiosidades:
» O terceiro ‘Riddick‘, que teve início com o sucesso de ‘Eclipse Mortal‘ e continuou com ‘A Batalha de Riddick‘, ganhou seu primeiro cartaz.
» O longa terá censura R (menores de 17 só acompanhados de maior). Em maio de 2011, o ator havia revelado que a Universal só aceitaria tal censura caso o ator recebesse um salário menor.
» O filme voltará ao clima de terror de ‘Eclipse Mortal‘. O diretor David Twohy, que dirigiu os dois primeiros filmes, também retorna. O título do filme seria ‘Dead Man Stalking‘, mas foi alterado para ‘Riddick‘.
Seis vidas, seis histórias distintas, mostram como uma fração de segundo define destinos de forma completamente diferente, permeando o medo e a paixão, a tragédia e o sucesso, a guerra e a paz. Nesta jornada, fatos inusitados são revelados, mostrando a importância dos raios desde o descobrimento do Brasil até o futuro de nossa existência.
“Fragmentos de Paixão” é o primeiro filmedocumentário sobre o assunto feito no Brasil e mescla conceitos de cinema de ficção e de telejornalismo para democratizar a divulgação científica. Também tem um forte caráter social: reduzir o número de fatalidades por raios no país, que atualmente chegam a 130 mortes por ano.
Inspirado no trabalho dos pintores viajantes do século XIX, o filme de Ricardo Naunberg conta a saga de dois garotos no Rio de 1808. José Trazimundo (Ícaro Silva) é um brasileiro mestiço, filho de uma escrava negra e de um artista europeu que não chegou a conhecer. Luis Bernardo (Miguel Thiré) é um jovem português, filho de um duque que chega ao país na comitiva do Rei de Portugal. O destino dos dois se cruza durante os 13 anos de permanência da Corte Portuguesa no Brasil. O “Inventor de sonhos” é uma história que revela as relações conturbadas entre europeus e brasileiros no período em que Colônia e Metrópole se fundiam na mesma cidade. Sheron Menezes, Stênio Garcia, Luis Carlos Vasconcelos, Ricardo Blat compõem o elenco que retrata esse período de formação da identidade brasileira.
O filme de maior expectativa do ano, Gravidade era vendido como um projeto de alto conceito e originalidade do diretor Alfonso Cuarón (Filhos da Esperança). No ano da ficção científica como fonte de blockbusters para Hollywood, no qual tivemos Círculo de Fogo e Elysium, obras voltadas para um público mais jovem de certa forma, Gravidade é um filme experimental de dezenas de milhões de dólares, que inicialmente foi anunciado como sendo apenas dois atores flutuando no espaço. O maior inimigo de qualquer grande produção é a expectativa gerada por ela. E mais ainda, elogios superinflados. Críticos americanos que puderam conferi-lo em primeira mão em festivais, anunciavam ser a melhor coisa do cinema em anos.
Alguns chegaram ao ponto de afirmar ser superior ao quintessencial 2001 – Uma Odisseia no Espaço (1968), de Stanley Kubrick. O cineasta James Cameron, um especialista no gênero da ficção, declarou que Gravidade era o melhor filme passado no espaço que já tinha assistido. Sem revelar muito para não estragar a surpresa de todos, o quanto menos soubermos sobre o filme melhor – acredito que essa é a melhor forma de aprecia-lo, e foi assim que entrei no cinema. Uma coisa que posso dizer é que Gravidade é muito mais um drama de grande suspense, do que uma ficção científica. Seria inclusive mais bem definido como uma realidade científica.
Na trama, uma equipe de astronautas está em missão a bordo de uma nave na órbita da Terra. Os únicos rostos conhecidos do elenco, e literalmente os únicos rostos do filme, são os dos atores George Clooney (Os Descendentes) e Sandra Bullock (As Bem Armadas). Clooney vive Matt Kowalski, o chefe encarregado da missão, e Bullock é a médica Ryan Stone. Devido a um acidente, que atinge sua nave, a Dra. Stone é arremessada na imensidão escura do espaço, e aí começa a sua grande jornada. Apesar de grande decepção com o conceito de “explodir nossas mentes”, muito alardeado lá fora, não é justo julgar o filme que não foi feito, o correto é analisar o que foi feito.
