O novo terror de tubarão assassino do diretor Tommy Wirkola (‘Zumbis na Neve’) será intitulado ‘Beneath the Storm‘ (Sob a Tempestade, em tradução literal), e ganhou data de estreia.
O longa está programado para estrear no dia 1º de agosto de 2025.
Phoebe Dynevor (‘Jogo Justo’) será a protagonista. Whitney Peak (‘Gossip Girl’) e Djimon Hounsou (‘Um Lugar Silencioso: Parte 2’) também foram confirmados no elenco.
Infelizmente, detalhes sobre a trama do filme não foram divulgados.
O projeto está sendo desenvolvido pela Sony Pictures.
Wirkola é conhecido pelos fãs do gênero, tendo comandado ‘Zumbis na Neve‘ e sua sequência, ‘João e Maria: Caçadores de Bruxas‘, ‘The Trip‘ e ‘Noite Infeliz‘.
Adam McKay e Kevin Messick serão responsáveis pela produção.
As filmagens estão programadas para os próximos meses, na Austrália.
‘Meu Filho, Nosso Mundo’ (Ezra) estreou para aluguel no Prime Video. O filme, que acompanha a jornada de um pai ao descobrir que seu filho é autista, recebeu elogios no Rotten Tomatoes, com uma aprovação de 70% da crítica especializada, com base em 88 análises, e 92% do público.
Os críticos, em geral, consideraram o longa emocionante e sua mensagem essencial, destacando as atuações de Robert De Niro e Bobby Cannavale.
“A integridade fundamental de Meu Filho, Nosso Mundo, que o torna um filme sincero apesar de alguns elementos formulaicos, é a sua mensagem de que não existe uma solução mágica para ajudar crianças atípicas”, disse Owen Gleiberman da Variety.
“Conquista o carinho do público de forma genuína, graças ao seu elenco excepcional e à direção sensível, que respeita e valoriza o roteiro bem construído”, disse Michael Rechtshaffen do The Hollywood Reporter.
“O que torna a história encantadora é a química entre Cannavale e Fitzgerald, que desenvolvem uma conexão realmente especial e memorável”, disse Natalia Winkelman do New York Times.
“O filme explora o difícil percurso de dois pais lidando com os desafios impostos pelo Transtorno do Espectro Autista de seu filho”, disse Valerie Complex do Deadline.
“Um filme que+ merece ser visto e discutido”, disse Sergio Burstein do Los Angeles Times.
“O filme de Goldwyn nunca soa desonesto, pois é evidente o amor e o cuidado investidos na maneira como a história foi contada”, disse Nate Richard da Collider.
“A honestidade emocional do filme é quase totalmente comprometida pelas soluções forçadas do enredo. No entanto, a maneira como esse modesto filme se recusa a ser limitado por suas dificuldades parece ser um passo na direção certa”, disse David Ehrlich IndieWire.
“Uma verdadeira joia, com atuações excepcionais”, disse Chris Bumbray do JoBlo’s Movie.
O longa está em cartaz nos cinemas nacionais.
Na trama, Bobby Cannavale interpreta o comediante Max Bernal, um homem que está com casamento e carreira falidos e vive com seu pai Stan (Robert De Niro).
Ele tem divergências com Jenna (Rose Byrne) sobre a melhor maneira de cuidar do filho deles, Ezra, de 11 anos e diagnosticado com autismo. Decidido a mudar o jogo, Max parte com Ezra em uma viagem de carro para encontrar um lugar onde possam ser felizes.
O longa estrelado por Robert de Niro, Bobby Cannavale, Rose Byrne e William Fitzgeral.
Antes da era da internet, nas décadas de 1980, 1990, a forma que o público tinha de saber os filmes que seriam lançados era assistindo aos trailers no cinema, antes da sessão. A maioria gostava de chegar cedo para conferir as prévias e saber o que iria querer assistir da próxima vez.
Já no fim dos anos 90 e o advento da internet no Brasil, o público conseguia assistir a tais prévias sem precisar sair de casa. E essa estratégia foi se intensificando. Por exemplo, muitos lembram da comoção que foi a estreia do trailer de ‘Homem-Aranha’ (2002) online.
Como os cinéfilos são apenas, digamos, 5% da população mundial, o grande público, que é fã casual da sétima arte, gosta de saber do que se trata o filme antes de investir seu dinheiro. O cinéfilo assiste de tudo, por outro lado. Dessa forma, os trailers servem para fazer esse trabalho, de apresentar o filme ao espectador, sua história, os atores e os realizadores.
Hoje vivemos numa era da glamourização e espetacularização dos trailers de filmes aguardadíssimos. A prova disso foi o fenômeno midiático do teaser de ‘Superman’, um dos mais assistidos da história, e também o do recente ‘Quarteto Fantástico’ – do qual falaremos abaixo. Confira uma nova leva de trailers recém-lançados e programe-se.
A reimaginação do Quarteto Fantástico pelas mãos da Marvel Studios é um dos filmes mais esperados de 2025. A superfamília da editora foi o primeiro supergrupo da casa. E esse era um projeto dos sonhos do produtor Kevin Feige. Na primeira prévia, pudemos sentir o clima futurista retrô de uma década de 60 alternativa, a personalidade dos protagonistas (destaque para o Coisa e seu novo visual) e até mesmo um vislumbre da grande ameaça, o gigante Galactus, e seu visual bem característico dos quadrinhos. Mas o que deixou todos se perguntando foi: quem será o personagem vivido por John Malkovich, que aparece em um take no trailer.
Num dia temos o trailer de ‘Quarteto Fantástico’, e logo no outro temos outro de um dos blockbusters que compõem o top 5 dos maiores filmes do ano. Falamos de ‘Jurassic World: Recomeço’, filme que promete dar início à terceira trilogia dentro desta franquia. Desta vez, a ação será comandada pela musa Scarlett Johansson, fazendo seu melhor cosplay de Lara Croft e disposta a encarar todo tipo de dinossauro, incluindo novas adições ao parque, com sangue nos olhos. De quebra ainda teremos o reforço de Mahershala Ali, ator duas vezes vencedor do Oscar. E é assim que ele pretende derrotar os dinos: com sua atuação soberana.
Um dos filmes que estamos mais ansiosos para conferir, é o filme de vampiro dirigido por Ryan Coogler. O cineasta é um dos mais interessantes da atualidade, e ainda não possui uma bola fora em sua carreira. Coogler comandou o primeiro ‘Creed’ e os dois ‘Pantera Negra’. Agora, ele promete sacudir as coisas com esse longa que parece ter muita classe. Passado na década de 1930, na época da lei seca, o longa traz Michael B. Jordan interpretando irmãos gêmeos. Eles estão à frente de um bar que burla a lei e vende bebida. A vida boêmia toma conta e o jazz corre solto. Porém, na cidade chegam forasteiros misteriosos atrás de sangue.
