O filme segue a história de uma equipe americana de breakdancing, ou “”B-boy””, formada por jovens com problemas sociais e familiares. Eles são liderados por um treinador rígido, que os leva à França para participarem da competição Battle of the Year, na qual equipes de 18 países lutam pelo título de campeões mundiais.
Jessica Alba, Alexa Vega, Daryl Sabara, Joel McHale, Rowan Blanchard, Mason Cook, Jeremy Piven, Danny Trejo, Belle Solorzano, Genny Solorzano, Ricky Gervais.
Direção: Robert Rodriguez
Gênero: Ação/Aventura
Duração: 115 min.
Distribuidora: Imagem Filmes
Estreia: 16 de Março de 2012
Sinopse:
Em ‘Pequenos Espiões 4‘, os irmãos Rebecca e Cecil descobrem que a sua madrasta Marissa (Jessica Alba), é na verdade, uma agente super secreta! Que está em uma missão para derrotar “Time Keeper” (tradução que ficará no roteiro). Diante de uma missão tão incrível como esta, estes dois irmãos contarão com as armas mais fantásticas do mundo! Jatos supersônicos, luvas mega poderosas e até um cão-robô! E você não fica de fora desta aventura! A sua missão aqui é acomode-se na poltrona e embarque nesta fantástica viagem. Com participação especial de Antonio Banderas.
Curiosidades:
» A Imagem Filmes não lançar ‘Pequenos Espiões 4‘ em 4D nos cinemas brasileiros. Nos EUA, a exibição nos cinemas incluiu o cartões de cheiro, para serem raspados em momentos-chave da história. Chamado de “aromascope”, o artifício consiste em papeizinhos com oito odores, como lavanda, com números correspondentes a cenas específicas do filme. A empresa chegou a negociar para trazer a novidade ao Brasil, mas um acordo não foi fechado. O lançamento acontecerá em 2D e 3D.
Miss Violence é um filme intrigante e brutal. Uma brutalidade escondida debaixo de uma imagem sofrida. No filme do diretor grego Alexandros Avranas, debaixo da imagem, um soco nos aguarda!
A narrativa começa com o suicídio de Angeliki. Em seu aniversário de 11 anos, ela pula da sacada, após olhar para a plateia com um sorriso! O que afinal teria levado uma menina tão jovem a cometer suicídio de maneira tão convicta e feliz?! Dos 98 minutos de projeção, essas perguntas ficam no ar por cerca de uma hora.
Além da Angeliki, há Eleni, sua mãe. Ela tem mais dois filhos pequenos (que não conheceram os pais) e está grávida. Na casa também vivem sua irmã mais nova, seu pai e sua mãe. Durante a primeira hora do filme, o pai surge como uma figura resignada com o suicídio, que batalha para retirar a família da depressão e impedir que o serviço social descubra a gravidez da filha Eleni, pois diante dos fatos ela poderia perder a guarda do bebê.
A estética adotada transmite a devastação espiritual dessa família. A câmera fixa, com raríssimos movimentos, é posicionada na altura dos olhos de uma pessoa sentada no sofá. Aparentemente, essa câmera seria a tradução visual do impacto do suicídio de Angeliki. Acontece que desde antes do suicídio, esse esquema já está presente.
SPOILERS A SEGUIR!!!
A parte final do filme explica os reais motivos da devastação dessa família e do suicídio. Uma sequência envolvendo Eleni, seu pai e um amigo fornece indícios dos segredos dessa família. Pela cena, o pai cafetinou a filha. Ficamos em dúvida da motivação. Como o pai foi demitido, imaginamos que a transação poderia ter sido movida pelas circunstâncias.
Pouco depois, vemos o pai buscando sua filha mais nova (a irmã de Eleni) na escola. Eles param em uma rua deserta e ela muda para o banco detrás do carro. Na cena seguinte, ela esta sendo violentada sexualmente por um homem; em seguida, por outro homem. Depois, aparece o pai que, ante dela se vestir, transa com ela. Em seguida, o pai recebe o pagamento pelo programa. Detalhe: a filha não tem mais do que uns 13 ou 14 anos! A irmã teria contado para Angeliki o segredo da família, motivando o suicídio. Há detalhes mais escabrosos, mas deixo para quem quiser conferir. Logo, a câmera baixa representa a depressão que esse pai causa na família.
