Em ‘Nonnas’, Vince Vaughn interpreta Joe Scaravella, um homem que, para honrar a memória de sua mãe, decide arriscar tudo e abrir um restaurante italiano com um grupo peculiar de chefs: todas vovós.
Os atores Nicholas Galitzine (‘Uma Ideia de Você‘) e Bill Skarsgård (‘Nosferatu‘) vão estrelar o vindouro filme de guerra da Netflix, ‘Mosquito Bowl‘. A produção contará com a direção de Peter Berg(‘O Grande Herói‘) e é parte do acordo recém renovado entre o criativo e o serviço de streaming. A novidade foi revelada com exclusividade pelo Deadline.
Os detalhes a respeito dos personagens de ambos os atores permanecem em sigilo.
O filme se passa após o ataque a Pearl Harbor, quando quatro das maiores estrelas do futebol americano universitário dos Estados Unidos são forçados a deixar sua fama para se alistar na Marinha. À medida em que se preparam para a brutal invasão de Okinawa, eles também participam de um lendário jogo com alguns dos maiores atletas da história – um jogo que, para muitos, será o último de suas vidas.
Berg assina o roteiro da adaptação com Mark L. Smith. Além disso, ele produz o projeto por meio de sua produtora Film 44. Brian Grazer produz pela Imagine Entertainment.Ezra Emanuel assume o cargo de produtor executivo.
Berg renovou sua parceria com a Netflix após o estrondoso sucesso de sua minissérie ‘Terra Indomável‘, que permaneceu no Top 10 Global da Netflix por quatro semanas, conquistando 35.1 milhões de visualizações.
Antes desse sucesso, sua minissérie ‘Império da Dor‘ também superou as expectativas, permanecendo por cinco semanas no Top 10 Global do streaming, conquistando 29.1 milhões de visualizações.
A estrela Florence Pugh revelou recentemente um feito impressionante durante as filmagens de ‘Thunderbolts*’: ela dispensou dublês para uma cena audaciosa em que sua personagem, Yelena Belova, salta do Merdeka 118, o segundo prédio mais alto do mundo, localizado em Kuala Lumpur, na Malásia.
Conforme à Variety, a atriz compartilhou sua determinação em realizar a cena pessoalmente, enviando múltiplos e-mails ao presidente da Marvel Studios, Kevin Feige.
“Eu insisti em todos os e-mails. A cena estava no roteiro, mas, conforme nos aproximamos das filmagens, começaram a dizer que provavelmente não aconteceria por questões de seguro — que seria uma loucura — e, obviamente, porque não iriam me jogar do segundo prédio mais alto do mundo”, relatou Pugh. “E eu fiquei tipo: ‘Que? É claro que vamos fazer! A gente tem que fazer isso'”.
O imponente edifício alcança a marca de 678,9 metros de altura. Entusiasta de alturas, Pugh estava determinada a ser a responsável pelo salto espetacular.
Pugh continuou, em tom bem-humorado: “Fui atrevida, mandando e-mail para o Kevin [Feige] dizendo que isso ia ser ótimo para a turnê de divulgação”, brincou.
“A gente tem que fazer isso! Três mulheres quebrando três recordes mundiais do Guinness, vamos fazer isso e aquilo… Continuei pressionando, até que eles disseram: ‘Ok, se você quer pular do segundo prédio mais alto do mundo, vamos dar um jeito'”, ressaltou. “Eu não me importo com altura. Na verdade, eu gosto, me divirto. Mas aquilo foi outra história. O controle mental que eu precisei ter naquele dia foi um superpoder por si só”.
Segundo a atriz, a descarga de adrenalina do salto foi tão intensa que ela precisou de três horas de sono logo após a realização da cena. “Meu cérebro simplesmente desligou”.
‘Thunderbolts*’ tem lançamento previsto para o dia 2 de maio nos cinemas brasileiros.
A Marvel Studios e uma equipe de veteranos guerreiros indepedentes que se venderam para o lado errado apresentam Thunderbolts*, um grupo irreverente composto pela assassina deprimida Yelena Belova (Florence Pugh) e por figuras desajustadas.
O elenco também conta com, Sebastian Stan (Soldado Invernal), Hannah John-Kamen (Fantasma) e Wyatt Russell (Agente Americano).
O divertido e emocionante musical da Broadway, ‘Uma Babá Quase Perfeita’,apresentado pelo Ministério da Cultura e BB Seguros, já está em cartaz em São Paulo, no Teatro Liberdade, estendendo-se até o dia 11 de maio – e vem conquistando a crítica e o público desde sua estreia.
Com Eduardo Sterblitch no papel-título, o público embarca em uma história que aborda temas atemporais como a importância da família, o papel dos pais na vida dos filhos e a capacidade de mudança e crescimento pessoal.