Por falar em sangue, espere ver litros e mais litros serem despejados na tela em ‘Premonição: Laços de Sangue’. O sexto filme da franquia, onde não se pode enganar a morte. Tudo começou em 2000, quando um grupo de jovens deixa um avião e depois o vê explodindo. Um dos rapazes teve uma premonição. Mas era para eles terem morrido, e agora a própria morte vai atrás deles, eliminando um por um, em uma série de acidentes bizarros. A ideia foi legal o suficiente e os produtores resolveram repeti-la por mais quatro filmes. O último havia sido lançado em 2011. Agora, 14 anos depois seremos brindados com mais um episódio da franquia, que pele título faz referência a uma maldição passada dentro de uma mesma família.
O terror ‘M3GAN’ teria sido só mais um produzido pela Blumhouse, não fosse a sorte grande que o filme tirou ao conseguir viralizar a dancinha da boneca assassina. E o filme foi realmente vendido em cima desta única cena, contida no trailer, e que transformou o longa em um sucesso. A dancinha da personagem era imitada e repetida por toda internet. Esse sucesso garantiu o segundo filme, que é claro já exibiu a prévia (um teaser) apostando novamente nos movimentos de dança da nova androide.
Vivemos numa época de nostalgia, de apego ao passado, ao que nos remete conforto. E Hollywood percebeu isso. Não é à toa que por lá são lançadas continuações tardias de sucessos, mas também filmes cult, dos anos 80, 90 e 2000. Até o Brasil pegou essa moda, com o recente ‘O Auto da Compadecida 2’. O próximo a chegar será ‘Um Maluco no Golfe 2’, sequência do sucesso cult de 1996, estrelado por Adam Sandler como um raivoso jogador de hockey, precisando aprender a ser golfista. O longa chega direto na Netflix, parte do acordo do ator com o streaming.
Não se assuste pelo título, ‘Mickey 17’ não é uma continuação. Esta é a mais nova e ambiciosa empreitada do diretor sul-coreano Bong Joon-Ho, mais conhecido pelo vencedor do Oscar ‘Parasita’. Para os que conhecem de perto a carreira do cineasta, sabem que ‘Parasita’ foi um ponto fora da curva em seu repertório, já que o diretor está mais acostumado a realizar sátiras sociais na forma de ficções científicas, como ‘O Hospedeiro’, ‘Expresso do Amanhã’ e ‘Okja’. Em ‘Mickey 17’, ele aposta em uma ficção científica espacial épica, para contar a história de um sujeito derrotista, se inscrevendo em um programa, no qual seus clones são usados para missões do governo, e sempre terminam morrendo. O filme já havia lançado um trailer, esse é o segundo.
Para quem trabalha com cinema e fala disso 24 horas por dia, é raro ser surpreendido por um filme que não sabíamos sequer que estava sendo produzido. Por isso, quando algo assim ocorre, dá um prazer totalmente diferente. Esse foi o caso com ‘Drop’, nova produção da Blumhouse e Platinum Dunes, dirigida por Christopher Landon (‘A Morte te dá Parabéns’ e ‘Freaky – No Corpo de um Assassino’). Landon havia sido contratado para a direção de ‘Pânico VII’, mas deixou a produção em meio à polêmica demissão de Melissa Barrera – esse foi o filme que ele pegou em seguida. Menos cômico e mais voltado ao thriller, o filme da Universal traz a ótima Meghann Fahy, como uma jovem mãe viúva, saindo para seu primeiro encontro em anos. Tudo começa bem, mas logo ameaças bem reais vindas de seu celular tornarão a noite em um verdadeiro pesadelo. Só pelo trailer já ficamos roendo a unha. Esse promete.
Baseado em um famoso videogame de terror, na trama temos um grupo de jovens, viajando até uma cidadezinha do interior americano, a fim de encontrar a irmã desaparecida de uma delas. Uma vez no local, estranhos acontecimentos começam a ocorrer ao redor da casa onde se encontram. A grande sacada desta produção da Sony, dirigida por David F. Sandberg (‘Quando as Luzes se Apagam’, ‘Annabelle 2’ e ‘Shazam’) é que, após todos serem mortos por um assassino mascarado, a mesma noite volta a se repetir – como uma espécie de ‘A Morte te dá Parabéns’, mas vivenciado por todos os amigos. Fora isso, a cada nova noite, um monstro diferente, seja um zumbi e até um gigante, aparece para dar cabo destes jovens. Criativo.
Quando falamos em filmes de máfia no cinema, automaticamente pensamos em Robert De Niro, um dos grandes atores associados com o gênero. De Niro é o grande nome por trás de ‘Alto Knights – Máfia e Poder’, nova produção de máfia ambiciosa da Warner. No filme, o ator tem a chance de interpretar não um, mas dois lendários gangsters da vida real: Vito Genovese e Frank Costello. A decisão de ter De Niro em ambos os papeis pode soar estranho, mas não deixa de ser curiosa. Atrás das câmeras na direção temos Barry Levinson (diretor do filme de máfia ‘Bugsy’ – indicado ao Oscar em 1992). O roteiro é de Nicholas Pileggi, o mesmo que escreveu ‘Os Bons Companheiros’ e ‘Cassino’, ambos com De Niro.
Aqui temos o novo filme de ação de Jason Statham, dirigido por David Ayer (do sucesso ‘Beekeeper’ do ano passado) e escrito pelo parça do ator, Sylvester Stallone. O “garanhão italiano” gosta de histórias sobre o homem comum, um trabalhador, que consegue superar as adversidades e salva o dia. Nesse novo filme, Statham é um operário em uma obra, que tem uma ligação bem próxima com seus patrões, uma família que o ajudou muito. Quando eles se metem em uma enrascada e têm a filha sequestrada, cabe ao sujeito durão fazer a sua parte, e retribuir o favor para os empregadores. Vai ser marretada para todo lado.
Esse ano teremos ainda outro diretor que começou no terror, retornando às suas origens. O espanhol Jaume Collet-Serra hoje comanda blockbusters como ‘Jungle Cruise’ e ‘Adão Negro’. O diretor já teve sua fase na ação, com thrillers como ‘Desconhecido’, ‘Sem Escalas’, ‘Noite sem Fim’ e ‘O Passageiro’, gênero para o qual retornou recentemente no sucesso ‘Bagagem de Risco’, da Netflix. Mas Serra começou a carreira no terror, em filmes como ‘A Casa de Cera’ e ‘A Órfã’. É para lá que ele irá retornar em 2025, com o lançamento de ‘A Mulher no Jardim’ neste primeiro trimerstre. A história traz a ótima Danielle Deadwyler atormentada pela visão de uma mulher misteriosa, toda vestida de preto e com um véu, que aparece em seu jardim de tempos em tempos, e entrega frases de avisos assustadores.
Finalizamos com mais uma produção de terror da Sony, esse um slasher, que será a pedida ideal para os casais que curtem adrenalina no dia dos namorados americano. Depois de ‘O Dia dos Namorados Macabro’ e ‘O Dia do Terror’, um novo filme do gênero chega para sacudir a data romântica, usando como máscara de seu assassino o emoji “corações nos olhos”. Um jovem casal apaixonado, em seu primeiro encontro, vivido por Mason Gooding (dos recentes filmes ‘Pânico’) e Olivia Holt (‘Dezesseis Facadas’), irão se deparar com a fúria do mascarado “Heart Eyes”. Christopher Landon, de quem já falamos acima, assina o roteiro. O filme traz ainda Jordana Brewster no elenco.