Além da abordagem corajosa, o filme tem o mérito de provocar o espectador. Por boa parte da projeção, o pai é visto como porto seguro da família. Mas, um mal-estar difuso permanece no ar. Quando os segredos são revelados, toda a imagem que temos das personagens é alterada. Como se retirado um véu, enxergamos a verdade.
Próxima exibição: oficialmente, a Mostra de Cinema de São Paulo já encerrou. Contudo, do dia 01/11 ao dia 07/11, ocorreu a Repescagem. Alguns dos filmes com maior destaque são reexibidos em algumas salas selecionadas. Vocês podem conferir a programação da repescagem no site da Mostra de São Paulo. Miss Violence será reexibido no dia 07 de novembro, às 20:00 h na sala BNDES da Cinemateca.
Mostra de cinema é algo curioso. Ia eu assistir ao 3x3D, conjunto de curtas-metragens que diretores como Peter Greeneway e Jean-Luc Godard discutem. Aí começa a conversa na fila e alguém sugere o filmePeixe e Gato. O filme seria um genial plano-sequência (sem cortes) misturando presente, passado, flashbacks, etc. A figura nem quis dizer muito para não estragar as surpresas. Como ainda tem mais uma exibição do 3x3D (e segundo informações que tive, entrará em cartaz no Cinesesc de São Paulo) e era a última exibição de Peixe e Gato lá fui vê-lo.
Dirigido pelo iraniano Shahram Mokri, o filme é um longo plano sequência de 134 minutos. Realmente não há cortes. A câmera só desliga no final do filme. Nesse tempo, acompanha dois grupos: um de jovens que vão participar de um campeonato de pipas e outro de três senhores donos de um restaurante (pelo que pude compreender, eles serviam carne humana por lá).
Visto apenas na técnica, o filme realmente é um feito! A direção consegue coordenar os diversos atores para que entrem em cena sem tirar a organicidade do movimento da câmera. É até bastante eficiente a passagem de um grupo de atores para outros. Existe mesmo momentos bonitos, como a representação de um déjà vu efetuado com um giro que a câmera dá em seu próprio eixo. Realmente, muito bonito! Contudo, fica a questão, esse maneirismo vai além disso? O plano-sequência torna-se algo essencial para a mensagem do filme?
A quebra das regras artísticas tem duas motivações: o simples desejo de quebrar uma regra ou porque ela é necessária para contar a história e passar certas sensações. Como as vanguardas do século XX cuidaram de quebrar as regras para mostrar que a essência da arte é a liberdade, hoje, a quebra pela quebra perdeu força. Ainda temos casos muito interessantes (como a abertura de Gravidade, em cartaz), mas, o que mais encanta é quando a fuga de um modelo serve para a narrativa, quando percebemos que, sem essa subversão, não acessaríamos centro da narrativa. Será que Peixe e Gato é um caso assim?
Sinceramente, não consegui perceber esse vínculo entre forma e conteúdo. Depois de quase uma hora e meia, é perceptível a função do plano-sequência, dispensar a sala de edição! Isso mesmo. Shahram Mokri monta o filme na tela. Nos primeiro minutos, há uma narrativa linear. Depois de certo momento, o filme torna-se circular, passando mais de uma vez pela mesma cena. Como em um déjà vu primeiro acompanhamos um par de atores, depois, voltamos ao ponto inicial para ver outro par de atores.
É realmente muito curioso. Mas, depois que descobrimos o jogo, o filme de esvazia. Não há uma história interessante, as personagens são vagas demais, não se compreende a ligação entre elas. Enfim, é uma historia vazia em uma embalagem sofisticada. A única função do plano-sequência é esconder um roteiro ruim (se é que foi feito um roteiro formal).
