Quando se fala em literatura policial em língua inglesa, os nomes dos autores Agatha Christie e Arthur Conan Doyle são citados constantemente. O filme Assalto em Dose Dupla (Flypaper) mistura fórmulas consagradas por esses dois escritores.
O enredo se passa em um banco que recebe a ilustre visita de dois grupos de assaltantes ao mesmo tempo. Antes que um dólar seja tocado pelos criminosos, um homem misterioso é assassinado no meio do saguão do banco.
Entre funcionários, clientes e ladrões; há treze suspeitos. Tem-se o clássico caso da sala fechada, uma fórmula de trama muito bem explorada na obra de Agatha Christie. Os desdobramentos da história trazem à memória o livro E não Sobrou Nenhum (antes conhecido como O Caso dos Dez Negrinhos).
Assalto em Dose Dupla não nega essa referência e inclui uma fala tirada das páginas escritas por Christie. Essa frase é de Tripp (Patrick Dempsey, de Transformers 3), um cliente do banco com problemas mentais que está determinado a entender o que está verdadeiramente acontecendo no banco.
Para resolver o mistério e conhecer melhor os demais personagens, Tripp faz uso de sua inteligência e de um afinado senso dedutivo. O protagonista é a ligação de Assalto em Dose Dupla com a obra de Arthur Conan Doyle, mais especialmente o detetive Sherlock Holmes.
Com essa receita, os fãs de Christie e Doyle terão bons motivos para assistir ao filme. Já o restante do público pode curtir essa mistura e aproveitar as inserções bem-humoradas do roteiro.
Daria para imaginar dois assaltos acontecendo simultaneamente no mesmo lugar?
Em Assalto em Dose Dupla (Flypaper), é isso o que acontece. Um banco está sendo assaltado por uma dupla de idiotas quando chega uma equipe, essa sim profissional, para assaltar o mesmo banco.
Patrick Dempsey participa do longa como um cara que aparentemente está sacando uma quantia no banco quando a confusão começa. Ele rapidamente tenta defender a moça do caixa, e logo começa a se envolver com ela de uma maneira muito estranha. Bom, na verdade tudo é estranho nesse filme.
Os dois bobocas que entram primeiro para assaltar o banco é a parte engraçada. Onde já se viu querer executar um assalto daquele jeito? Já a turma de assaltantes experiente é muito sinistra, andam só encapuzados e falam sério, não querem saber de brincadeiras em serviço.
O filme todo é uma confusão só, muita trapalhada e pouco sentido. Conforme as coisas vão acontecendo você vai percebendo que nada é o que parece ser. Os personagens são estranhos, mas é preciso prestar atenção em cada um para entender depois o quem de fato são.
Resumindo: o filme não é lá grandes coisas, você consegue dar algumas risadas, mas é só isso.
Inocência pura a minha ao achar que Cilada.com seria uma das piores surpresas do ano. Estreia na próxima sexta-feira Assalto ao Banco Central, de Marcos Paulo, um filme repleto de cenas de ação e montagem eficiente. Mas também uma produção adornada pelos mais pífios clichês do cinema estadunidense e com uma trama romantizada, baseada em fatos reais, ocorridos no Brasil há alguns anos.
Sempre soubemos que o cinema brasileiro esteve alguns passos atrás em relação a cinematografia estadunidense. Desde os primórdios, lá no cinema mudo, estávamos sempre em desvantagem. Quando o Brasil desponta para o sucesso tecnológico com as narrativas do cinema mudo, os Estados Unidos divertem os cinemas com as suas primeiras produções sonoras. A desvantagem do Brasil se torna algo muito irrelevante esteticamente com o Cinema novo no interior da conturbada década de 60 e financeiramente com o Cinema da Retomada, iniciado por volta de 1994. Cidade de Deus, Tropa de Elite, diretores como Walter Salles e Fernando Meirelles, mais indicações ao Oscar e outros importantes prêmios estrangeiros. Tudo parecia lindo e belo até a chegada de algumas pérolas com desejo de regressão: em 2011, Cilada.come este Assalto ao Banco Central são os representantes da ruindade no que tange à representação da linguagem do cinema na produção cultural brasileira.
Na sinopse oficial, temos a seguinte informação: Barão (Milhem Cortaz, mediano) teve a grande ideia de ganhar muito dinheiro em pouco tempo ao cometer o crime perfeito, sem violência. Para isso, basta arrumar as pessoas certas, dispostas a receber R$ 2 milhões, botar o plano em prática e executar a façanha. Após cerca de três meses de operação, R$ 164,7 milhões foram roubados do Banco Central, em Fortaleza, no Ceará. Sem dar um único tiro, sem disparar um alarme, os bandidos entraram e saíram por um túnel de 84 metros cavado sob o cofre, carregando três toneladas de dinheiro. Foi o segundo maior assalto a banco do mundo.