Originalmente programada para o dia 24 de outubro, a série ‘The Librarians: The Next Chapter‘, que daria sequência à clássica ‘The Librarians‘, foi engavetada pela CW.
O canal anunciou que um novo reality, intitulado ‘The Wranglers‘, assumiu a data. O programa segue a vida pessoal e profissional de um grupo de jovens trabalhadores em um rancho de Montana.
A mudança reforça o novo foco da emissora: priorizar programas não roteirizados, que são mais baratos de se produzir.
‘The Librarians: The Next Chapter’ seria centrada em “um bibliotecário do passado que viajou no tempo até o presente e agora se encontra preso aqui. Quando ele retorna ao seu castelo, que agora é um museu, ele inadvertidamente libera magia por todo o continente. Ele recebe uma nova equipe para ajudá-lo a limpar a bagunça que fez, formando uma nova equipe de bibliotecários”.
Dean Devlin foi o produtor executivo e roteirista.
Vale lembrar que a série original se estendeu por quatro temporadas antes de ser cancelada.
O fenômeno de bilheteira ‘Barbie’ pode estar prestes a ganhar um novo filme, desta vez em formato de animação, produzido pela Illumination.
De acordo com o Puck, Chris Meledandri, CEO da Illumination, está em negociações com a Mattel para uma possível adaptação animada. A escolha pela Illumination surge após o grande sucesso de ‘Super Mario Bros.: O Filme’, que foi uma colaboração bem-sucedida entre o estúdio e a Nintendo.
É importante ressaltar que, até o momento, nemGreta Gerwig, nem Margot Robbie estão envolvidas no projeto, que ainda não foi oficialmente confirmado pela Mattel.
Sucesso nos cinemas, o live-action de ‘Barbie‘ conseguiu ultrapassar a impressionante marca de US$ 1.4 bilhão nas bilheterias mundiais em 2023.
Assista à nossa crítica:
No fabuloso live-action da boneca mais famosa do mundo, acompanhamos o dia a dia em Barbieland – o mundo mágico das Barbies, onde todas as versões da boneca vivem em completa harmonia e suas únicas preocupações são encontrar as melhores roupas para passear com as amigas e curtir intermináveis festas. Porém, uma das bonecas (interpretada por Margot Robbie) começa a perceber que talvez sua vida não seja tão perfeita assim, questionando-se sobre o sentido de sua existência e alarmando suas companheiras. Logo, sua vida no mundo cor-de-rosa começa a mudar e, eventualmente, tem que sair de Barbieland.
Vale lembrar que o live-action é dirigido pela aclamada cineasta Greta Gerwig (‘Lady Bird: A Hora de Voar’).
Fede Alvarez, diretor de ‘Alien: Romulus‘, revelou que adoraria comandar um novo filme da franquia ‘Alien vs. Predador‘.
O cineasta ainda comentou que adoraria assumir a direção do novo crossover ao lado de Dan Tratchenberg, que comandou o aclamado ‘O Predador: A Caçada‘.
“Talvez [‘Alien vs. Predador’] seja um projeto que eu tenha que dirigir ao lado do meu amigo Dan [Tratchenberg]. Acho que poderíamos fazer algo como o Quentin Tarantino e o Robert Rodriguez fizeram em ‘Um Drink no Inferno’; eu dirijo metade do filme, e ele irá dirigir a outra.”
Sucesso nos cinemas, os dois primeiros filmes da franquia ‘Alien vs. Predador‘ arrecadaram US$ 177.4 milhões e US$ 130.2 milhões, respectivamente. Infelizmente, nenhum dos filmes chegaram a agradar os críticos, amargando 22% e 12% de aprovação.
Vale lembrar que ‘Alien: Romulus‘ foi aclamado pelos críticos com 82% de aprovação no Rotten Tomatoes.
O consenso geral destaca a competente direção, os visuais e o “insano” terceiro ato do longa. Além disso, a produção foi aclamada por suas cenas violentas e homenagens à franquia.
“‘Alien: Romulus’ presta uma homenagem perfeita aos filmes originais, trazendo de volta efeitos práticos e momentos aterrorizantes e cheios de suspense. O terceiro ato é absolutamente insano e certamente será divisivo.” (Mama’s Geeky)
“Tudo se torna grosseiramente psicossexual, delirante e terrivelmente sombrio, como é característico do Fede Alvarez, mas nunca em um nível que leve ao exagero.” (Daily Dead)
“Por mais bem elaborado e assustador que este filme seja, ele não consegue escapar da sombra dos dois primeiros clássicos da franquia e, em certo ponto, simplesmente para de tentar.” (Rue Morgue Magazine)
“Este filme traz um banho de sangue que combina melhor com a franquia ‘A Morte do Demônio’ do que com o terror sufocante de ‘Alien’. O diretor prefere torturar seu elenco do que desenvolver seus personagens.” (IndieWire)
“Fede Alvarez se superou com seu melhor filme até agora! ‘Alien: Romulus’ é uma carta de amor à franquia. Lindo, aterrorizante, retorcido, estranho, grotesco, sangrento e, acima de tudo, profundo e cheio de camadas.” (Zach Pope Reviews)
“Cailee Spaeney pode parecer, à primeira vista, uma sucessora improvável da franquia, mas a estrela de ‘Priscilla’ certamente faz sua presença ser reconhecida no terceiro ato do filme.” (Deadline)
Enquanto exploram as profundezas de uma estação espacial abandonada, um grupo de jovens colonizadores espaciais se depara com a forma de vida mais aterrorizante do universo.
O longa será ambientado entre os eventos de ‘Alien, o Oitavo Passageiro‘ (1979) e ‘Aliens, O Resgate‘ (1986), e já recebeu a aprovação de ninguém menos que Ridley Scott e James Cameron, os lendários diretores por trás dos clássicos originais.
O vencedor do Oscar Nicolas Cage dará vida ao lendário treinador de futebol americano e locutor de rádio John Madden na vindoura cinebiografia ‘Madden’ (via ComicBook.com).
Supervisionado pela Amazon/MGM, o longa será dirigido por David O. Russell (‘O Lado Bom da Vida’, ‘Trapaça’).
Will Ferrell estava sendo considerado para o projeto em meados do ano passado, bem como Hugh Jackman. Entretanto, ambos não conseguiram o papel.
Em uma declaração oficial, Russell exaltou Cage:
“Nicolas Cage, um dos maiores e mais originais atores, dará vida ao melhor do espírito americano de originalidade, diversão e determinação, em que tudo é possível, como a amada lenda nacional John Madden. Junto com o estilo feroz, o estilo e o individualismo inspirador de Al Davis, dono dos Oakland Raiders, o filme será sobre a alegria, a humanidade e a genialidade que foi John Madden em um mundo amplamente inventivo e instigante dos anos 1970″.
Com poucos detalhes revelados, sabe-se que a narrativa funcionará como a história de origem da ‘Madden NFL’, uma das maiores franquias de videogames de todos os tempos – afastando-se da estrutura conhecida das cinebiografias.
As filmagens da parte siciliana do filme devem começar em cerca de dois meses na ilha de Favignana, conhecida como “ilha das cabras”, que se acredita ser o lugar onde Homero imaginou Odisseu desembarcando com sua tripulação para estocar comida. A idílica ilha faz parte do arquipélago de Egadi, na costa noroeste da Sicília.