O iraniano deixou duas reflexões interessantes: quais os limites do uso do plano-sequência? No caso do iraniano, não colheu bons resultados. Segundo, depois das vanguardas do início do século passado, a forma pela forma não tem mais o mesmo impacto; a quebra da forma, se bem integrada à narrativa, é deliciosa!
O interessante de Mostras de Cinema é o contato com filmografias pouco acessíveis, quase exóticas. Não falo de filmes iranianos (vamos combinar, no circuito alternativo, eles são mainstream), mas de coisa exótica, como uma comédia croata. Os Filhos do Padre, de Vinko Bresan, não chega a ser instigante ou mesmo exótica; é curiosa. Seguindo a cartilha da narrativa clássica, o filme conta a história de Fabijan (Kresimir Mikic), jovem padre católico que, assustado com a quantidade de mortes e a falta de nascimentos em sua comunidade, decide furar as camisinhas. Ele se une com os dois vendedores de preservativos da cidade.
O filme tem um ponto de partida interessante, que poderia gerar críticas ácidas. Bom, não conheço detalhes do catolicismo croata – pelo que consta, eles são bem religiosos – mas, considerando a média da população internacional, as piadas, apesar de divertidas, fazem uma crítica que é corrente até entre católicos. Nesse sentido, o filme bate em cachorro agonizante, apontando o quão retrógrado podem ser certos discursos da Igreja – até o Papa Francisco já contemporiza esse discurso.
Nada disso significa que o filme seja um desastre ou chato. Significa que se mantém em uma zona de conforto. Mesmo nela, contudo, consegue produzir situações divertidas, com algumas sacadas realmente muito interessantes. O diálogo entre o padre Fabijan e o Bispo é muito bom, acima da média do restante da história.
No geral, Os Filhos do Padre é uma comédia divertida e relaxante, além de ser sempre algo sempre um bom exercício conhecer filmografias pouco acessíveis.
Próximas exibições:
Dia 28/10 – 21:00 – Cinemark Shopping Cidade Jardim 6
Dia 30/10 – 22:25 – Espaço Itaú de Cinema – Augusta 1
Acredito que obras de arte não tem classificação etária. Nada impede alguém de pouca idade conseguir apreciar um Pedro Almodóvar ou alguém mais velho se empolgar com um desenho da Disney. Apesar dessa máxima, certas coisas são mais bem apreciadas com mais idade ou, ao menos, depois de adquirida certa experiência de vida. Era Uma Vez Em Tóquio (1953), de Yasujiro Ozu, é um caso desses.
Exibido na Mostra de São Paulo em regime de minirretrospectiva, o filme segue a simplicidade marcante de Ozu. Um casal de idosos viaja da cidade de Onomichi a Tóquio para visitar os filhos depois de longo período distante. Acontece que os filhos não têm todo tempo do mundo para os pais. Eles tentam dar atenção aos pais ou fazê-los se sentirem bem, mas eles percebem que incomodam.
Não é um filme trágico. Ozu constrói um drama íntimo. Somado à tradição japonesa de profundo respeito e educação, Era Uma Vez… é um drama em voz baixa, que nunca se esquece da beleza da vida. O filme pode ser lido como uma exposição do choque entre tradição e modernidade no Japão do pós-guerra. Mas, sua estética peculiar, de cortes precisos, enquadramentos belíssimos que exploram as possibilidades da arquitetura tradicional japonesa, cenários simples e elegantemente construídos e uma câmera fixa posicionada na altura dos olhos de alguém sentado no tatame, Ozu limpa a imagem nos permitindo a construção de sentidos e sentimentos.
É muito difícil não completarmos a tela com uma narrativa pessoal. Lembrei-me de meus pais, de minha noiva e dos pais dela. Talvez você se lembre dos seus pais, dos seus avós, dos seus netos, de um irmão, de uma nora, de um tio. Memórias e afetos convocados para se infiltrarem na imagem.