Nada contra a inspiração na cinematografia internacional. Este não é o grande problema de Assalto ao Banco Central, é apenas um deles. Na trama, temos os clichês mais óbvios e o desejo de repetir a fórmula dos sucessos do cinema hollywoodiano. O primeiro ângulo a iluminar está na construção das personagens: a policial interpretada por Giulia Gam, divide a sua investigação policial com alguns problemas pessoais, com o celular que não para de tocar, com alguém do outro lado da linha exigindo atenção. Nada mais óbvio: Sandra Bullock e Jodie Foster já fizeram algo parecido em Cálculo Mortal e O Silêncio dos Inocentes, respectivamente. Lima Duarte faz um delegado que investiga e implica boa parte do tempo com a personagem de Giulia Gam. Próximo do fim acaba aposentado contra a sua vontade. Quer mais clichês? O que dizer do parceiro do vilão, aqui chamado de Barão, que logo no começo percebemos que vai utilizar a sua forma física e essência machista para traçar a mulher do chefe, uma vulgar e durona secretária do namorado, que o ajuda na organização do crime e presta alguns favores na cama? Dois parceiros já maduros da equipe, que nunca se entendem e discutem o tempo inteiro no desenrolar da ação criminosa?
Se a construção de personagens é problemática, imagina-se que o roteiro também faz a narrativa afundar como uma bigorna: quem pensou assim, acertou. Repleto de flashbacks, o roteiro tinha tudo para disponibilizar uma intrigante história. Aqui, nada acontece: há personagens que desaparecem sem deixar vestígios, intensos buracos na narrativa que às vezes nos confundimos se estamos realmente numa sessão de cinema de ação nacional ou num enredo de feitiços e bruxarias como na sala de cinema ao lado, exibindo Harry Potter, onde coisas desaparecem de forma enigmática, sem deixar vestígios.
Todo este aparato crítico não é para deixar o leitor com pena dos envolvidos. Longe disso. Apesar de ser sofrível, a campanha de marketing do filme é excepcional e o trailer interessante, provavelmente garantindo o retorno do investimento na produção e a possibilidade de novos papéis para os envolvidos no elenco.
O maior assalto a um banco na história do Brasil, ocorreu faz alguns anos, e até hoje não conseguiram recuperar a quantia total roubada (160 milhões de reais). Essa história real, que nos lembra o filme de Woody Allen (Trapaceiros), onde a trupe woodialiana monta uma loja de cookies e embaixo do estabelecimento, cavam um túnel em direção ao banco.
Na vida real foi mais ou menos assim; inspirado neste fato, Marcos Paulo (o diretor de novelas) decidiu rodar um filme.
Esta é a estreia do diretor nos cinemas e isto é perceptível em sua narrativa. Motivos: escalação de atores globais no elenco (tudo bem, ele também convidou atores de cinema como Juliano Cazarré, Gero Camilo e Hermila Guedes); diálogos televisivos e over; e a tentativa frustrada de contar uma história não linear. Esta última é a pior. Pois o diretor não tem a sagacidade de um Tarantino para contar uma história fora da ordem, mas o faz a fim de aparentar inovação.
Iniciando pelo primeiro problema no longa: o elenco. Parte do elenco , acostumado com a linguagem televisa, ficou presa à tal. Com exceção de Lima Duarte, Juliano Cazarré, Gero Camiloe Tonico Pereira – cujos personagens são de longe os mais interessantes e bem interpretados -; o restante se conteve com atuações caricaturais ou por vezes expressivas demais – o caso de Eriberto Leão, Milhem Cortaz, Daniel Filho e Antonia Fontenelle (participação desnecessária). E por falar em Antonia Fontenelle, sua entrada é desesperada e didática demais.
Já Milhem Cortaz, não exibe aqui sua malvadeza e timming de Tropa de Elite; seu vilão/protagonista é over e canastra em demasio. O ator não conseguiu segurar a onda de protagonizar um filme, e nem tem porte para tal. Tonico Pereira exibe sua boa forma, e é por ter uma extensa bagagem cinematográfica que, juntamente com Gero Camilo, fornecem aos espectadores boas cenas de humor – que não aconteceriam se fosse outros atores -.