Com música e letra de Karey e Wayne Kirkpatrick e texto de Karey Kirkpatrick e John O’Farrell, a montagem brasileira, produzida pela Touché Entretenimento, capitaneada por Renata Borges e pela Alchemation, promete conquistar plateias de todas as idades com a mesma magia e humor do filme original, baseado no romance ‘Alias Madame Doubtfire’, escrito por Anne Fine em 1987.
Foto: Joaquim Araujo
Após o sucesso nos cinemas em 1993, com atuação do saudoso Robin Williams, a história foi adaptada para os palcos em 2019 e chegou à Broadway em 2021, conquistando indicações aos prêmios Tony, Drama Desk e Outer Critics Circle. O espetáculo, que também passou por Londres e realizou uma turnê norte-americana, narra a comovente e divertida história de Daniel Hillard, um pai que, após um divórcio difícil, se disfarça como a adorável e excêntrica babá britânica, a Sra. Doubtfire, para poder ficar mais próximo de seus filhos.
Apesar da atmosfera de encantamento e diversão que envolve essa superprodução deslumbrante, com números musicais enérgicos, cenários grandiosos, efeitos especiais, trocas rápidas de menos de um minuto e dezenas de figurinos, há uma expectativa que traz à tona reflexões mais profundas sobre o verdadeiro significado de estar presente na vida de outra pessoa, além da ressignificação do amor e das relações, e do uso do humor como forma de lidar com questões emocionais.
Foto: Joaquim Araujo
Além de Sterblitch, o espetacular elenco conta com ninguém menos que a atriz Gabriella Di Grecco, que interpreta Lydia, a filha mais velha de Daniel e Miranda (Thais Piza), entrando em conflito tanto com a personalidade demasiadamente jocosa e desprocupada do pai e com a preocupada e super-zelosa mãe.
Recentemente, tivemos a oportunidade de entrevistar a performer, que nos contou um pouco sobre sua preparação para o papel e como foi integrar essa nova versão da clássica história.
Confira:
Foto: Joaquim Araujo
Como foi participar de um musical inspirado em um dos filmes mais adorados das últimas décadas?
Acho que não tem uma pessoa que não acompanhou e adorou esse clássico nos anos 90. Foi exatamente o meu caso! Assisti muito a esse filme na minha infância e esse gostinho da minha criança interior vai para o palco. Esse mesmo gostinho também me ajudou muito na construção de personagem da Lydia.
Você trouxe referências de outras atrizes que interpretaram Lydia lá fora? Ou teve liberdade de criação para construir sua própria personagem?
Por se tratar de um musical da Broadway, tem algumas orientações que temos que seguir. Apesar disso, me deram muita liberdade para a construção da personagem durante o período de ensaios e aprimoramento dessa construção durante a temporada. Nesse sentido, fiz um trabalho de bater bola com o nosso diretor, Tadeu Aguiar, e o nosso diretor residente, Marcelo Velasques. No musical, tenho muitas cenas com o Sterblitch (que faz o pai da minha personagem; logo, a Babá). Ele é um ator que gosta de jogar, brincar e surpreender em cena. Sou uma atriz que tem essa mesma essência. Por ser um musical de comédia, eu me permiti construir uma Lydia mais engraçada e com a ousadia típica da adolescência, como se ela tivesse puxado o senso de humor do pai, mas o senso de responsabilidade e a maturidade da mãe. Essa escolha tem sido muito interessante. O público tem se divertido bastante.
Foto: Joaquim Araujo
Houve muitos momentos de improviso durante os ensaios e as apresentações? Eduardo Sterblitch fez você quebrar a personagem em algum momento?
Sim! Isso é bastante comum quando se joga com o Sterblitch. Na verdade, a gente se quebra! Eu também não deixo barato!
Sobre quais projetos futuros você pode falar? Há algum musical do qual você gostaria de participar?
Sobre projetos futuros, posso adiantar que continuarei expandindo meu caminho como educadora e comunicadora. Em breve venho com novidades consistentes e acho que o público vai amar!
Foto: Joaquim Araujo
Já teve vontade de criar um musical ou adaptar algum musical da Broadway para o Brasil?
Sim. Tenho dois favoritos nessa lista: “Pippin” e “Ride The Cyclone”.
Que dicas você pode dar para alguém que gostaria de ingressar no cenário do teatro musical?
Muita disciplina com os estudos, paciência com os nãos que levamos no meio do caminho e muita consciência de classe, não só entre atores, mas com todos os profissionais que compõem o nosso setor.
O renomado ator Kevin Bacon relembrou recentemente uma experiência macabra durante as filmagens do suspense erótico de 1998, ‘Garotas Selvagens’. Em entrevista à Variety, Bacon revelou a chocante descoberta de um corpo no set de filmagem.