Nolan também filmará algumas das cenas nas ilhas Eólias da Sicília, de acordo com várias fontes, mas a maior parte das filmagens acontecerá na ilha em questão. As outras locações anunciadas foram o Reino Unido e o Marrocos.
O filme, que será estrelado por Matt Damon e Tom Holland, segue envolto em mistério, com poucos detalhes revelados até o momento.
“O filme é um épico de ação mítico filmado em todo o mundo usando a novíssima tecnologia de filme IMAX e traz a saga fundamental de Ulisses para as telas de filme IMAX pela primeira vez. A estreia nos cinemas acontece mundialmente em 17 de julho de 2026.”
‘A Odisseia‘ continua sendo uma das mais antigas peças literárias lidas pelo público moderno. Ele narra a história do herói grego Odisseu durante sua tumultuada jornada para casa após a Guerra de Troia.
‘A Odisseia‘ foi levada às telonas algumas vezes antes, primeiro com um filme mudo de 1911 de Giuseppe de Liguoro, e depois com ‘Ulisses‘ de 1954, estrelado por Kirk Douglas.
Nolan começou a escrever o filme em março. Donna Langley, presidente da Universal Pictures, é a única pessoa que já leu o roteiro.
Esse é o primeiro papel da atriz após sua aclamada performance na minissérie ‘Bebê Rena’, que lhe rendeu o Emmy Award e o Globo de Ouro de Melhor Atriz Coadjuvante.
A trama companha os filhos afastados de um artista outrora famoso que contrata um falsificador para completar suas obras inacabadas para que possam ser descobertas e vendidas após sua morte.
Mesmo anos depois de ter sido finalizada, a saga cinematográfica ‘Harry Potter’ permanece como uma das mais influentes da sétima arte, principalmente quando fazemos um recorte de seu legado para o século XXI e para o gênero fantástico. Ao longo de oito longas-metragens que adaptaram os sete romances originais de J.K. Rowling, o time de diretores, roteiristas e produtores responsáveis por trazer as obras à vida redefiniu o conceito de blockbusters desde sua estreia em 2001 até sua finalização em 2011. E, neste ano, um dos melhores capítulos da franquia completa nada menos que quinze anos.
Em 2010, David Yates retornava pela terceira vez consecutiva à cadeira de direção de ‘Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1’, que dava início à conclusão dessa incrível narrativa iniciada com ‘Harry Potter e a Pedra Filosofal’. Já tendo comandado os ótimos ‘Harry Potter e a Ordem da Fênix’ e ‘Harry Potter e o Enigma do Príncipe’, Yates não era nenhum estreante nesse fantasioso cosmos e, seguindo os passos do que havia nos apresentado anteriormente, focaria em uma identidade diferente dos capítulos anteriores – apostando fichas em uma ambientação ainda mais obscura e que premeditaria a queda do mundo bruxo como, até então, o conhecíamos.
A narrativa traz o personagem titular, interpretado por Daniel Radcliffe, no início de sua busca pelas Horcruxes – objetos repletos de magia das trevas que contêm cada qual um pedaço da alma de Lorde Voldemort (Ralph Fiennes). Após a morte de Alvo Dumbledore (Michael Gambon) no capítulo anterior, Harry une forças com Rony (Rupert Grint) e Hermione (Emma Watson) e parte em uma missão extremamente perigosa para reaver esses objetos, destruí-los e, então, engajar na batalha final contra vilões mortais que desejam higienizar o mundo mágico dos nascidos trouxas e dos meios-sangues – reiterando a falsa superioridade dos bruxos sangues-puros.
À época do lançamento, foi notável como os fãs da saga se viram diante de uma das produções mais “comedidas” das adaptações, por assim dizer. Em outras palavras, Yates utilizou a primeira metade do livro original para apostar mais fichas no drama entre os personagens e na crescente disparidade social que crescia dentro do mundo bruxo para garantir que a ideia principal fosse um tour-de-force amalgamado a um enredo coming-of-age, culminando em uma mixórdia de todos os obstáculos enfrentados pelo trio protagonista com o passar dos anos. E isso não é tudo: aliando-se a Steve Kloves no roteiro, o realizador permite que temas mais densos pincelem essa última incursão pelo destino do universo mágico que reside nas mãos de três jovens.
Percebemos como as próprias investidas artísticas reiteram o longa-metragem como uma espécie de preparação e “prelúdio” para a icônica batalha final que dominaria os cinemas de todo o planeta um ano mais tarde. A parte inicial de ‘Relíquias da Morte’ reduz o ritmo através de sequências mais vagarosas de outras da saga, deixando que a trama seja mais um estudo de personagens e de relações interpessoais do que uma aventura clássica permeada por cenas de ação e de magia. É claro que os confrontos existem – como a invasão do casamento de Gui e Fleur pelos Comensais da Morte ou até mesmo o incrível e emocionante confronto no Ministério da Magia-, mas a ideia aqui é permitir que os nossos heróis tenham noção em que estão se metendo e que se preparem para um iminente fim e possível ressurreição.
Se o espectro tonal da obra é voltado, em essência, ao drama, não é muita surpresa que parte dos espectadores tenha se decepcionado. Todavia, ao revisitar o projeto, temos plena ciência de que essa redução nas frenéticas construções cênicas é ímpar para permitir que a segunda parte atinja seu ápice e sagre uma conclusão satisfatória e aplaudível. Mas isso não quer dizer que o resultado de ‘Parte 1’ seja frustrante: pelo contrário, o roteiro em si abre espaço para que Radcliffe, Grint e Watson entreguem performances arrebatadoras e que demonstram sua evolução na franquia – afinal, os jovens atores cresceram como seus respectivos personagens e, prestes a se despedirem, trazem essa agridoce sensação a um desenlace emocionante.
A obra também chama nossa atenção pelo afastamento imagético das iterações predecessoras, inclusive quando paramos para analisar a paleta de cores e a fotografia. Enquanto cada uma das outras entradas carregava consigo uma identidade visual bastante chamativa – como o uso de tonalidades azuis no primeiro e no terceiro capítulos, ou os agouros de mau-presságio dos tons verdes no segundo e no sexto filmes -, a fotografia de Eduardo Serra é sóbria, beirando um monocromático derradeiro que dá indícios de uma falta de prospecto tristonha e conformista, à medida que Voldemort continua seu reino de caos e terror (antecipando a vibrante explosão de cores em ‘Parte 2’).
Quinze anos depois de seu lançamento oficial nos cinemas, ‘Harry Potter e as Relíquias da Morte: Parte 1’ é um dos filmes dessa icônica e memorável franquia que merece ser revisitado – a fim de que seja apreciado dentro daquilo que se propõe. As propositais limitações rítmicas são essenciais para que os eventos do livro de Rowling se condensem e se transmutem em uma obra de arte cinemática e que apresenta um novo lado de um universo movido pela magia e pelo fabulesco.
Foram revelados hoje (08) os vencedores da 39ª edição dos Prêmios Goya – uma das premiações mais respeitadas e prestigiadas do circuito europeu (considerando, inclusive, como o Oscar espanhol).