Gravidade é recheado de tensão, e embora não faça uso de muito diálogos, é um daqueles filmes que conseguem nos prender do começo ao fim de seus 90 minutos de exibição, sem perder o ritmo ou nos deixar ir. Nos torna reféns logo de início, somente com o uso de suas imagens, e isso é uma grande qualidade de um contador de histórias. Cuarón pega um material de difícil acesso para o grande público, e cria uma grande identificação e plausibilidade, sem que por momento algum o público se sinta enganado, acreditando ser impossível qualquer cena mostrada na obra. O clima criado é de puro nervosismo, e nos mantém à beira da cadeira.
Esse é um show mais de Sandra Bullock, que entrega em minha opinião seu melhor desempenho nas telas (ao lado de Crash). Aqui, a atriz é pedida para explorar vários níveis diferentes de medo, desespero e aflição. Em uma cena em especial a atriz emociona. Muitos acreditam inclusive que a atriz sairá com o filme em busca de sua segunda indicação ao Oscar. Talvez merecida, afinal não é fácil levar um filme inteiro sozinho nas costas. Bullock exibe beleza também, e uma forma física invejável no auge de seus 49 anos. Além da expectativa não cumprida, Gravidade também decepciona por certa simplicidade em seu roteiro.
As imagens e efeitos são belíssimos, criados pela equipe de técnicos de efeitos especiais. Mas como dizem, hoje em dia todos são capazes de criar efeitos, embora aqui eles realmente impressionem, e sejam sempre usados a favor da história, e não ao contrário. Os efeitos em 3D são ótimos. Gravidadenão é capaz de explodir nossas mentes, apenas de criar talvez as situações mais sufocantes do cinema. Afinal, para quem está diante da morte, será que importa mesmo estar prestes a morrer no espaço, no mar sozinho e cercado de tubarões, como em Mar Aberto (2003), ou preso num caixão sem ar, como em Enterrado Vivo (2010)?
Caroline (Fanny Ardant) é uma mulher de 60 anos, casada, com duas filhas, e recém-aposentada. Caroline está de luto pela morte de sua melhor amiga, quando ganha de presente das filhas a matrícula em um clube de aposentados e idosos que se chama LES BEAUX JOURS. No clube Caroline acaba se envolvendo com um dos professores, que tem a idade de suas filhas, e esse romance lhe fará redescobrir o prazer de viver.
O cinema italiano vem apresentando uma nova safra de bons diretores, que estão sobressaindo nos festivais internacionais de cinema. Mas, infelizmente, a maioria desses filmes não chega ao circuito brasileiro. Por isso vale aproveitar os últimos momentos do Festival do Rio para conferir Alì tem olhos azuis, do jovem cineasta Claudio Giovannesi, que ainda não tem distribuidora no Brasil.
Interpretado por não-atores – por isso o nome de cada um também é o nome do personagem – o longa aborda a história real de Nader (Nader Sarhan), adolescente de origem egípcia nascido em Roma, que vive em conflito com os pais e sai de casa após eles desaprovarem seu namoro com uma italiana. O menino passa a viver nas ruas, roubando e passeando com o amigo Stefano (Stefano Rabatti).
A trama é ambientada em Ostia, na periferia de Roma, região pouco conhecida para quem só vai a capital italiana por turismo. O grande mérito do roteiro é mostrar que os conflitos multiculturais continuam fortes na Itália – e, embora o tema seja recorrente em outros filmes italianos, é a primeira vez que o protagonista é a pessoa que realmente vive essa história em seu dia a dia.
Outro fato interessante que o roteiro frisa é que, ainda que Nader seja italiano, sua origem e as tradições de sua família falam mais alto – tão alto que, quando a irmã de Nader se interessa por um italiano, ele se mostra totalmente contrário ao relacionamento. É neste ponto que o longa enfatiza que o conflito dos pais do garoto, também é o seu próprio. Essas contradições são acompanhadas pela câmera nervosa de Giovannesi, que segue os personagens de um jeito quase documental.