“Estávamos no pântano certa noite — muitos mosquitos, nossa — e estávamos gravando uma cena, não me recordo qual exatamente, perto de um rio. Eles haviam posicionado uma jangada para instalar uma luz”, explicou Bacon.
“De repente, ouvi pelo walkie-talkie: ‘Ei, acho que acabei de ver um corpo boiando’. E, de fato, era um corpo que estava passando pela água. Foi meio que um reflexo da atmosfera do filme”, continuou o ator, referindo-se ao tom sombrio da produção.
Anteriormente, o diretor John McNaughton já havia compartilhado essa história, confirmando que a polícia foi acionada imediatamente após a descoberta do cadáver.
“Chamamos a polícia, e eles realmente retiraram o corpo, evitando que ele aparecesse em nosso plano de filmagem”, relatou o diretor.
‘Garotas Selvagens’ trazia no elenco Denise Richards e Neve Campbell como duas adolescentes que manipulam o orientador escolar (interpretado por Matt Dillon) para ajudá-las a executar um golpe e herdar a fortuna da mãe de uma delas.
Kevin Bacon interpretou Ray Duquette, o perspicaz detetive de polícia que nutria suspeitas sobre o envolvimento do trio em atividades criminosas.
‘Serra das Almas’ se mostrava como um interessante projeto com uma forte ambição de apostar fichas em um suspense dramático político. Dirigido por Lírio Ferreira, o filme é centrado em um sequestro e um roubo de joias que nos leva para a suntuosa reserva natural no Sertão dos Inhamuns, no Nordeste do Brasil, em que amigos de longa data se reencontram em meio a tensões e a ressentimentos não resolvidos que culmina em um banho de sangue e em tragédia pura. E, como ponto de partida, todos ali estão envolvidos com um conchavo entre um corrupto Senador e um grupo mafioso que minera pedras preciosas ilegais – e que coloca um time de jornalistas investigativos em perigo mortal ao serem feitos de reféns.
Apresentando-se com um potencial incrível, o projeto comandado por Ferreira tinha todos os elementos necessários para cativar o público, além de trazer às telonas uma história que, há tempos, não víamos no cenário audiovisual nacional. Porém, remando contra as nossas expectativas, o resultado do filme é muito aquém do esperado e transforma-se em um grande amontoado de tramas e subtramas esquecíveis, personagens mal construídos e uma exaltação derradeira do mais puro nada – mostrando que o propósito de sua sinopse não é cumprido em qualquer momento.
Nenhum aspecto do filme funciona como deveria, com uma raríssima exceção destinada à performance de Ravel Andrade como Gislano, braço-direito do senador em questão, que traz o mínimo de humanidade em uma atuação que destoa da completa monotonia artística de seus colegas de trabalho – e que os carrega do começo ao fim com uma força descomunal. Julia Stockler e Pally Siqueira, dando vida à dupla de jornalistas que é sequestrada e levada para a Serra das Almas, são enclausuradas em cápsulas formulaicas de protagonistas novelescas, cujas centelhas de complexidade se esvaem em meio a diálogos e a interpretações risíveis; David Santos, que dá vida ao ladrão Charles, é engolido quando em cena ao lado de Andrade; e Vertin Moura, um desconhecido que acidentalmente se viu arrastado para essa artimanha, rende-se a uma das piores atuações do ano (ao menos até agora).
Ferreira parece indiferente à maneira que vai conduzir a obra, e soa como se estivesse copiando o ótimo drama interpessoal ‘Os Sapos’, lançado no começo de 2025: a paisagem campestre é remodelada em arbitrárias sequências panfletárias que não dizem nada além do óbvio, urgindo como fillers cansativos e que apenas tapam buracos de um roteiro recheado de metáforas ridículas e vencidas; a condução dos planos e os enquadramentos é prosaica demais para ser levada a sério, como se o filme fosse um mero projeto de estudantes em seu primeiro ano na faculdade de cinema; e a suposta simbologia que desponta aqui e ali é tão falha que chega a causar risos inesperados em momentos inoportunos – denotando uma falta de preparo clara da tonalidade das sequências e das reviravoltas (se é que podemos encontrar alguma).
Até mesmo elementos que poderiam suprir a carência artística e criativa da obra não cumprem seu simples papel. A trilha sonora é pautada na dissonância das cordas e das buzinas, porém, não há qualquer momento em que a música faça sentido dentro do que é-nos apresentado; a paleta de cores é banal, rendendo-se ao minimalismo exacerbado do uso de cores que tenta se aproximar com a dura realidade política e social que serve de base para o enredo, mas ecoa como uma falha de pós-produção; a montagem, que busca uma abordagem anacrônica que viaja para o passado e para o presente com cortes bruscos e recursos de passagem de tempo exauríveis, não tem qualquer sentido dentro da estrutura.