Quem não puder vê-lo em tela grande, pode assisti-lo em DVD, em edição lançada este ano pela Versátil.
Próximas exibições:
Dia 28/10 – 13:00 – Espaço Itaú de Cinema – Frei Caneca 1
Dia 31/10 – 20:00 – Espaço Itaú de Cinema – Frei Caneca 3
O japonês Takashi Miike é um diretor controvertido, que até críticos não se acertam se gostam ou não. Bom, eu gosto! Seu último trabalho, comparado com obras como Audição e Ichi, The Killer, pode ser considerado livra, ou ao menos, indicado para maiores de 14 anos (a classificação oficial é 18).
Em Escudo de Palha, a cabeça de um serial killer está a prêmio. Depois de ter sua neta assassinada, um magnata oferece 1 bilhão de ienes para quem matá-lo (a quem interessar: na cotação de hoje, vale R$ 22.440.000,00). Para sua segurança, o assassino se entrega à polícia local. A missão: levá-lo em segurança para a polícia federal, em Tóquio.
Cinco policiais são o escudo contra todo um país! Essa é a sensação do filme. Bandidos, anônimos, policiais, enfim, todo tipo de gente tenta matar o assassino Kiyomaru (Tatsuya Fujiwara). Pode soar muito absurdo para nós o esforço que os cinco policiais – especialmente Mekari (Takao Ohsawa) – em proteger um psicopata que nem se esforça para ser simpático. Até a plateia deseja liquidá-lo. É o sentimento de honra e de dever que guiam esses policiais. O pior sujeito deve ser julgado pela justiça. O dever de cumprir uma ordem é mais que uma questão legal, é a honra que está em jogo. E os japoneses levam muito à séria a honra!
Ter isso em mente é necessário para entender o dilema dos protagonistas. Não se trata de proteger um inocente nem um bandido vítima da sociedade injusta (Miike dá uma aula de como humanizar um assassino sem torná-lo coitadinho). Mas, de cumprir um dever que as personagens carregam dentro de si como o correto e o honrado a ser feito. Tudo isso embrulhado com ação de primeiríssima qualidade. Miike em ótima forma!
Alguns dos filmes mais instigantes da atualidade vêm da Ásia. Japão, China, Hong Kong, Cingapura, Coréia do Sul. Ah, os sul-coreanos… Eles estão conseguindo conciliar blockbuster com filmes mais artísticos mantendo uma média de alta qualidade. Confissão de Assassinato, de 2012, primeiro longa ficcional de Jung Byung-Gil me provocou uma questão sobre o cinema sul-coreano.
No filme, Lee Du-seok publica um livro no qual descreve uma séria de assassinatos ocorridos tempos atrás e se assume como autor dos crimes. Choi, detetive responsável pelo caso, assiste tudo impotente, pois os crimes já prescreveram. O filme se estrutura em dois eixos: a relação entre Choi e Lee e os familiares das vítimas, que desejam matá-lo. Falar mais sobre o enredo pode estragar algumas surpresas. Melhor falar do estilo!
O filme tem edição ágil (no começa tem até câmera na mão, algo não muito recorrente no cinema sul-coreano). As sequências de ação são delirantes, a direção busca enquadramentos inusitados. Há um misto de drama e humor negro. O roteiro é rocambolesco, delirante, fazendo a gente se perguntar se realmente é um bom roteiro.
De maneira geral, Confissão de Assassinato é um filme bom que sintetiza muitas características do cinema sul-coreano. Para quem duvida, faça a dobradinha e assista OLDBOY, um dos melhores filmes da primeira década do século. Contudo, o filme de Byung-Gil não tem a mesma potência, por vezes parece genérico. E aqui surge a pergunta: as semelhanças com outras obras indicam que o cinema sul-coreano está consolidando suas características fundamentais (e poderemos futuramente falar em uma escola) ou seriam clichês se formando?