O segundo problema, é inevitável: os diálogos e situações televisivas. O excesso de frases de efeito tiram a dinâmica do filme. Tornando-o cansativo. A evasividade dos personagens contribui também para a falta de jogo entre os atores. O terceiro problema é o mais grave: a edição. Marcos Paulo tenta fazer algo diferente e atraente pro longa, em vão. A história é contada em dois momentos: a gangue planejando o roubo e a polícia investigando o crime. Simultaneamente. E quando a ação é finalizada, eles continuam a ação investigativa. Talvez se o caríssimo editor, exibisse primeiro as ações decorrentes da investigação,e aí depois narrasse como aconteceu tudo; o longa pudesse ter mais agilidade e pudesse despertar o interesse dos espectadores.
E ele se enrola em sua própria narrativa, acontecimentos são descritos muito antes de acontecerem. Como filme de ação, este não decola e como longa policial é brochante. Mas Marcos Paulo merece uma salva de palmas, esta é sua estreia cinematográfica e ele consegue resultados na sua obra de igual teor às produções dispensáveis de seu ator Daniel Filho, há anos produzindo/dirigindo/atuando no cinema brasileiro.
O cinema brasileiro está crescendo rapidamente, e com isso o número de filmes estreando aumentou drasticamente nos últimos anos, o que nos traz ótimas produções (‘Tropa de Elite 2’), bombas terríveis (‘Cilada.com’) e filmes despretensiosos, que divertem (‘De Pernas pro Ar’, ‘Bruna Surfistinha’).
‘Assalto ao Banco Central’ se encaixa na última citação, é entretenimento puro, divertido e descartável.
Inspirado em uma história real, que deixou a população brasileira boque aberta há seis anos, o longa tem erros e acertos visíveis, mas deixará grande parte do público satisfeito, com uma trama leve, cheia de boas risadas. ‘Assalto ao Banco Central’ é, na verdade, uma comédia.
Em Agosto de 2005, 164.7 milhões de reais foram roubados do Banco Central em Fortaleza, Ceará. Sem dar um único tiro, sem disparar um alarme, os bandidos entraram e saíram por um túnel de 84 metros cavado sob o cofre, carregando 3 toneladas de dinheiro. Foram mais de três meses de operação. Milhares de reais foram gastos no planejamento. Foi o segundo maior assalto a banco do mundo. Um dos crimes mais sofisticados e bem planejados de que já se teve notícia no Brasil. Quem eram essas pessoas? E o que aconteceu com elas depois?
O roteirista Renê Belmonte optou por usar a história real como base para uma trama fictícia, tendo a liberdade de trabalhar os personagens de maneira diferente da realidade, deixando os bandidos com cara de mocinhos.
E o problema é justamente esse: se Belmonte teve a liberdade de adicionar ficção à trama, ele poderia ter criado uma história muito mais realista e interessante, além de dar um fim digno a uma trama tão mirabolante, fato que não ocorreu – o final é o mais clichê possível.
A edição opta por adicionar os depoimentos dos bandidos enquanto a trama desenrola, para assim tentar criar um suspense sobre como eles conseguiram executar um golpe tão elaborado.
O grande acerto da produção está em seu elenco, muito esforçado e bem preparado. Milhem Cortaz é quem rouba a cena, como o vilão Barão. O veterano Lima Duarte também demonstra todo seu talento, na pele do delegado Chico Amorim. O destaque ainda vai para Hermila Guedes, que entrega uma grande atuação como a sensual Carla, e Giulia Gam, interessante como a delegada Telma. Eriberto Leão, o protagonista Mineiro, entrega uma atuação mediana e contida.
‘Assalto ao Banco Central’ é visivelmente baseado nas produções de assalto norte-americanas, e assim como as mesmas, diverte sem grandes pretensões. Filme pipoca.
Muito já se falou dos desafios de balancear tramas paralelas: alguma delas pode ficar interessante demais e ofuscar as demais, outra pode ficar esquecida por tempo demais… No caso de As Palavras (The Words), as tramas são interligadas, mas sua convivência não é pacífica.
Um autor (Dennis Quaid, de O que Esperar quando Você Está Esperando) está em um evento de promoção de seu novo livro. Ele lê trechos do romance para uma plateia ávida pela história. No meio do público destaca-se uma bela fã do escritor (Olivia Wilde, de O Preço do Amanhã).
O livro narra os conflitos de Rory (Bradley Cooper, de Sem Limites), um aspirante a autor que não consegue uma editora interessada em seus escritos. Um dia, compra uma antiga bolsa em Paris e encontra dentro dela um original inédito. Ele decide passar a limpo no computador aquele antigo texto cheio de talento.