Por fim, as duas horas de duração do projeto se espalham profusamente em cansativas repetições, que nos fazem se mexer na cadeira esperando pelos créditos de encerramento subirem à tela – e que nos levam a perguntar quantas vezes uma história pode acabar. Em virtude dos incontáveis equívocos técnicos que estendem esses minutos em uma incompleta e insossa narrativa, a subtrama que explora a “origem” dos personagens é descartável e delineada com pressa frenética que torna o ritmo ainda mais desequilibrado e perturbador.
A máxima “de boas intenções, o Inferno está cheio” talvez nunca tenha sido tão bem aplicada quanto ao frustrante corolário de ‘Serra das Almas’. Conforme saímos da sala de cinema, percebemos que o magnífico potencial do longa foi varrido para debaixo do tapete, nos deixando com uma espécie de versão encruada e estagnada do que, de fato, deveria ter chegado aos cinemas – um amontoado de vazios cênicos cujo propósito é, com a falta de outro termo para empregar, inexistente.
A atriz Lucy Hale está retornando para o universo das séries de TV com ‘Dead Letters‘, adaptação do livro homônimo de Caite Dolan-Leach. A informação foi divulgada com exclusividade pelo site Deadline.
Segundo a publicação, além de estrelar, Hale também assumirá a função de produtora executiva do projeto, que está sendo desenvolvido pela Unwell Productions, da Alex Cooper, criadora do podcast Call Her Daddy, e pela Kapital Entertainment, de Aaron Kaplan.
‘Dead Letters‘ é descrito como “um thriller viciante, que mistura mistério e suspense psicológico, centrado em duas irmãs gêmeas idênticas, Ava e Zelda, interpretadas por Hale. Quando Ava retorna para casa, para o vinhedo da família, após a morte repentina de Zelda, ela precisa descobrir quem assassinou sua amada irmã gêmea, enquanto lida com revelações perigosas sobre a mulher em que Zelda se tornou em sua ausência. Para complicar ainda mais: Zelda sabia que estava em sério perigo, então deixou cartas para Ava. As enigmáticas e angustiantes ‘cartas mortas da irmã levam Ava a uma perversa busca pela verdade — forçando-a a questionar todos aqueles que ela já amou”.
Rachel Caris Love assina o roteiro, além de também operar como produtora executiva, ao lado de Liz Friedlander – que ainda dirige a série.
O projeto originou com Hale, que leu o livro e se apaixonou pela histórias. Ela então procurou Kaplan, com quem já estava conversando a respeito de desenvolver alguma produção em parceria.
O atorJohn Boyega relembrou recentemente os seus humildes começos em ‘Star Wars’, revelando que possuía apenas cerca de 45 libras (aproximadamente US$ 60 dólares na época) em sua conta bancária quando recebeu a ligação crucial de J.J. Abrams, conforme à Variety.
“Eu já estava fazendo testes há tanto tempo que senti como se ele tivesse tirado um pouco da minha dignidade”, confessou Boyega sobre a ligação de Abrams.
“Decidi fingir que estava ocupado, sabe quando você finge que tem algo pra fazer? ‘Tenho outras coisas pra resolver, J.J.’ Aí ele pergunta: ‘Onde você está?’ E eu respondi: ‘Estou em uma exposição de arte em Greenwich, cara. Muito ocupado. E você?’ Ele diz: ‘Estou em Mayfair, num restaurante. Preciso falar com você agora. É sobre algo importante’. E eu: ‘Tá bom, tá bom, já estou indo’. Naquela época eu tinha 45 libras na conta. Gastei 33,83 libras pra chegar até o J.J. Faça as contas”, recordou.
Boyega continuou a narrar o momento de tensão:
“Então eu fui. A cada passo que eu dava, eu ficava nervoso. Tipo, ‘Beleza, vamos lá’. O J.J. é um cara fenomenal, super gente boa, e se ele me dissesse que eu não consegui o papel, ainda assim ele me daria comida. Aí eu me sentei, e o J.J. disse: ‘Muito obrigado por ter voltado. Sei que a gente meio que te desgastou com essa quantidade de testes'”, afirmou.
Foi então que Boyega tomou uma atitude ousada: “Naquele momento, eu tomei a iniciativa de tentar mais uma vez e disse: ‘J.J., por favor. Olha, eu posso fazer outro teste. Posso fazer sotaque britânico, escocês, nigeriano, o que quiser’. E aí ele disse: ‘Você está em Star Wars'”, acrescentou.
O ator descreveu o instante em que ouviu a notícia como um “congelamento no tempo”.