Prêmio Especial do Júri no Festival de Roma do ano passado, e exibido este ano no Festival de Tribeca, Alì tem olhos azuis tem direção de fotografia do aclamado Daniele Cipri, e trilha sonora composta pelo próprio Giovannesi, que também assina o roteiro. E, embora o filme deixe o final em aberto e não tome partido de nenhum dos lados, fica a sensação de que o dilema dos personagens é o dilema da própria Itália, que nem sempre enxerga com bons olhos os filhos da imigração.
Sucesso nos festivais de Sundance, Veneza e Toronto, a biografia dramática Kill Your Darlings chega ao Festival do Rio 2013. Escrito por Austin Bunn e pelo diretor estreante em longas John Krokidas, o filme traz a história real de um famoso grupo de poetas e escritores do movimento beat, ainda na fase de estudantes universitários. O protagonista aqui é Allen Ginsberg, vivido pelo jovem Daniel Radcliffe (Harry Potter). De infância humilde e difícil, o personagem vê a loucura de sua mãe consumi-la até ser internada em um hospital psiquiátrico. Ela é vivida pela veterana Jennifer Jason Leigh (The Spectacular Now).
No local, Ginsberg conhece e se vê completamente cativado por Lucien Carr, vivido pelo jovem ator do momento Dane DeHaan (O Lugar Onde Tudo Termina). Carr é um jovem descolado, que sabe se divertir, e é o propelente de um estilo revolucionário. Entre seus amigos pessoais estão Jack Keuroac (autor de “Na Estrada”), vivido por Jack Huston (da série Boardwalk Empire), e William Burroughs (autor de “Naked Lunch”), vivido por Ben Foster (Contrabando). O novato Ginsberg se sente completamente atraído para esse mundo boêmio, de muita experimentação com entorpecentes, e pensamentos sobre arte. Em trechos, Kill Your Darlings faz lembrar O Talentoso Ripley.
Ginsberg é alertado por David Kammerer, interpretado por Michael C. Hall (o Dexter, da série), que Carr somente irá usa-lo, e quando estiver realmente apegado, ele o soltará. O sujeito é obcecado pelo rapaz, e é o único que parece saber o real segredo negro que esconde. Kill Your Darlings consegue explorar fortes sentimentos e relações. Somos levados de forma íntima para a vida de tais personalidades libertinas. O diretor estreante imprime grande qualidade em sua primeira obra, que fica com a cara de um trabalho de veterano. A montagem é frenética, e apesar da época, não existe barreira para o público mais jovem se identificar.
Krokidas faz uma seleção de músicas entusiasmantes pontuando seu cenário. As atuações aqui ficam à altura e são de primeira. Esse é sem dúvidas o papel mais ousado e desafiador da jovem carreira do ator Daniel Radcliffe. O intérprete de Harry Potter é pedido, e se entrega de cabeça em seu retrato do inseguro e sofredor Ginsberg. O resto igualmente corresponde com performances certeiras de Ben Foster, Jack Huston, da ótima Elizabeth Olsen (Oldboy), e da veterana Jason Leigh. Quem consegue pairar acima é C. Hall, brilhante e penoso em seu desempenho de um sujeito que preferia a morte do que viver sem o que achava que era a sua vida.
A certa altura Kill Your Darlings se transforma em algo muito mais sério, quando um crime passional é cometido. Assassinato esse que iria definir para sempre quem seriam todos os envolvidos. Kill Your Darlings é impactante, intenso, e consegue nos transportar imediatamente para uma época específica, e o sentimento ao redor de tal período. Com a atmosfera de produções europeias, o diretor consegue entregar uma obra digna e que faz jus a seus célebres personagens, responsáveis por momentos divisores de toda uma cultura.
Primeira incursão atrás das câmeras como diretor, do ator Joseph Gordon-Levitt (Lincoln), Como Não Perder Essa Mulher (título nacional estranho) vem chamando a atenção desde o início do ano. O filme, também escrito pelo ator, fez seu debute em janeiro durante o Festival de Sundance. Muito relevante e atual, a obra de Levitt aponta o dedo para uma geração inteira, e para a mudança fenomenal trazida por prazeres virtuais. Don Jon´s Addiction, como era intitulado originalmente, assim como Boogie Nights fez para o auge e declínio do cinema pornográfico, serve como obra quintessencial para a pornografia virtual.