O Conselheiro do Crime é o novo projeto de um dos maiores diretores do cinema de Hollywood atual, Ridley Scott. O pai de Alien – O Oitavo Passageiro (1979) e Blade Runner (1982) entraria para a história só por esses dois projetos, mas Scott viveu para ter uma das carreiras de maior prestígio do cinema americano. O cineasta se consolidou entre os grandes verdadeiramente, da última década em diante. Durante as décadas de 1980 e 1990 seus filmes não chamavam muita atenção, e foi quando o diretor entregou seus trabalhos menos expressivos como Chuva Negra (1989), Perigo na Noite (1987), e o seu filme menos apreciado, Até o Limite da Honra (1997), com Demi Moore como uma militar.
O Conselheiro do Crime marca seu vigésimo segundo filme da carreira, e décimo segundo somente nos últimos doze anos. Os novos projetos de Scott são assim, chamam a atenção por serem grandiosos, e fazerem uso de um elenco renomado. O diretor é, no entanto, considerado um grande operário, por cumprir bem seu papel em todo e qualquer tipo de gênero (seja filmes de guerra, épicos medievais, ficção científica, dramas e inclusive comédias leves), sem possuir um estilo único estético ou narrativo. Scott mais uma vez realiza um bom trabalho atrás das câmeras em seu novo filme, o maior problema aqui é mesmo, inusitadamente, o texto do sempre ótimo Cormac McCarthy (Onde os Fracos Não Têm Vez e A Estrada).
O escritor octogenário cria uma história difícil de ser acompanhada, e desinteressante. Na qual a simplicidade das situações é totalmente enevoada por diálogos complexos e rebuscados, que parecem não fazer muito sentido dentro de sua própria lógica. Tudo soa como aquele bêbado metido a intelectual no bar, que sabe citar grandes versos, mas num contexto totalmente equivocado. Ver o resultado final da obra faz pensar que talvez esse tenha sido o motivo de tanto mistério em torno da produção, em relação à sinopse e trailers: Aqui realmente não existe muito. A trama, um tanto quanto simplista, traz o ótimo Michael Fassbender (visto pela última vez justamente ao lado de Scott em Prometheus) como um advogado, cujo personagem não possui nome.
Ele está envolvido numa parceria empresarial com o homem de negócios escuso, Reiner, vivido de forma chamativa (mais em sua caracterização do que na atuação em si) por Javier Bardem (Amor Pleno). Por dívidas financeiras, o advogado decide dar o passo além, e aderir ao tempestuoso mundo do tráfico de drogas, ao lado de seu parceiro de negócios. A primeira metade de O Conselheiro do Crime consiste apenas no personagem sondar as possibilidades de sua nova ventura. E essa é justamente a melhor parte do filme. Todas as hipóteses de se mergulhar num mundo sujo, e suas consequências, são levantadas através de muitos diálogos entre os personagens de Fassbender, Bardem, e também de Brad Pitt (Guerra Mundial Z).
Pitt interpreta o intermediário de um cartel. Ele é o típico texano, e seu personagem faz uso de um chapéu de cowboy. Da metade em diante, quando tudo começa a dar errado dentro da trama para o protagonista, o filme igualmente sai dos trilhos. O motivo é que não sentimos em momento algum aonde e porque as coisas poderiam ter dado tão errado a ponto de acontecerem de forma tão rápida e trágica para todos. O único motivo para isso é simplesmente para servir a trama, porque tinham que acontecer para termos um filme. Mas sem uma explicação convincente nossa credulidade também se esvai, como o sangue de diversos personagens.
As atuações são muito boas, todos estão no auge de sua arte. O problema é que parecem perdidos em seus diálogos, como, por exemplo, numa cena em que Bardem confessa para Fassbender o que sua namorada, interpretada por Cameron Diaz (Um Golpe Perfeito) fez com seu carro. Ou quando a mesma personagem resolve se confessar para um padre na igreja. Bons atores precisam ser convincentes recitando o mais louco e desconexo dos diálogos, e isso é um pouco do que acontece aqui. São cenas soltas do resto do filme, que não funcionam num geral, apenas independentemente. O filme possui momentos e cenas ótimas, mas que simplesmente não funcionam de forma agrupada.