“Eu até reparei quantos cubos de açúcar tinham naquela xícara minúscula em cima da mesa. Tudo pareceu muito surreal. E aí vem o selo final de Star Wars: o [co-roteirista do filme, Lawrence Kasdan] saiu de uma sala e disse: ‘Garoto, esse filme vai mudar a sua vida.’ Isso é Hollywood, sabe como é?”, ressaltou.
John Boyega fez sua estreia como Finn em ‘Star Wars: O Despertar da Força’, um sucesso estrondoso que arrecadou mais de US$ 2 bilhões de dólares em bilheteria mundial. Ele reprisou o papel em ‘Os Últimos Jedi’ e ‘A Ascensão Skywalker’, ambos também ultrapassando a marca de US$ 1 bilhão de dólares globalmente.
Vale lembrar que a próxima produção de ‘Star Wars’ será a nova temporada de ‘Andor’.
A segunda temporada de ‘Andor’ estreia no dia 22 de abril no Disney+.
Além de Diego Luna, o elenco conta com Genevieve O’Reilly, Adria Arjona (‘Esquadrão 6’), Denise Gough (‘Guerrilla’), Stellan Skarsgård(‘Chernobyl’), eKyle Soller(‘The Titan’). Ewan McGregor também pode reprisar seu papel como Obi-Wan Kenobi, enquanto Andy Serkis volta como Snoke.
O’Reilly reprisa seu papel como a membro-chefe da Aliança Rebelde, Mon Mothma, personagem que representou pela primeira vez em ‘Star Wars: A Vingança dos Sith’ (2005) e depois em ‘Rogue One‘ (2016).
Nicholas Britell é responsável pela trilha sonora. Ele é conhecido por inúmeros projetos de grande aclame no cinema e na televisão. Ele recebeu duas indicações ao Oscar por seu trabalho em ‘Moonlight: Sob a Luz do Luar’ e em ‘Se a Rua Beale Falasse’. Além disso, conquistou um Emmy Award por sua magnífica trilha para o ovacionado drama ‘Succession’, onde trabalhou na primeira e na segunda temporadas. Seus outros créditos incluem ‘A Grande Aposta’, ‘Vice’, ‘Cruella’ e ‘Não Olhe para Cima’.
‘Classe dos Heróis Fracos 2‘, sequência do popular dorama homônimo da Netflix, ganhou um novo e eletrizante trailer, que apresenta a Associação, um grupo que reúne todas as gangues escolares da região.
Nos vindouros episódios, Si-eun enfrentará novos desafios e terá que encarar um grupo ainda mais perigoso de adversários.
Confira:
Na 2ª temporada, temos uma escola nova, uma vida nova. Assombrado pelo passado, Si-eun enfrenta ainda mais brutalidade, mas se mantém ao lado dos amigos e se fortalece conforme vai se encontrando.
O vindouro ciclo estreia em 25 de abril na Netflix.
Lançado originalmente em 2022, ‘Classe dos Heróis Fracos‘ estreou na Netflix em 2025 e se tornou um grande sucesso do gênero K-drama.
No ciclo inaugural, com a ajuda de amigos inesperados, um aluno talentoso e introvertido decide enfrentar os valentões do colégio, sem fazer ideia do perigo que está correndo.
No ano passado, Alex Garland deu vida a uma das melhores produções de sua carreira – o drama bélico intitulado ‘Guerra Civil’, que nos levou a uma espécie de futuro próximo distópico em que os Estados Unidos se transformam no palco de um beligerante conflito civil que é acompanhado de perto por uma dupla de fotógrafos já protegido contra os horrores da guerra e que são acompanhados por uma ambiciosa novata que deseja ver seu nome entrar para a história. Agora, o diretor se reúne novamente com a A24 para nos levar de volta no tempo, nos transportando para o ápice da Guerra do Iraque, com ‘Tempo de Guerra’ – um angustiante e claustrofóbico drama que, apesar de não trazer nada de novo ao gênero, funciona dentro de seus limites.
Garland, dividindo a cadeira de direção e assinando o roteiro ao lado do veterano de guerra Ray Mendoza, constrói uma cinebiografia recontando a Batalha de Ramadi – um dos capítulos mais conhecidos do conflito mencionado no parágrafo acima -, através de recontagens do pelotão de fuzileiros da marinha que se apropriou de uma casa iraquiana para patrulhar a região e que se viu no centro de uma emboscada perigosa. Mendoza, inclusive, esteve presente no conflito e foi um dos sobreviventes, ajudando o cineasta a reconstruir os fatos a partir de um arauto memorialístico que não procura romantizar a disputa entre Iraque e Estados Unidos, e sim fornecer uma dramatização do que ele se recorda.