Em especial, Don Jon relata o relacionamento de todos os homens (como o filme afirma) com a facilidade de acesso do substituto do sexo real, e relações humanas. No filme, o diretor vive Jon, um sujeito simplório que vive em função de suas paixões na vida, como ele dita: seu corpo, sua casa, seu carro, sua família, sua igreja, seus amigos, as mulheres e a pornografia. Quem dera a vida fosse tão simples assim, e de certa forma a pouca aspiração do protagonista pode causar inveja. Um elemento ausente de sua rotina é a paixão profissional, que não faz parte de pessoas cujo estereotipo o ator satiriza aqui.
Tudo muda para o sujeito, quando ele conhece a mulher de seus sonhos numa boate. Barbara Sugarman possui as formas estonteantes da musa Scarlett Johansson, então como não se apaixonar? O protagonista decide abrir mão de seu vício lascivo em nome do amor dessa mulher. Mas como todo viciado, o primeiro passo, assumir a fraqueza, é o mais difícil. Justificar como comportamento natural da modernidade é o mais seguro. No meio do caminho, Jon se relaciona com a família, os amigos, e com a personagem de Julianne Moore, uma colega de turma, no curso que sua namorada lhe faz estudar. A personagem de Moore, inconveniente de início, se mostrará uma espécie de guru para sua atual situação.
O filme de Gordon-Levitt é simples e de certa forma ingênuo, mas fala com autoridade e pertinência definidoras de uma geração. O interessante na história confeccionada pelo ator é fazer do protagonista a antítese de um viciado em pornografia, geralmente pessoas solitárias, anti-sociais e incapazes de se relacionarem com outras pessoas. A obra deixa claro que seu protagonista é um herói para os amigos, que o admiram e o invejam. Sua vida simplória faz todo o sentido para eles, e creio para muita gente. O sujeito está completamente satisfeito com sua rotina, até perceber que precisa sair de sua autoimposta caixa. A caricatura de ítalo-americanos que o diretor faz é perfeita.
Moradores de Nova Jérsei, os chamados “guidos” ficaram conhecidos pelo reality show “Jersey Shore”, que explora justamente o tipo de comportamento retratado por Gordon-Levitt em seu filme. Seu personagem poderia fazer parte do programa inclusive. Os sotaques carregados do protagonista, e de Johansson, são por si só um atrativo. Como Não Perder Essa Mulher traz de volta o astro da TV Tony Danza, o único que não precisou forjar um sotaque, no papel do pai do personagem principal. Joseph Gordon-Levittdesabrochou ultimamente como um dos mais talentosos jovens artistas dentro do cinema de Hollywood, e a direção desse filme é seu próximo grande passo dado.
Ele está de volta! Quem julgava morta e enterrada a carreira de Nicholas Kim Coppola, vulgo Nicolas Cage, pode pensar novamente. Um dos mais excêntricos atores de Hollywood, Cage é vencedor do Oscar de melhor ator por Despedida em Las Vegas (1995), e indicado por Adaptação (2002). Desde então sua carreira parece ter despencado e o astro consecutivamente entregou produções, digamos, que deram motivo para ser rechaçado pelos especialistas, como persona non grata do bom cinema. Em sua fase negra encontram-se obras como O Sacrifício (2006), O Vidente (2007), os filmes do herói Motoqueiro Fantasma (2007 e 2012), Reféns (2012), entre outros.
O motivo, dizem as más línguas, foram as dívidas do ator, que o levaram a participar de qualquer produção que lhe era oferecida, simplesmente pelo salário. Existe até um vídeo muito engraçado na internet, onde as escolhas pouco ponderadas do ator viraram motivo de galhofa. Depois da tempestade vem a bonança, e se astros de carreiras tão diferentes quanto Sylvester Stallone e Matthew McConaughey conseguiram se reinventar, porque não o sobrinho do diretor de O Poderoso Chefão. Ainda é cedo para dizer se Cage se elevará da desgraça, mas a certeza é que em Joe o ator dá o primeiro passo.