Sua esposa (Zoe Saldana, de Colombiana: Em Busca de Vingança) lê a transcrição e acredita que aquela bela história de amor foi composta por seu marido. Ela o convence a apresentar o original para uma editora, onde o livro é publicado e trona-se um best-seller.
O verdadeiro autor (Jeremy Irons, de Margin Call) está vivo e entra em contato com Rory para contar sua história de vida em uma terceira narrativa de As Palavras. As três linhas dramáticas se entrelaçam no decorrer do filme, mas a confusão que criam desperdiça energia dos temas abordados.
O longa poderia tratar da ética dos protagonistas, da dificuldade de ser bem-sucedido no meio cultural, das histórias de amor de seus personagens; mas é tanta coisa acontecendo ao mesmo tempo que a concentração fica comprometida.
O espectador perde tempo demais para manter o entendimento das três tramas e não consegue se identificar com os personagens ou seus conflitos. A trilha musical de Marcelo Zarvos (Solteiros com Filhos) exagera em uma tentativa de injetar emotividade no conjunto, mas o roteiro impede a empreitada de ser bem-feita.
Anunciado como um dos melhores filmes do ano, e forte concorrente a diversas indicações no Oscar, “As Aventuras de Pi” é um feito impressionante da sétima arte, e demonstra que ainda existe criatividade na hora de se contar histórias.
Baseado numa obra literária escrita pelo espanhol Yann Martel, tida como inadaptável ao cinema, “As Aventuras de Pi” ganhou forma quando o extraordinário Ang Lee aceitou o desafio de peito aberto. Na trama, toda contada em forma de flashback pelo protagonista para um escritor, somos apresentados a Pi (cujo apelido vem do nome Piscine, Piscina em português, grande paixão de seu tio), um jovem indiano criado ao lado do irmão num zoológico, ambição de seu pai negociante. Quando sua família decide se mudar para outro continente a fim de uma vida mais próspera, a trama verdadeiramente tem início após uma cena-espetáculo do naufrágio de um grande encouraçado. O rapaz é deixado à deriva num bote com alguns animais sobreviventes, e logo após somente com um tigre, o qual recebeu o singelo nome Richard Parker. Durante a maior parte, “As Aventuras de Pi” é um rapaz, um barco e um tigre. Elementos simples para uma grande história, emocionante para cativar qualquer espírito.
O cineasta Ang Lee é sem dúvidas um dos nomes mais expressivos do cinema atual. Natural de Taiwan, Lee conquistou o mundo e quebrou as barreiras da língua demonstrando ser um dos diretores mais globais de todos os tempos. Após alguns filmes feitos na sua terra, em seu idioma, Lee surpreendeu ao adaptar o conto clássico, e super inglês, de Jane Austen, “Razão e Sensibilidade”. Afinal o que um cineasta asiático saberia sobre uma obra de época de um outro continente. O diretor entregou um dos melhores filmes dos anos 90, impecável em sua estética e narrativa, ainda conquistando indicações no Oscar. De lá para cá, Ang Lee ficou entre erros e acertos, mas nunca se domesticou pela comodidade, sempre encarando desafios. O cineasta pode ser considerado o mais corajoso e ousado contador de histórias da atualidade, mesmo que não acerte sempre, o que conta na carreira de Lee é o gosto pela mudança. Lee já se aventurou em desmascarar a classe média americana dos anos 70 em “Tempestade de Gelo” (antes de Sam Mendes fazer o mesmo em “Beleza Americana”), desmistificar o gênero do faroeste e a imagem do cowboy americano por duas vezes, em “Cavalgada com o Diabo” e “O Segredo de Brokeback Mountain“, além de investir em filmes de artes marciais, e até mesmo no subgênero dos super-heróis.
Agora, Lee apresenta mais um filme único e inusitado em sua carreira. Um espanhol e um taiwanês contando a história de personagens indianos. Como se não bastasse a mistura globalizada, “As Aventuras de Pi” é um filme onde muito poderia dar errado. Foi necessário um diretor com a sensibilidade de Ang Lee para capturar cada nuance dessa obra, que não possui muitos diálogos, mas tem muito a dizer sobre a natureza humana, e seu espírito resistente. Os efeitos visuais aqui são simplesmente fantásticos, em muitos momentos, ou em sua grande maioria, são usados animais virtuais, ou seja, criados por efeitos especiais, e o grande êxito do filme é nos fazer não conseguir diferenciar tais momentos. O tigre Richard Parker é sem dúvidas um dos personagens mais icônicos do cinema no ano. As cenas em que o tigre olha para o nada, para a imensidão que os cerca, onde não conseguimos diferenciar o céu do mar, é de uma beleza poética emocionante. Os efeitos em 3D são magníficos, esse é o filme que merecia ter sido rodado em 48 quadros por segundo e não “O Hobbit”, para termos toda a vantagem dos efeitos em 3D, e não ficarem escurecidos pelo óculos, esse filme precisava ser mais claro. De qualquer forma, a única maneira de ver “As Aventuras de Pi” é em 3D, você perderá grande parte do impacto se optar pela versão normal (que nem sei se existe).