No geral, o projeto tem uma praticidade óbvia que pega páginas emprestadas de tantas outras produções – como ‘Guerra Civil’ e ‘Sniper Americano’ – e que sabe das demarcações autoimpostas, não se esquivando muito de convencionalismos, mas cuidando para que as fórmulas não falem mais alto que a história que deseja contar. A partir daí, temos um trabalho sólido de fotografia, responsável por David J. Thompson, que se apoia em tons assépticos de amarelo e bege para denotar a consequente aridez da guerra (denunciando a completa falta de prospecto daqueles que são arrastados para combates sem sentido) e que se afasta de incursões panfletárias para focar no drama de cada um dos personagens. Dessa maneira, Thompson se apropria de planos fechados e em close, transmutando o cenário em um labiríntico e claustrofóbico beco que tem como força-motriz o angustiante ciclo prisional em que se encontram.
Para além de uma aplaudível conquista imagética, Garland faz questão de não usar qualquer tipo de trilha sonora, deixando que planos-sequência dilacerantes e um elenco de ponta transmitam aos espectadores o que deseja – garantindo uma experiência sinestésica natural, em vez de forçá-la através de um melodrama estilístico. É claro que alguns exageros poderiam ter passado por um tratamento mais minucioso, mas o realizador acerta em cheio em reiterar um proposital vazio narrativo que dialoga diretamente com o propósito de qualquer guerra: o nada. E, ao longo de breves 95 minutos, é notável o cuidado rítmico, que singra entre o combate armado e a melancólica espera por uma salvação, a fim de não entediar o público com mais um enredo bélico.
Para assegurar essa vivência, o time de atores se joga de cabeça em interpretações fantásticas: temos D’Pharaoh Woon-A-Tai em uma performance de tirar o fôlego, humanizando Mendoza com um retrato diferenciado e que usa e abusa de seu talento nato; Will Poulter como Erik, encarregado de liderar o pelotão, transmitindo um assombro espectral quando percebe que suas tentativas de proteger seus colegas não são páreo para o que se espalha ao redor da casa onde estão; Kit Connor como o novato Tommy, soterrado por sonhos falidos de honrar seu país e sendo absorvido por um vórtice traumático; Joseph Quinn no melhor trabalho de sua carreira (ao menos até agora) como Sam, um ponto-chave “jocoso”, por assim dizer, que se torna vítima das próprias circunstâncias; e vários outros que incluem Cosmo Jarvis, Charles Melton, Noah Centineo e Henry Zaga.
Como supracitado, os equívocos do filme se resumem a, basicamente, não apresentar nada de novo – considerando que até as incursões mais dramáticas e introspectivas já foram exploradas em outras obras, como ‘Nada de Novo no Front’. De qualquer maneira, ‘Tempo de Guerra’ funciona em boa parte de suas investidas, oferecendo um retrato envolvente sobre a Guerra do Iraque; porém, ao passo que nos envolvemos com a narrativa do pelotão, é sempre bom lembrar que memórias não dialogam, necessariamente, com os fatos – e que nem tudo deve ser levado à seriedade que o longa defende.
A trama acompanha Carrie, Miranda e Charlotte conforme navegam pela complicada jornada da vida e da sua amizade de quando estavam no auge dos seus 30 anos, agora para uma fase ainda mais complicada no auge dos seus 50 anos.
E a tendência de transformar clássicos da Disney em contos de terror sombrios continua. Desta vez, o icônico ‘Aladdin’ será reimaginado sob uma perspectiva horripilante. Segundo o Deadline, as filmagens de ‘Aladdin: The Monkey’s Paw’ estão programadas para começar no próximo mês.
O filme é descrito como uma “releitura sombria e sobrenatural” e está sendo produzido pelos estúdios Empire Studios, Every Entertainment e 8th Law Pictures.
A sinopse oficial revela a premissa sinistra: “Um londrino dos dias atuais chamado Aladdin herda uma antiga pata de macaco, acreditada por conceder desejos. No entanto, ele logo descobre que cada desejo realizado cobra um preço devastador para a alma. À medida que aqueles ao seu redor se tornam vítimas da maldição, ele precisa confrontar um mal crescente — e a força demoníaca que se alimenta de cada desejo feito”.
A produção tem início previsto para o final de maio de 2025, com as filmagens principais ocorrendo no Reino Unido.
O elenco já conta com Nick Sagar (‘A Princesa e a Plebeia’), Ricky Norwood (‘The Best of EastEnders’), Montana Manning (‘Legacy’) e Bradley Stryker (‘Terrifier 3’), que também assume a direção do longa-metragem.
“Sempre quisemos explorar o horror através de uma lente pessoal — não apenas os sustos, mas o custo humano dos desejos”, declarou McDougall sobre o filme.
“Essa história nos assombra há um tempo, e chegou a hora de libertá-la. Os melhores filmes de terror continuam a nos perturbar muito depois dos créditos finais. É isso que essa história faz. É afiada, emocional e carregada da angústia certa. Não estamos apenas fazendo mais um filme de terror — estamos construindo um mundo inteiro em torno de um conceito realmente icônico. A pata, a mitologia, os personagens — tudo está lá”, destacou.