A cerimônia, apresentada pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas da Espanha, ocorreu em Granada, Andaluzia.
O aclamado drama brasileiro ‘Ainda Estou Aqui’, dirigido por Walter Salles e estrelado pela vencedora do Globo de Ouro Fernanda Torres, foi condecorado com o prêmio de Melhor Filme Ibero-Americano. O título concorria com as produções ‘Agarrame Fuerte’ (Uruguai), ‘El Jockey’ (Argentina), ‘El Lugar de la Otra’ (Chile) e ‘Memorias de um Cupero que Arde’ (co-produção entre Costa Rica e Espanha).
Confira a lista de vencedores abaixo:
MELHOR FILME
Casa en Flames El 47 (VENCEDOR – EMPATE)
La Estrella Azul La Infiltrada (VENCEDOR – EMPATE)
Segundo Premio
MELHOR DIREÇÃO
Pedro Almodóvar – O Quarto ao Lado
Arantxa Echevarria – La Infiltrada
Paula Ortiz – La Virgen Roja
Aitor Arregi & Jon Garano – Marco Isaki Lacuesta & Pol Rodriguez – Segundo Premio (VENCEDORES)
MELHOR DIREÇÃO ESTREANTE
Miguel Faus – Calladita
Pedro Marín-Calero – El Llanto Javier Macipe – La estrella azul (VENCEDOR)
Sandra Romero – Por donde pasa el silencio
Paz Vega – Rita
MELHOR ROTEIRO ORIGINAL Eduard Sola – Casa en Flames (VENCEDOR)
Alberto Marini and Marcel Barrena – El 47
Javier Macipe – La Estrella Azul
Amelia Mora & Arantxa Echevarria – La Infiltrada
Aitor Arregi, Jon Garano, Jorge Gil Munarriz, Jose Mari Geonaga – Marco
MELHOR ROTEIRO ADAPTADO
Alex Montoya & Joana M Ortueta – La Casa Pedro Almodóvar – O Quarto ao Lado (VENCEDOR)
Pilar Palomero – Los Destellos
Mar Coll and Valentina Viso – Salve Maria
Iciar Bollain and Isa Campo – Soy Nevenka
MELHOR ATOR
Alberto San Juan – Casa en Flames Eduard Fernandez – Marco (VENCEDOR)
Alfredo Castro – Polvo Seran
Urko Olazabal – Soy Novenka
Vito Sanz – Volvereis
MELHOR ATRIZ
Emma Vilarasau – Casa en Flames
Julianne Moore – O Quarto ao Lado
Tilda Swinton – O Quarto ao Lado Carolina Yuste – La Infiltrada (VENCEDORA)
Patricia Lopez Arnaiz – Los Destellos
MELHOR ATOR COADJUVANTE
Enric Auquer – Casa en Flames Salva Reina – El 47 (VENCEDOR)
Oscar de la Fuente – La Casa
Luis Tosar – La Infiltrada
Antonio de la Torre – Los Destellos
MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Macarena Garcia – Casa en Flames
Maria Rodriguez Soto – Casa en Flames Clara Seura – El 47 (VENCEDORA)
Nausicaa Bonnin – La Infiltrada
Aixa Villagran – La Virgen Roja
MELHOR ATOR REVELAÇÃO
Óscar Lasarte – ¿Es el enemigo? La película de Gila
Cuti Carabajal – La estrella azul Pepe Lorente – La estrella azul (VENCEDOR)
Cristalino – Segundo premio
Daniel Ibáñez – Segundo premio
MELHOR ATRIZ REVELAÇÃO
Zoé Bonafonte – El 47
Mariela Carabajal – La estrella azul
Marina Guerola – Los destellos Laura Weissmahr – Salve María (VENCEDORA)
Lucía Veiga – Soy Nevenka
MELHOR FOTOGRAFIA
Isaac Vila – El 47 Edu Grau – O Quarto ao Lado (VENCEDOR)
Javier Salmones – La Infiltrada
Takuro Takeuchi – Segundo Premio
Gris Jordana – Soy Novenka
MELHOR MONTAGEM
Nacho Ruiz Capillas – El 47
Javier Macipe and Nacho Blasco – La Estrella Azul
Victoria Lammers – La Infiltrada
Fernando Franco – Los Pequenos Amores Javi Frutos – Segundo Premio (VENCEDOR)
MELHOR ANIMAÇÃO
Buffalo Kids
Guardania de Dragones – Dragonkeeper Mariposas Negras (VENCEDORA)
Rock Bottom
SuperKlaus
MELHOR DOCUMENTÁRIO
Domingo Domingo La Guitarra Flamenca de Yerai Cortés (VENCEDOR)
Marisol, Llamame Pepa
Mi Hermano Ali
No Estas Sola
MELHOR FILME IBERO-AMERICANO
Agarrame Fuerte – Uruguai Ainda Estou Aqui – Brasil (VENCEDOR)
El Jockey – Argentina
El Lugar de la Otra – Chile
Memorias de un Cuerpo que Arde – Costa Rica/Espanha
MELHOR FILME EUROPEU
O Conde de Monte Cristo – França Emilia Pérez – França (VENCEDOR)
Flow – Latvia
La Chimera – Itália
A Zona de Interesse – Reino Unido
MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL
Arnau Bataller – El 47
Arturo Cardelús – Guardiana de Dragones – Dragonkeeper
Fernando Velázquez – La Infiltrada Alberto Iglesias – O Quarto ao Lado (VENCEDOR)
Sergio de la Puente – Verano en diciembre
MELHOR CANÇÃO ORIGINAL
“Show Me”, Fernando Velázques – Buffalo Kids
“El borde del mundo”, Valeria Castro – El 47 “Los Almendros”, Antón Állvarez & Yerai Cortés – La guitarra flamenca de Yerai Cortés (VENCEDORES)
“La Virgen Roja”, Maria Arnal – La Virgen Roja
“Love is the worst”, Alondra Bentley & Isaki Lacuesta – Segundo premio
A trama acompanha dois amigos do ensino médio, Marshall e Frances, que se reconectam e descobrem um novo tipo de droga que supostamente pode curar todas as doenças. No processo, eles também descobrem uma conspiração envolvendo a Reutical Pharmaceuticals, Inc., uma das maiores empresas farmacêuticas e o governo para suprimir todo o conhecimento do referido medicamento.
Contando com dois episódios já disponíveis, a série foi criada por Joseph Bennett e Steve Hely e conta com elementos de surrealismo, comédia, drama e thriller de conspiração.
O restante dos episódios será lançado semanalmente na plataforma de streaming.
Em meio ao sucesso e à visibilidade mundial do longa ‘Ainda Estou Aqui’, dirigido por Walter Salles e estrelado por Fernanda Torres, o governo federal resolveu dar vida a um interessante projeto que visa celebrar a cultura cinematográfica do Brasil (via CNN).
Segundo informações, o governo irá lançar uma plataforma de streaming totalmente gratuita que terá foco em produções nacionais. Detalhes apontam que o serviço deve ser disponibilizado no segundo semestre de 2025.
O projeto parte de uma iniciativa da Secretaria do Audiovisual (SAV) e, a princípio, disponibilizar títulos que já estejam sob direito do governo federal – incluindo curtas e longas-metragens de gêneros variados, além de outros conteúdos audiovisuais. Porém, a ideia também engloba o lançamento de obras mais atuais.