O filme é pura poesia e um deleite visual. Infelizmente, “As Aventuras de Pi” tem sim seus problemas. O primeiro deles sendo tudo o que envolve a trama central, ou seja, o começo e o fim. “As Aventuras de Pi” é sobre um náufrago e um tigre, e caso fosse apenas isso seria uma obra-prima, coisa que por pouco escapa de ser. Para termos conhecimento das origens e crenças do protagonista Pi, os realizados optam por todo um início onde isso é mostrado (sem necessidade de fato). A obra demora a engatar e a dizer sobre o que verdadeiramente irá falar. Isso causa confusão para as pessoas que não sabem do que o filme se trata, e podem achar que mudou totalmente a sua trama, quando a história central é justamente o que é mostrado por grande parte.
Digamos que o filme começa como uma história sobre um jovem indiano em busca de sua verdadeira fé, ao lado da família num zoológico, e inclusive temos acrescentado um interesse amoroso que não nos leva a nada, e cenas que mostram a infância de Pi sendo hostilizado pelos coleguinhas no colégio devido a seu exótico nome. Tudo isso se formos parar para pensar é completamente descartável e não soma nada na trama central, assim como o tio apaixonado por piscinas que simplesmente é eliminado sem cerimônia se tornando apenas uma pequena nota no filme. Seja como for, “As Aventuras de Pi” é uma obra quase perfeita, digna dos maiores épicos de Hollywood, que conta uma história diferente e inusitada, e ganha muitos pontos por ser um filme família com conteúdo. O filme fará você verdadeiramente pensar, sentir e refletir, e deverá merecidamente ser lembrado no próximo Oscar.
“Existem alguns truques clássicos dentro de um filme: Nunca trabalhar com animais, crianças, água e 3D. Ignoramos tudo isso!” Essas foram às escarnecidas palavras do oscarizado diretor, americano de origem taiwanesa, Ang Lee (O Segredo de Brokeback Mountain), sobre a adaptação do romance ‘A Vida de Pi’, do escritor Yann Martel.
O best-seller que encantou o mundo, vendendo mais de 1,5 milhões de exemplares, foi imediatamente cogitado no orbe da sétima arte.
Justamente por tratar-se de uma aventura épica, que nos leva a refletir sobre o valor da vida e o conceito da presumível importância da fé – sendo assim necessária na existência de algumas pessoas –, fazendo uma intrigante comparativa, do fundamental papel da imaginação, quando você se depara com a crua e real verdade da nossa história. De como é mais fácil e adequado enxergar os fatos, de uma forma não ordinária ou prosaica. Essa é uma obra que está longe de querer insultar os não existencialistas (como quem vos escreve), mas de fazer com que os mesmos observem, de uma outra maneira, a visão do seu semelhante. Para assim respeitá-la, sem precisar, de fato, aceitá-la.
O conto traz um relato sobre o combate travado entre cinco criaturas, no Oceano Pacífico, narrado pelo indiano Piscine Molitor Patel, mais conhecido como Pi. Quando menino, ele e sua família, embarcaram num navio cargueiro, rumo ao Canadá, para escapar da inconstância política da Índia, nos anos 70. Um inesperado naufrágio deixa vivo apenas: O garoto, uma zebra, uma hiena, um orangotango e um tigre de Bengala. Salvos pelo único barco salva-vidas restante. Existindo, assim, uma verdadeira odisseia, repleta de inúmeras batalhas e caçadas, numa constante luta pela sobrevivência. Uma mágica aventura marinha de tirar o folego.