Stryker complementou: “Esse filme vai ser muito divertido — trata-se dos altos e baixos, os picos e os vales do que consideramos nossos sonhos e desejos… e então jogamos tudo isso dentro de um filme de gênero onde as apostas nunca foram tão diabólicas e envolventes”.
A premiada atrizLaura Linney vai estrelar a vindoura série de comédia da MGM+, intitulada ‘American Classic‘. A informação foi revelada pelo The Hollywood Reporter. Ela se une a Kevin Kline e Jon Tenney, que já haviam sido confirmados.
Na trama, uma estrela decadente da Broadway retorna aos palcos de um pequeno teatro tocado por sua família, em sua cidade natal.
Linney dará vida à Kristen Forrest Bean, que se apaixonou por Richard aos 19 anos e fugiu com ele para viver em Nova York. Embora o egoísmo de Richard tenha ajudado sua carreira a decolar, isso destruiu seu relacionamento, com ela voltando para casa e, eventualmente, se casando com Jon, irmão mais novo de seu ex-namorado.
Em ‘American Classic‘, Kline interpreta o astro da Broadway e notório narcisista Richard Bean, que sofre um grandioso colapso público e retorna à sua cidade natal e ao teatro familiar onde descobriu seu próprio talento. Ao chegar lá, fica chocado ao descobrir que seu pai, o ex-diretor artístico, perdeu o ritmo e que o outrora respeitado teatro, agora administrado por seu irmão Jon (Tenney) e sua esposa (Linney), se tornou, por necessidade, um teatro com jantar barato, servindo rosbife e mistérios de assassinato. Richard decide salvar o teatro, a cidade e o mundo montando um clássico americano no teatro.
Michael Hoffman e Bob Martin assinam a criação da série, além de assumirem a função de produtores executivos.
Fifth Season está por trás da série, com a Mar-Key Pictures, Likely Story e Anonymous Content produzindo.
Hoffman também dirige o primeiro episódio da produção.
A trama acompanha Carrie, Miranda e Charlotte conforme navegam pela complicada jornada da vida e da sua amizade de quando estavam no auge dos seus 30 anos, agora para uma fase ainda mais complicada no auge dos seus 50 anos.
O longa homônimo conta a história de uma prostituta que se sacrifica para salvar sua comunidade, mesmo sendo desprezada e marginalizada pela elite local.
Na trama, Duarte dará vida a lendária personagem Geni. Já SeuJorge interpretará o Comandante Zepelim.
O longa é uma produção Migdal Filmes, em coprodução com Paris Entretenimento e Globo Filmes, e terá distribuição nos cinemas pela Paris Filmes.
Criada há quase 50 anos, a canção sobre uma prostituta que sofre recorrente humilhação pública já ganhou diversas versões no campo das artes, mas inspira pela primeira vez um longa de ficção. Seu nome, Geni, virou adjetivo para se referir a pessoas perseguidas pela sociedade, marginalizadas sem motivo aparente.
Por meio de um press release, Muylaert comentou sobre sua decisão de rodá-lo cercado pela Floresta Amazônia:
“Quando a Iafa Britz me chamou para dirigir esta fábula de Chico, me veio claramente a ideia de rodar na Amazônia. Vejo um paralelo entre a desvalorização do corpo feminino e da floresta, ambos são desrespeitados e explorados, sem pudor”.
As filmagens serão realizadas na Cidade de Cruzeiro do Sul, no Acre.
Sana Amanat, produtora da série ‘Demolidor: Renascido’ do Disney+, compartilhou recentemente novidades sobre o andamento da produção de sua segunda temporada, após a conclusão da primeira.
Conforme o ComicBookMovie, Amanat expressou entusiasmo: “Está sendo ótimo. Estamos filmando muitas sequências malucas. A equipe está arrasando, e a ação é constante. O cenário é um pouco diferente. Ainda é Nova York, mas um tipo um pouco diferente de Nova York”.
Ela também compartilhou sua empolgação com o material em desenvolvimento: “Estou muito empolgada com o material que estamos recebendo. Estou como uma fã enlouquecida a semana toda. Filmamos uma sequência enorme com o Wilson Fisk esta semana, e me senti como uma criança em uma loja de doces [risos]”.
Ao ser questionada sobre a influência da primeira temporada na abordagem criativa dos próximos episódios, Amanat explicou:
“Estou muito feliz com o resultado da primeira temporada, especialmente considerando todos os desafios. No final das contas, esses atores são incríveis. Você só precisa confiar neles, porque eles vão entregar o que você precisa”, afirmou.