A plataforma em questão teria um funcionamento similar a de outros grandes serviços similares como o Prime Video, a Max e a Netflix. Entretanto, a reportagem frisa que apenas produções brasileiras integrarão o catálogo.
O Ministério da Cultura, inclusive, emitiu uma declaração oficial dizendo que “a plataforma está em fase de finalização, prometendo democratizar o acesso às produções nacionais, além de enriquecer o panorama do consumo de produções audiovisuais brasileiras e garantindo que a cultura do país seja acessível a todos”.
O edital do projeto indica que o investimento necessário para o lançamento da plataforma é de R$4,2 milhões e que, a princípio, 447 títulos serão disponibilizados para os assinantes.
O serviço é impulsionado pelo recente ‘Ainda Estou Aqui’, que conquistou nada menos que três indicações ao Oscar e tornou-se um fenômeno de bilheteria – tendo seu circuito expandido, inclusive, nos Estados Unidos.
Além de conquistar 95% de aprovação da crítica no Rotten Tomatoes, ‘Ainda Estou Aqui’ disputa a estatueta em três categorias do Oscar: Melhor Filme, Melhor Filme Internacional e Melhor Atriz para Fernanda Torres.
Os vencedores serão revelados em 02 de março.
O longa-metragem é inspirado no livro homônimo de Marcelo Rubens Paiva sobre a história de sua família. O relato começa no início dos anos 70, quando um ato de violência muda a história da família Paiva para sempre. O livro e o filme abraçam o ponto de vista daqueles que sofrem uma perda em um regime de exceção, mas não se dobram.
O elenco é também formado por Selton Mello, Valentina Herszage, Luiza Kosovski, Bárbara Luz, GuilhermeSilveira, Cora Ramalho, Olivia Torres, Antonio Saboia, Marjorie Estiano, Maria Manoella e Gabriela Carneiro da Cunha.
A AMC divulgou um trailer inédito da 3ª temporada de ‘Dark Winds’, suspense policial baseado no romance de George R.R. Martin e Robert Redford.
O novo ciclo tem estreia marcada para o dia 09 de março.
Confira:
Lembrando que Jeri Ryan e Nicholas Logan foram escalados para a nova temporada.
Ryan dará vida a Rosemary Vines, uma femme fatale que coloca suas garras no policial da Nação Navajo Jim Chee, deixando um rastro de corpos em sua busca pelo poder. Logan será Coltin Wolf, um perigoso assassino de aluguel. Ambos os personagens apareceram no romance ‘People of Darkness’, da saga ‘Leaphorn & Chee’.
Em ‘Dark Winds’, dois policiais da comunidade indígena Navajo, o xerife Joe Leaphorn (Zahn MacClarnon) e o novato Jim Chee (Kiowa Gordon), investigando um homicídio duplo em um motel de uma comunidade pacífica no sudeste dos Estados Unidos. Ambientado na década de 1970, a série explora as motivações por trás dos assassinatos e as consequências dessa brutalidade em todos os envolvidos.
A série é baseada na série de livros de Tony Hillerman, a produção tem recebido ótimas críticas e atraiu mais de 2,2 milhões de espectadores somente em sua estreia.
‘Pleasantville: A Vida em Preto e Branco’ é um filme fora do comum, a começar pela premissa de estilo sci-fi que logo se transforma em uma trama tragicômica deliciosa de ser acompanhada desde o início do primeiro ato: dois irmãos adolescentes e com relações interpessoais bem conturbadas são arrastados para dentro de um programa dos anos 1950 que empresta seu nome ao título. A partir daí, inúmeros acontecimentos hilários permeiam a vida dos dois, estendendo-se para os engessados personagens do show, os quais passam a experimentar coisas que nunca acharam ser possíveis, visto que viviam em uma utopia inquebrantável marcada pela excessiva perfeição.
Sem dúvida alguma, Gary Ross pode ser compreendido como uma das mentes mais criativas – e tal afirmação é respaldada pela sinopse apresentada no parágrafo acima. Talvez essa investida do final do século passado tenha lhe dado base para produzir e dirigir franquias futuras, como ‘Jogos Vorazes’ e até mesmo o spin-off‘Oito Mulheres e um Segredo’. Entretanto, é quase óbvio compreender que o cineasta não tinha ideia de que seus esforços para trazer a pacata comunidade de Pleasantville à vida renderiam muito mais que uma simples comédia romântica adolescente: aqui, nos deparamos com brechas e lacunas preenchidas com ácidas críticas sociais revestidas de uma branda sutileza que é a principal marca do filme – afinal, levando em conta os estereótipos da década em questão, nada fugia muito do convencional.
A trama é protagonizada por David (Tobey Maguire) e Jennifer (Reese Witherspoon), unidos por laços fraternais complicados e muito diferentes um do outro: enquanto esta mergulha em uma crescente fase rebelde, aquele mantém-se em uma zona de conforto que o transforma no típico nerd, passível de sofrer apenas por sua inteligência acima do normal e seu apreço por obras audiovisuais clássicas. Os dois não parecem se importar um com o outro e, após receberem a misteriosa visita de um técnico de televisões, são arrastados para o ilusório e perfeito mundo seriado de Pleasantville – e a própria chegada já começa a trazer certas rupturas às regras e às normas onipotentemente presentes em tal microcosmos. Jennifer logo encarna a persona de Mary Sue, enquanto David se torna Bud, ambos filhos do propositalmente forçado duo formado por Betty (Joan Allen) e George Parker (William H. Macy).
Assim como inúmeros filmes predecessores e sucessores a este, é quase automático pensar que os irmãos deverão dar um jeito de se entenderem e voltarem à sua realidade – mas o que eles não imaginavam é que eles deveriam seguir os passos dos “verdadeiros” Bud e Mary Sue e não desestruturar o equilíbrio cosmológico daquela comunidade. Em outras palavras, Ross, que também fica responsável pelo incrível e dinâmico roteiro, se baseia muito na ideia do controverso efeito borboleta para endossar as consequências dos atos dos protagonistas: apesar de tentarem ficar restritos ao que lhes é imposto, eles pensam erroneamente que “brincar” com alguns aspectos pode ser divertido e inocente.
Logo, o mundo em preto e branco começa a se pincelar com cores vivas; os ares de uma brusca e interessante mudança transformam a perfeita e monótona atmosfera em algo parecido com angústia, medo e tesão pelo novo. Os personagens, antes doutrinados a seguirem regras extremamente puritanas, logo se tornam despojados, livres, inclinando-se para a máxima do carpe diem ao invés de permanecerem em suas bolhas sociais. A sagacidade de Ross em sair da zona de conforto também abre margens para, como supracitado, críticas e alfinetadas em um conservadorismo próprio da época e que se mantém até os dias de hoje – o que fornece certo respaldo anacrônico para sua obra.