Inspirado, talvez, pela magnitude artística, residente no livro, Lee concretiza um dos filmes mais incríveis de sua carreira. Criando uma narrativa extremamente orgânica, que faz seus 127 minutos serem poucos ou exatos, para quem o assiste. Logo nos planos iniciais, passados no Zoológico, o impacto visual é estrondoso. Feito para se ver em 3D. Justamente por criar uma função junto à narrativa, e ter fator essencial dentro dela. Fazendo com que o espectador sinta todo o poder que emana de cada criatura, da chuva, das plantas, enfim, de todo o local aludido. Da mais forma palpável possível. Por muito utilizar profundidade de campo, algo crucial dentro do artifício, mas pouco empregado pelos diretores, à película é junto ao ‘A Invenção de Hugo Cabret’ e ‘Avatar’, um dos que melhores utilizaram a tecnologia.
Tudo isso muito bem auxiliado pela belíssima trilha sonora de Mychael Danna (A Pequena Miss Sunshine), que tem êxito, ao tentar imprimir variadas sensações, durante toda trama. Ou pelo chileno cinematografo Claudio Miranda (Clube da Luta), que alcança aqui, talvez, a conquista de perpetrar uma das aquilates fotografias do ano. Com lentes claras, vividas, fazendo uma pontual rima com as águas do oceano. Não podemos esquecer também do sempre parceiro de Lee, Tim Squyres, montador oficial do cineasta. Que também não passa despercebido. Já que a narrativa fílmica é toda em cima de flashforwards, algo que geralmente tende a comprometer o trabalho de montagem, Squyres mescla bem todos os momentos, sem nunca criar confusões.
Já no quesito de atuações, o filme conta com um elenco quase que totalmente novo. Intencionalmente planejado pelo próprio diretor. Que afirmou querer dar maior destaque para toda amplitude da estória. Um exemplo disso foi ator Tobey Maguire, que tinha sido praticamente contratado pela produção, para ser o entrevistador.
Porém, teve de ser sacado, de última hora, pois, segundo Lee, o fato do mesmo ter muita fama, por causa da franquia ‘Homem-Aranha’, poderia desviar o foco da fita. Entretanto, os inexperientes atores dão bem conta do recado. Com destaque para o jovem e estreante, Suraj Sharma. Que, praticamente, sozinho em cena, já que o tigre foi feito totalmente em CGI – sendo que um tigre verdadeiro foi usado apenas em sequências que apareceria sozinho, como quando ele nada no oceano -, Sharma demonstra muita força e confiança em tela. Uma atuação ao nível de Dev Patel em ‘Quem Quer Ser o Milionário?’.
Ao final da projeção, com os “reais” esclarecimentos dos fatos, a impressão obtida é a mesma que tivemos no excepcional ‘Peixe Grande’. De que é melhor aceitarmos a vida de uma maneira extraordinária, dentro de uma aventura épica, ala ‘Náufrago’ de Robert Zemeckis, ao lado de animais selvagens, enfrentando todos os medos, passando por ilhas misteriosas e, no final, descrever algo que transmita orgulho. Do que, simplesmente, relatar uma acriançada tragédia, cercada de assassinatos, evidenciando a podridão e escoria da alma humana. Concluo então, sem vergonha, junto ao entrevistador, ateu como sou, concordando com a proposta existencialista, deixada por Pi, sobre tal ponto de vista.
As comparações entre Melancolia e A Árvore da Vida são inevitáveis. Os dois filmes têm muito em comum, tanto que ao sair da sessão do primeiro, julgava ter visto o melhor do ano, até presenciar o segundo. A Árvore da Vidaé uma película para ser apreciada, contemplada, já que é construída em cima de imagens e diálogos esparsos.
Numa viagem que se inicia na origem do universo e segue até o fim de tudo, Terrence Malicktraça um paralelo com a família do jovem Jack O’Brien (Hunter McCracken / Sean Penn), desde o seu nascimento, passando pelas relações conturbadas com seu pai (Brad Pitt) e sua mãe (Jessica Chastain), até suas conclusões em um futuro insípido e sem sentido.
Ele está nas mãos de Deus agora, diz uma senhora amiga da família de Jack diante da perda de um filho, enquanto a Sra. O’Brien responde com pesar, denotando a essência com a qual se comporá a fita dali em diante: Ele esteve nas mãos de Deus o tempo todo.
Com interações profundamente concisas e impactantes quanto essa, A Árvore da Vidavai construindo uma teia de poucas palavras, normalmente narradas em off para que o espectador faça uso de sua própria inteligência e julgue as cenas sem alterações expositivas, e imagens intensamente trabalhadas para encantar a percepção. Quando as passagens quase bucólicas de um Texas dos anos 50 entram em contraste com os arranha-céus dos dias atuais, é possível perceber o excelente trabalho de uma direção de arte que consegue chocar e tornar desprezíveis todos os avanços da nossa sociedade. Enquanto a casa dos O’Brien é recheada de cores vivas das quais emanam calor, o escritório do Jack adulto, bem como sua residência, é vazio – praticamente não há com o que interagir, exceto as cores mortas retratadas num contraste entre o preto e o branco. Havia maneira melhor de revelar o que o crescimento daquele rapaz acumulou em seu futuro? Certamente, não.