“Todos nós somos fãs, e estamos tentando fazer algo que atenda às expectativas dos fãs. Os dois últimos episódios da temporada foram sobre isso — servir aos fãs e a nós mesmos”, acrescentou.
“Tem umas sequências bem legais, especialmente no último episódio. E esperamos que a segunda temporada seja ainda mais divertida”, concluiu.
Um ponto de destaque, que se distancia dos quadrinhos, é a transformação de Cole North — originalmente um aliado do Demolidor — em um antagonista dentro da Força-Tarefa Anti-Vigilantes liderada pelo prefeito Wilson Fisk.
Sobre essa adaptação, Amanat comentou:
“Sem dar spoilers do final, mas definitivamente há grandes revelações envolvendo esse personagem que são um pouco diferentes dos quadrinhos. Estamos tentando contar a história de alguém que acredita que precisa ir aos extremos para ser o tipo de pessoa que acha que deve ser. Ele acredita que está certo”, destacou.
“Ao explorar essa história, estamos chegando por um ângulo diferente. Há muito mais por vir, e é um ótimo exemplo de adaptação e tentativa de novas abordagens. Mas sentimos que ainda há muita história a ser contada com esse personagem”, concluiu.
Na trama, Matt Murdock, um advogado cego com habilidades aprimoradas, está lutando por justiça por meio de seu movimentado escritório de advocacia, enquanto o ex-chefe da máfia Wilson Fisk vai atrás de seus próprios empreendimentos políticos em Nova York. Quando suas identidades passadas começam a emergir, os dois homens se encontram em rota de colisão inevitável.
O elenco conta contará com o retorno de Vincent D’Onofrio (Wilson Fisk), Elden Hanson (Foggy Nelson), Deborah Ann Woll (Karen Page), Jon Bernthal (Justiceiro) e Wilson Bethel (Ben Poindexter/Mercenário).
Dois talentosos jovens negros se apaixonam no trailer da nova série de romance da Netflix, intitulada ‘Para Sempre‘. A produção é a adaptação do clássico livro “O Primeiro Amor“, de Judy Blume, lançado em 1975, e chega no streaming no dia 08 de maio.
Confira o trailer:
A série acompanha a história dos adolescentes negros, Keisha (Lovie Simone) e Justin (Michael Cooper Jr.), dois jovens atletas que se tornam o primeiro amor um do outro, o que impactará suas vidas para sempre. A trama se passa em Los Angeles, no ano de 2018.
Keisha Clark é uma confiante estrela do atletismo, com sonhos grandiosos para além do Ensino Médio. Já Justin Edwards almeja jogar basquete na primeira divisão e provar que é capaz de conquistar muito mais do que seus pais bem-sucedidos conseguiram em suas carreiras.
Mara Brock Akil, responsável pela sitcom de sucesso dos anos 2000, ‘Girlfriends‘, será a showrunner e produtora executiva. ‘Para Sempre‘ é o primeiro projeto fruto de seu acordo firmado com a Netflix.
Na próxima iteração, atormentada por um pesadelo violento e recorrente, a estudante universitária Stefanie volta para casa para rastrear a única pessoa que, talvez, possa ser capaz de quebrar o ciclo fatal anunciado e salvar sua família da morte terrível que inevitavelmente aguarda todos eles.
O terror será lançado nos cinemas nacionais no dia 15 de maio.
Foi divulgada uma imagem destaca o retorno de Tony Todd (‘A Lenda de Candyman’) como o agente funerário William Bludworth.
O roteiro é assinado por Lori Evans Taylor (‘O Nascimento do Mal’) e Guy Busick (‘Pânico 6’), com a produção de Jon Watts (‘Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa’).
O primeiro ‘Premonição‘ foi lançado em 2000 e gerou 4 continuações. O ápice da série foi em 2009, com ‘Premonição 4‘, que faturou quase US$ 200 milhões nas bilheterias mundiais. O quinto, e último filme, foi lançado em 2011 e arrecadou US$ 157 milhões mundialmente.
Combinados, os cinco longas arrecadaram mais de US$ 665 milhões.
A Diamond Films divulgou o trailer legendado do aguardado drama ‘A Vida de Chuck‘, dirigido pelo aclamado realizador Mike Flanagan (‘A Maldição da Residência Hill’).
O longa chega aos cinemas nacionais em 28 de agosto, e apresenta a extraordinária história de um homem comum, conforme explora os altos e baixos da existência humana.
A trama gira em torno de Charles ‘Chuck’ Krantz, começando pelo final, desde sua trágica morte aos 39 anos causada por um tumor cerebral, até sua infância, crescendo em uma casa amaldiçoada.
Esta será a terceira adaptação de King pelo o cineasta após os incríveis ‘Jogo Perigoso‘ e ‘Doutor Sono‘.