Por falar em Cameron Diaz, a atriz desempenha provavelmente seu melhor papel de toda a carreira. Como a sexualmente agressiva Malkina, a loira é mais uma das onças pintadas do personagem de Bardem, e possui inclusive as tatuagens nas costas para provar. De unhas prateadas, dente de ouro, e penteado estiloso, Diaz exala mais sensualidade do que qualquer outra personagem desse ano. Sua performance vem igualada, criando uma mulher fria, sedutora, que possui seus próprios segredos, e que quem sabe daria medo até mesmo em Lisbeth Salander (personagem da trilogia Millenium). Já existe inclusive falatório de prêmios para a atriz de 41 anos (se não for agora, quando?). Ah sim, Penélope Cruz (Os Amantes Passageiros) também está nesse filme, como a “noiva” de Fassbender. O talento da espanhola merecia mais.
Ilo Ilo é o filme indicado por Cingapura para concorrer a uma vaga ao Oscar de 2014. Depois de uma carreira nos curtas, Anthony Chenestreia com sucesso em seu primeiro longa (que também roteiriza). Durante a crise financeira de 1997, a filipina Teresa (Angeli Bayani) vai trabalhar como doméstica na casa da família Lim. Acompanhamos a busca por adaptação de Teresa e as dificuldades dos Lim, Teck (Chen Tian Wen), o pai, Hwee Leng (Yeo Yann Yann), a mãe, e Jiale (Koh Jia Ler), o filho.
A narrativa costura as relações afetivas e conflitos desses sujeitos. Teck enfrenta o desemprego e busca apaziguar os conflitos familiares. Jiale, com sua peraltice busca atenção e carinho, enquanto recorta os números da loteria, em busca de alguma lógica. Os grandes destaques são Teresa e Hwee Leng – todo elenco é ótimo, mas essas duas atriz impressionam.
Hwee está grávida e quer espera que a filipina seja uma ajuda. Ela busca ganhar dinheiro fácil em meio a crise, tenta colocar o filho na linha e dar força ao marido. Teresa busca se adaptar ao trabalho, a um país estranho, controlar a saudade da família, especialmente do filho, tenta encontrar uma forma de ganhar um pouco mais de dinheiro e tenta domar Jiale, que com suas tolices acaba prejudicando-a.
Isso é um esboço da narrativa. Relevante é apontar os méritos estéticos. Anthony Chen começa acertando ao fugir do maniqueísmo. Ninguém assume o papel de vilão – já basta a crise financeira – nem de vítima. Conseguimos encontrar em cada personagem (especialmente em Hwee e Teresa) algum momento de excesso, outro de fraqueza, erros, acertos. Enfim, o diretor consegue humanizar seus personagens. Também consegue mimetizar o cotidiano. Apesar de existir uma linha narrativa, diversos eventos servem para expor esse fluxo do dia a dia. A opção por boa parte dos enquadramentos próximos dos atores e dos objetos e de uma razão de aspectos mais restrito, passam a sensação de espaço reduzido, como se realmente estivéssemos em um pequeno apartamento de Cingapura. Poucos são os planos mais abertos. Contudo, esse enquadramento mais fechado não passa angustia, antes ajuda a nos inserir naquele cotidiano.
O filme enfoca o problema dos imigrantes de forma muito delicada. Pessoas que nem sempre deixam seu país por gosto, mas por necessidade, para buscar condições melhores de trabalho. Novamente não há paternalismo, apenas uma exposição franca da condição quase sempre difícil, na qual a saudade e a solidão são, muitas vezes, os únicos companheiros. E há a crise financeira, esse fato tão inerente ao nosso tempo. São ciclos que, como outros problemas da vida, se repetem, mas que podem ser devastadores, ou silenciosamente destrutivos.
Próximas exibições:
Dia 28/10 – 18:00 – Espaço Itaú de Cinema – Frei Caneca 1
Dia 30/10 – 17:40 – Espaço Itaú de Cinema – Frei Caneca 4