Uma carta que a câmera acompanha como se essa fosse um personagem. Um violão abandonado num quarto. O outono que se destaca nas árvores locais. Com mensagens tão precisas, Terrence Malick e equipe revelam a dor da morte que principia a obra de forma eficaz. Quase nada é dito, e muito pode ser extraído dessas passagens que só uma mente preparada e um olho treinado como do seu diretor seriam capazes de concatenar. Mesmo uma cena aparentemente sem qualquer efeito, demonstra estar imbuída de significado, quando a Sra. O’Brien é enquadrada e o terreno declina atrás de si – uma representação singular de que seu mundo afundou. E é interessante notar como naquela família provinciana, mesmo o cuidado da maquiagem ao trazê-los o mais próximos da realidade possíveis é extremamente funcional. Em momento algum duvidamos que Brad Pitt e Jessica Chastain façam parte daquele universo, já que até mesmo suas rugas são esquadrinhadas pelas lentes da câmera. Até mesmo um plano-detalhe da alça quebrada de uma maleta no terceiro ato da produção é brilhante, já que nos revela, sem exposição, o momento frugal pelo qual passam os protagonistas.
Então, a cidade da atualidade é vista de baixo para cima, com os prédios e os transeuntes se alongado para o céu em mais uma mensagem interessante do cineasta: o que os aguarda senão o retorno de onde vieram? Enquanto compõe essa visão de que tudo que julgamos importante é fútil, Malick nos leva a presenciar uma dança de pássaros entre o mar de concreto, costurando brilhantemente o próximo passo da projeção que nos levará a um vislumbre da origem do universo, a mais iluminada composição já feita para o cinema nesse sentido. Com todo o olhar distinto de Douglas Trumbull, supervisor de efeitos especiais que estava há trinta anos longe da sétima arte, Malick recria uma viagem que ultrapassa até os memoráveis instantes similares de 2001: Uma Odisséia no Espaço. É complicado crer que tudo foi elaborado à moda antiga, sem CGI. Trumbull faz uso de pinturas, líquidos, luzes e um sem-número de materiais para recriar toda a jornada de bilhões de anos pela qual o universo passou. Em um dos momentos mais contemplativos do cinema, chegamos, inclusive, a seguir a formação da Terra e o surgimento das primeiras formas de vida. É para ser aplaudida de pé a criação dos dinossauros presentes em A Árvore da Vida. Se tantos se impressionaram com o que Spielberg fez no passado, aqui, de forma muito mais singela, Malick nos dá um momento tocante dos antigos habitantes do mundo. E quando o já aguardado ponto em que a biodiversidade que conhecemos surgiria, incluindo a vida humana, o filme nos surpreende novamente ao traçar um paralelo entre uma casa afundada da qual o jovem Jack tenta se libertar e o nascimento de um bebê, nesse caso, o próprio rapaz. Que sintonia esplêndida!
Tudo o que acompanhamos até então é hipnótico, amparado extensamente pela fantástica trilha sonora de Alexandre Desplat, que compôs também para as duas partes finais de Harry Potter. Se nesse ponto Desplat cria canções dignas dos grandes maestros da nossa história, mais a frente trabalha apenas batidas tensas e profundas, quando as relações entre marido e mulher se complicam, e perceber como o compositor é capaz de migrar facilmente entre gêneros chega a ser absurdo de tão perfeito.