Com o término do segundo ato e a entrada do terceiro, essa provocativa mudança começa a dar lugar a um antro conservador e reacionário que expande suas subtramas para a política da segregação racial da sociedade estadunidense nesta mesma época. A câmara da cidade começa a ser frequentada apenas pelos habitantes ainda não-coloridos e que se recusam a abrir sua mente para novas experiências e pessoas diferentes; ou seja, aqueles que ousaram trilha um caminho diferente foram condecorados com uma vida mais colorida literalmente e não veem nenhum motivo para retornarem ao que eram. E o que também parecia correr às mil maravilhas gradativamente cria raízes em dramas existencialistas que são tratados com seriedade pelo diretor e pela rendição aplaudível de seus atores principais – em especial a presença agradabilíssima de Allen dois anos depois de mostrar sua versatilidade em ‘As Bruxas de Salem’.
‘Pleasantville’ também não se mostra vazio quando pensamos em referências fílmicas; quando as tensões entre os dois grupos se agrava, Ross claramente mergulha em diversas obras distópicas para explorar as questões raciais (ainda que estas sejam distorcidas do real problemas que a nossa sociedade enfrenta). ‘Fahrenheit 451′ é um dos longas-metragens que serve como inspiração para algumas das sequências mais cruéis e dolorosas, em que as dezenas de livros da Biblioteca Municipal são queimados em praça pública por não condizerem com a paz e a ordem que os mais velhos tentam manter. A repressão à arte e à expressão também se faz bastante presente – e é assustador ver o números de pessoas que corrobora com a ideologia de que a libertação artística na verdade é uma “forma de trazer mazelas à moralidade e aos bons costumes”.
Ainda que tudo siga um ar mais metafórico, o novo projeto de Gary Ross não falha em quase nenhum quesito. Apesar da desnecessária longevidade cênica que por vezes se torna cansativa, toda a trama é bem amarrada e fornece resoluções não convencionais para seus personagens, fazendo bom uso tanto dos arcos de redenção quanto dos paradigmas narrativos que quebra a cada virada.
Lady Gaga é um dos titãs do pop contemporâneo e revolucionou o cenário musical quando surgiu em 2008 – chegando a influenciar até mesmo veteranas da indústria. Um Oscar, 14 Grammys e centenas de prêmios mais tarde, Gaga firmou-se na esfera fonográfica com força descomunal e permanece mais ativa do que nunca, dominando o entretenimento com uma perspectiva artística impecável.
Ao longo de seus dezessete anos de carreira, a performer também entregou videoclipes sensacionais, dirigidos por realizadores com tendências cinemáticas de tirar o fôlego – como não lembrar, por exemplo, da irreverência estética de “Applause” e de sua encarnação de Maria Madalena no blasfemo “Judas”?
Pensando nisso – e celebrando o sucesso de seu mais recente single, “Abracadabra”, preparamos uma breve lista elencando os dez melhores videoclipes da carreira de Gaga.
Confira abaixo nossas escolhas e conte para nós qual o seu favorito:
10. “TELEPHONE”
Direção: Jonas Åkerlund
Talvez a maior parceria feminina dos anos 2000, Gaga uniu forças com Beyoncé em uma escapada criminal que ganhou o título de “Telephone”. A sequência de “Paparazzi” é recheada de referências cinematográficas, incluindo ‘Kill Bill’ e ‘Thelma & Louise’, e traz as duas lendárias artistas em uma batalha pela liberdade.
Gaga fez sua estreia diretorial com “Judas”, uma de suas músicas e construções visuais mais polêmicas. Rechaçada pela Igreja Católica, toda a arquitetura funciona como uma releitura contemporânea da Bíblia e da história de Jesus, Judas Iscariotes e Maria Madalena, trazendo os personagens para uma missionária aventura com apóstolos motoqueiros e inclinações para diversas mitologias – incluindo a greco-romana e a egípcia.
8. “PAPARAZZI”
Direção:Jonas Åkerlund
Åkerlund trabalhou pela primeira vez com Gaga na monstruosa produção de “Paparazzi”. Na narrativa, que também traz a presença de ninguém menos que AlexanderSkarsgård como o vilão da história, a artista dá vida a uma estrela decadente que é seguida por fotógrafos em qualquer lugar e, além disso, é quase assassinada por seu namorado. Jurando vingança, ela se lança numa jornada de sobrevivência inspirada por clássicos filmes e ensaios artísticos – e ressignificações da própria indústria midiática.
7. “APPLAUSE”
Direção: Inez and Vinoodh
“Applause” faz parte da subestimada e irreverente obra ‘ARTPOP’, que foi duramente criticada à época de seu lançamento e redescoberta como uma incrível e ousada mudança para o cenário mainstream. O cinemático clipe é uma homenagem a Andy Warhol e ao movimento pop-art, misturando as tendências dos anos 1950 aos clássicos expressionistas ‘O Gabinete do Dr. Caligari’ e ‘Nosferatu’.
6. “YOÜ AND I”
Direção: Laurieann Gibson
Rodado em Springfield, Nebraska, “Yoü and I” é uma belíssima incursão country-pop que traz os vários alter-egos de Gaga, incluindo Jo Calderone e Yüyi. O principal conceito dessa produção de alto calibre é a jornada da artista em busca de seu amado – um cientista maluco que é interpretado por Taylor Kinney.
5. “ABRACADABRA”
Direção: Lady Gaga, Parris Goebel & Bethany Vargas
Para a mais recente canção de Gaga, a titânica musicista se aliou a Parris Goebel e a Bethany Vargas para uma impecável gema audiovisual intitulada “Abracadabra”. Além de levar a artista de volta para suas conhecidas eras dark – em especial ‘The Fame Monster’ e ‘Born This Way’ -, o videoclipe oficial do single funciona como uma clássica batalha entre o bem o mal em que cada frame é arquitetado com uma poderosa coreografia e uma fotografia artística de tirar o fôlego, apostando fichas em remodelações que até mesmo nos lembram de pinturas.
4. “911”
Direção: Tarsem Singh
Nada poderia nos preparar para o que Lady Gaga havia em estoque no mundo de ‘Chromatica’. Para a terceira música promocional do álbum, “911”, Gaga abraça a arte surrealista ao lado de Tarsem Singh, valendo-se de elementos clássicos do cinema, incluindo os longas-metragens ‘A Cor da Romã’ e ‘8 1/2’. A artista acorda em um deserto, rodeada de romãs, e então segue um cavaleiro misterioso até um vilarejo onde as coisas mais estranhas acontecem. A onírica narrativa termina em uma reviravolta gigantesca, que se tornou um dos assuntos mais comentados do ano e que chocou fãs ao redor do mundo.
3. “ALEJANDRO”
Direção: Steven Klein
O aclamado fotógrafo Steven Klein ficou responsável pelo clipe de “Alejandro”, que representa o amor de Gaga pela comunidade LGBTQ+ e a traz numa inflexão à la Bob Fosse com diversos soldados dançarinos em um cabaret. Assim que o vídeo foi lançado, a performer foi alvo de polêmicas por seu retrato blasfemo da mitologia católica e por suas inclinações para o BDSM.
Gaga ficou responsável por uma das maiores obras-primas visuais do século, o nostálgico e perturbador “Marry the Night”. O electro-rock-pop conta a história da própria cantora em busca de sua fama e de sua glória, filmado em Nova York e criando um universo psicodélico que é ambientado em uma clínica mental, um estúdio de dança, seu próprio apartamento em Nova York e um estacionamento abandonado.