No filme, Cage interpreta o personagem título, um errante ex-presidiário, em busca de redenção. Nos primeiros momentos Joe cuida de um negócio ecológico dando emprego para diversas pessoas. Ele é responsável por uma equipe cuja função é matar com veneno árvores consideradas inúteis, para no lugar serem plantadas outras que desempenhem uma função maior no meio ambiente. É assim que ele conhece o menino Gary, vivido pelo talentoso Tye Sheridan (Amor Bandido). O menino é um pobre infeliz preso a uma família regida por um dos personagens mais detestáveis do cinema recente, papel do sem teto na vida real, Gary Poutler. Não é coincidência a extrema veracidade na atuação do sujeito.
Wade (Poutler) está a um passo (curto) da mendicância. Tem mulher e dois filhos, mas vive bêbado pelas ruas. Em alguns momentos exibe traços de uma possível redenção, ao arrumar emprego (provido pelo filho) com Joe, e em cenas de descontração ao lado do filho. Mas no geral, o personagem é capaz de roubar o dinheiro suado do menino, matar, e prostituir a pequena filha. Tais elementos trazem grande revolta ao público em relação ao personagem e ao filme. O protagonista também não é nenhum santo, e vive tendo problemas com a polícia, que se originaram desde cedo. O personagem de Cage, no entanto, está mais além em sua fase redentora.
O trio principal está bom acima da média. Joe, é dito, traz grandes chances para Nicolas Cage voltar ao radar em época de premiações. Mas a verdadeira surpresa seria se Gary Poulter fosse lembrado por seu desempenho mais do que realístico. A direção do filme é de David Gordon Green, jovem e talentoso cineasta americano, que começou a carreira no cinema independente, com obras elogiadas como George Washington (2000) e All the Real Girls (2003). Em 2008 se embrenhou no cinema mainstream com a comédia maconheira Segurando as Pontas, e desde então entrou numa espiral de declínio com os fiascos de Sua Alteza? (um prazer culposo) e O Babá(ca).
Joe completa a redenção do diretor também, que marca em 2013 sua volta às boas produções, tendo lançado anteriormente Prince Avalanche, igualmente elogiado. Embora honesto e real, Joeé também mundano, e sem grandes surpresas. Aparenta ser um filme sem foco, onde situações se empilham até seu clímax apressado, que tiram seu realismo e o assemelham a um filme formulaico. É em seu percurso que a obra apresenta cenas tão estranhas e incomuns, que o tornam impossível de não ser recomendado. São cenas de extrema violência, que se fazem a peculiaridade de Joe.
Elenco: Sam Worthington, Pete Postlethwaite, Mads Mikkelsen, Gemma Arterton, Alexa Davalos, Ralph Fiennes, Liam Neeson.
Direção: Louis Leterrier
Gênero: Aventura
Duração: 118 min.
Distribuidora: Warner Bros.
Estreia: 21 de Maio de 2010
Sinopse:Em ‘Fúria de Titãs‘, a disputa pelo poder lança os homens contra os reis, e os reis contra os deuses. Mas a guerra em curso entre os deuses já é suficiente para destruir o mundo. Nascido de um deus, porém criado como homem, Perseu (SAM WORTHINGTON) se vê indefeso para salvar a família da aniquilação por Hades (RALPH FIENNES), o vingativo deus do reino dos mortos. Sem nada a perder, Perseu se oferece como voluntário para comandar a perigosa missão de derrotar Hades, antes que este consiga obter poder de Zeus (LIAM NEESON) e instalar o inferno na Terra. Liderando um grupo de guerreiros, Perseus parte numa arriscada jornada nas profundezas dos mundos proibidos. Combatendo demônios cruéis e monstros terríveis, ele somente irá conseguir sobreviver se aceitar seu poder como um deus, desafiar a sorte e criar seu próprio destino.
Curiosidades:
» Refilmagem de ‘Fúria de Titãs‘ (1981).
» A Warner Bros. pegou mania de fazer seus filmes em 2D convencional, e depois convertê-los para o 3D. ‘Fúria de Titãs‘ passará pelo processo e será lançado em 3D. Vale lembrar que a conversão NÃO traz a mesma qualidade de um filme que é planejado e filmado em 3D, como ‘Avatar‘.
» Stephen Norrington (A Liga Extraordinária) chegou a ser escalado para dirigir ‘Fúria de Titãs‘, mas abandonou o projeto.
» O orçamento de ‘Fúria de Titãs‘ foi de US$ 70 milhões.