Você terá crescido antes desta árvore ficar grande, pensa a mãe enquanto encara os primeiros passos de Jack. Os consequentes movimentos. O ciúme do irmão quando esse nasce. As prímevas percepções do mundo. O desenvolvimento de Jack toma conta da tela. Através de cenas que falam por si e elipses excepcionalmente executadas, como o desligamento de um abajur, nos envolvemos na história que tecerá toda a mentalidade do garoto que Sean Penn intercala aqui e ali em seu futuro. As personificações dos atores são um elemento a parte. Pitt soa eficiente e intimidador como um pai duro que já apanhou demais da vida e não quer que seus filhos passem pelo mesmo. Suas exaltações são como o suor que parece ultrapassar a pele do ator e carregar sua interpretação, mas mesmo tão rígido, não deixam de ser tocantes os instantes em que se percebe todo seu protecionismo e amor para com seus pequenos. Jessica Chastain é a representação da esposa provinciana de décadas atrás. Normalmente resguardada aos seus pensamentos, carrega toda a emoção que uma mãe sente por seus filhos em gestos e nas já citadas narrações em off. Quando a liberdade da casa vem à tona, sua consternação e alívio são pesados e distribuídos uniformemente em vários trechos da projeção. Pena que Sean Penn tenha pouco tempo em tela para se entregar ao seu papel como de costume, mas ainda assim, com pouquíssimas frases ditas, deixa transparecer o peso que carrega nas costas e sua abominação pelo futuro-presente ao dizer, por exemplo, nós destruímos a Terra, numa constatação triste que jamais passa por nossas cabeças. Porém, o grande peso de A Árvore da Vida está nas mãos e expressões da jovem revelação Hunter McCracken, que acompanhamos quase integralmente através das descobertas por um mundo estranho que é o nosso. Como não temer pela vida de Sr. O’Brien num determinado minuto ou não correr com o próprio Jack numa fuga desesperada se esses momentos são conduzidos com maestria pelo promissor ator? Eis alguém que espero ver muitas vezes projetado numa tela de cinema. Simplesmente fabuloso!
Até o fim dos tempos, é o que escutamos num determinado trecho que conduz ao derradeiro fim quando os créditos sobem e as luzes se acendem. Mesmo o extremado, mas não desnecessário, cunho religioso com o qual Terrence Malickconstrói seu poema é emocionante. A Árvore da Vida tem aproximadamente duas horas e vinte minutos de projeção, mas caso se estendesse até as seis horas almejadas por seu diretor, certamente se manteria como uma experiência única, ímpar, dessas que a arte só cria de tempos em tempos e jamais é esquecida.
Hollywood é a maneira genérica que a mídia encontrou para taxar o cinema feito nos Estados Unidos. Obviamente existem outros polos cinematográficos no país e nem todos os filmes se tratam de Blockbusters, mas ainda assim a associação é inevitável – pensou cinema norte-americano, pensou em Hollywood.
Em “A Árvore da Vida”, o diretor e roteirista Terrence Malick faz um trabalho tão não ortodoxo que mesmo sabendo da pluralidade da produção estadunidense é difícil chamá-lo de hollywoodiano.
Muito similar aos trabalhos recentes de Lars Von Trier, “A Árvore da Vida” se inicia com uma série de imagens de uma plasticidade invejável acompanhada de uma trilha sonora composta por grandes obras clássicas (são 37 peças ao todo), uma constante durante todo o filme. A sucessão de imagens desconexas busca uma espécie de efeito não narrativo: elas no máximo insinuam, muito mais do que contam. São momentos felizes de uma típica família americana vivendo no típico subúrbio norte-americano das casinhas de cerca branca na década de 1950 mesclados a cenas do que seria a evolução do planeta desde o Big Bang passando pelos dinossauros.
Malick convida o espectador para uma viagem através de sua câmera privilegiada que retrata da mesma maneira intimista o drama familiar e as explosões cósmicas. É inegável a qualidade e o impacto causado pela mesma em grande parte devido à fotografia de Emmanuel Lubezki.
É difícil fazer uma sinopse do longa, uma vez que fica claro desde os primeiras sequências que a intenção do diretor é descrever “A Vida”, em todas as nuances, detalhes e subjetividade. Em seus momentos mais narrativos, “A Árvore da Vida” fala das relações conturbadas dentro da família suburbana – o único indício de que se trata de filme um made in USA – a morte de um dos membros, o nascimento dos filhos, a criação rígida do pai (Brad Pitt) etc. Na outra ponta da história, já no presente, Sean Penn, como Jack, é um dos filhos do casal que em meio a uma aparente crise de meia-idade pondera sobre a vida e a forma como lida com a morte.
Embora as atuações sejam consistentes, inclusive o elenco-mirim, o roteiro – escrito pelo próprio Malick –, com sua falta de um direcionamento prejudica o andamento do longa.
Em seu pretensioso intento, Malick cria uma obra bastante hermética e um tanto quanto excessiva. Esquecendo talvez de uma das grandes qualidades do cinema de seu país – mesmo naqueles filmes mais autorais –, o diretor opta por excluir a narratividade em favor da plasticidade e ao longo das mais de duas horas de projeção a constante abstração se torna maçante. “A Árvore da Vida” não vai a lugar nenhum, não diz nada, é apenas um experimento cinematográfico sobre sensações, sentimentos e a condição humana.
Como reflexão sobre a existência talvez seja válido, mas como filme é sofrível.