1. “BAD ROMANCE”
Direção: Francis Lawrence
Surreal, alegórico e bastante teatral, o videoclipe de “Bad Romance” é considerado por vários especialistas e críticos musicais como o melhor do século XXI. Aqui, temos a mitologia do nascimento dos little monsters (alcunha dada à fanbase da cantora) e da própria mother monster; ela é capturada por um grupo de supermodelos que a drogam e a vendem para a máfia russa – e, eventualmente, Gaga ateia fogo em um deles.
Pelos cantinhos da delicadeza nascem inspiradoras lições. Histórias de luta e superação encontramos aos montes pelos catálogos dos streamings mas nesse início de fevereiro chegou até o acervo do mais poderoso streaming um projeto lindo e contagiante, com uma trama bem amarrada, que mostra de forma emocionante as dores e luta de uma família mexicana em busca de um melhor tratamento para o filho com uma condição complicada. Prepara o lenço pois esse filme emociona até os corações mais gelados!
Baseado no livro Los dos hemisferios de Lucca escrito por Bárbara Anderson e dirigido pela cineasta Mariana Chenillo – que já havia realizado um belíssimo trabalho no filme Paraíso (2013), exibido no Festival do Rio – Os Dois Hemisférios de Luccaé um olhar para uma jornada que consegue completar todas as lacunas com a emoção, movida também pelo real sentimento do que é uma família unida.
Desde o nascimento do filho Lucca, o casal Bárbara (Bárbara Mori) e Andrés (Juan Pablo Medina) enfrentam as probabilidades contra uma condição complicada provocada pela paralisia cerebral que atinge a criança. Quase sem esperanças de melhorias para o quadro do primeiro filho, com a epilepsia debilitando cada vez mais o estado de saúde, uma chance aparece do outro lado do planeta, na Índia, um tratamento inovador que pode mudar a vida deles para sempre. Lutando contra todo tipo de adversidade eles embarcam para o que pode ser o início de um passo importante.
Dentro desse contexto – que se torna amplo com a questão cultural que chega – percebemos as interpretações da fé também através do velho conflito com a ciência. A jornada cultural que passam os personagens acaba sendo um elo importante para o desenvolvimento de um elemento que chega com força, a culpa. Com o foco na mãe – interpretada de forma brilhante pela atriz mexicana/uruguaia Bárbara Mori – somos testemunhas do abrir e fechar da esperança.
O roteiro segue a cronologia de fatos que vão desde os primeiros passos na nova vida que o destino reservou para o casal, passando pela esperança em forma de uma descoberta que a ciência traz, até as burocracias e ganâncias que encontram pelo caminho. A narrativa lapida todos os cantos da emoção mostrando o amor através da rotina sem esquecer das verdades que a vida coloca como obstáculos. Esse pulsar dos sentimentos mas tendo os pés no chão – uma vertente da realidade – transformam essa obra em uma das mais bonitas lançadas nesse ano pelos streamings.
A plataforma de streaming BINGE divulgou o trailer oficial de ‘The Last Anniversary’, dramédia estrelada por Teresa Palmer (‘A Descoberta das Bruxas’).
A produção tem estreia marcada para o dia 27 de março, ainda sem previsão de chegada ao Brasil.
‘The Last Anniversary’ se passa na Ilha Scribbly Gum, um lugar com muitos segredos. Aquele que a tornou famosa – o desaparecimento de um jovem casal há décadas – pode ter feito da ilha um destino para verdadeiros turistas do crime, mas quando se trata de segredos, as três gerações de mulheres que vivem em Scribbly Gum têm muito mais.
A produção é baseada no romance homônimo de Liane Moriarty (mesmo nome por trás de livros que deram origem às séries ‘Nine Perfect Strangers’ e ‘Big Little Lies’). Moriarty entra como produtora executiva ao lado de Nicole Kidman, Per Saari e Bruna Papandrea.
Parker interpreta a icônica personagem na famosa franquia ‘Sex and the City’ e na série derivada ‘And Just Like That’ – onde Davis também reprisa seu papel como Charlotte York, uma das quatro protagonistas originais.
“Claro que ela leva para o lado pessoal, como ela não poderia?”, Davis disse ao ser questionada sobre isso durante o programa.
Como ela bem se recorda, na época em que começaram a trabalhar em ‘And Just Like That’, Parker percebeu que alguns sentimentos anti-Carrie estavam despontando nas redes sociais.
“Sarah dizia para mim: ‘o que é isso das pessoas não gostarem da Carrie?'”, Davis conta. “E eu respondi: ‘ah, não se preocupe com isso’. E ela ficou: ‘mas como as pessoas conseguem não gostar da Carrie?'”.
Lembrando que a 3ª temporada do spin-off chega ainda este ano à Max, sem data confirmada.
Recentemente, Rosie O’Donnell foi escalada para o novo ciclo e dará vida a uma personagem chamada Mary. Mais detalhes não foram revelados.
Além disso, Karen Pittman (Dra. Nya Wallace) e Sara Ramirez (Che Diaz) não irão retornar para os próximos episódios.
A trama acompanha Carrie, Miranda e Charlotte conforme navegam pela complicada jornada da vida e da sua amizade de quando estavam no auge dos seus 30 anos, agora para uma fase ainda mais complicada no auge dos seus 50 anos.
Em uma recente entrevista ao The Guardian, o astro Jeff Daniels revelou que guardou mais de duzentas críticas que detonaram a comédia ‘Debi & Lóide – Dois Idiotas em Apuros’.
Lançado em 1994, o longa-metragem acompanhou dois amigos debiloides que vão para Aspen, no estado do Colorado, para tentar devolver uma maleta esquecida pela passageira da limusine que um deles estava dirigindo para o aeroporto. Sem saber que na mala havia uma quantia enorme de dinheiro, que serviria para pagar o resgate de um sequestro, os dois acabam sendo perseguidos pela polícia e por assassinos profissionais.
Apesar de ter dividido a crítica à época do lançamento – com alguns tecendo elogios para a impiedosa e estúpida comédia, e outros detonando a falta de qualquer elemento cinematográfico da obra -, o filme tornou-se um clássico cult com o passar dos anos e conseguiu arrecadar fortes US$247 milhões ao redor do mundo.
“Eu tenho uma companhia de teatro em Michigan, então fiz uma sessão [do filme]”, Daniels revelou. “Eu estava sentado ao lado dos meus pais e, quando chegamos na cena da privada, meu pai colocou a cabeça entre as mãos e disse: ‘não, Jeffrey…’. Enquanto isso, cinco mil pessoas quase caíam das cadeiras de tanto rir. As críticas foram horríveis, porém. Eu ainda tenho uma agenda com 200 artigos de jornal detonando o filme e desejando que ele nunca tivesse existindo. Então, ficamos em primeiro lugar nas bilheterias por seis semanas. Foi aí que eu entendi que tínhamos feito o impossível”.
O filme ajudou a revitalizar a carreira de Daniels em Hollywood, além de transformá-lo em um habilidoso ator cômico, além de solidificar a carreira de Carrey.
O sucesso do longa rendeu uma pré-sequência lançada em 2003, uma sequência direta lançada em 2014 e uma série animada.
