Sinopse: O pai de Daniel é um fotógrafo que vive na Tailândia. Depois de anos de afastamento, ele manda uma carta ao menino. Além desse contato inesperado, Daniel ainda tem de lidar com o fim de seu namoro e um roubo em sua escola.
Um filme jovem e sincero, com um protagonista masculino lidando com as descobertas amorosas, conflitos familiares e amizades. Antes que o Mundo Acabe trata das mesmas questões que As Melhores Coisas do Mundo e, com o lançamento tão próximo um do outro, é difícil não falar de um sem pensar no outro. Com dois títulos tão bons lado a lado, sinto uma grande alegria como um espectador do cinema brasileiro.
Enquanto o trabalho de Laís Bodanzky é mais divertido e foca-se no público jovem, que se vê nas situações impressas na tela; o filme gaúcho é mais poético, convidando o espectador mais maduro a pensar nos desafios de ser jovem.
Como tem sido uma constante na produção cinematográfica dos pampas, bons filmes tem atrelado em sua equipe o nome de Jorge Furtado. A participação dele no roteiro é marcante e seus fãs logo descobrem qual personagem é mais influenciado por sua forma de contar histórias.
Furtado foi o primeiro cineasta a contemplar um cinema jovem durante a Retomada dirigindo Houve Uma Vez Dois Verões (2002), também pela Casa de Cinema de Porto Alegre. Sob os cuidados de Ana Luiza Azevedo, Antes que o Mundo Acabe é mais sensível e menos debochado.
Não é apenas no sotaque de seus atores que o filme é gaúcho. Tratando de temas universais e com situações que podem acontecer em qualquer cidade, a fita oferece aos espectadores de outros estados uma mistura de identificação próxima com uma viagem distante a outra terra – um dos objetivos mais bacanas do cinema.
Há belas histórias que são contadas com tanta naturalidade que conseguem nos envolver. Antes de Partir (The Bucket List – EUA/2007 – 97 min.) é uma destas histórias. Simples, sensível e com toques de humor na medida certa.
A história sobre dois homens de meia-idade com filosofias de vida diferentes que o destino se encarrega de cruzar, chega aos cinemas em uma época em que há poucas opções para os apreciadores de comédias dramáticas e emocionantes. Mesmo abordando um assunto sério como a da morte e sua aceitação, Antes de Partir ensina que nunca é tarde para viver a vida plenamente, realizando desejos, experimentando sensações e compartilhando a beleza do mundo a nossa volta.
Dirigido pelo cineasta Rob Reiner (Harry e Sally) e atuado pelos carismáticos atores Jack Nicholson e Morgan Freeman, Antes de Partir traz a história do executivo e milionário Edward Cole (Jack Nicholson), um homem que construiu um hospital onde sua filosofia sempre foi a de que todos os pacientes internados devessem compartilhar os mesmos espaços. Mas o que Edward não esperava era de que ele terminasse sendo hospitalizado e obrigado a seguir sua própria regra. Dividindo o quarto com o mecânico Carter Chambers (Morgan Freeman), ele encontra neste homem, que renunciou seus sonhos pela família, algo em comum: ambos não viveram a vida como planejaram.
Contrariando as ordens médicas, os dois resolvem então deixar o hospital e partir em uma grande aventura, gastando seus últimos meses de vida na realização de sonhos, que por motivos diferentes, nunca tiveram oportunidade de concretizar. Seguindo uma lista de desejos – como saltar de pára-quedas, visitar as pirâmides do Egito, o Himalaia, o Taj Mahal – eles se lançam no mundo e passam a fazer tudo o que sempre planejaram, sem regras e sem pressa.
Sempre que a dupla formada pela atriz Keira Knightley e o diretor Joe Wrightse une, isso significa prestígio e indicações ao Oscar. Veja o currículo da dupla: A primeira união se deu em 2005, quando lançaram a obra baseada em Jane Austen, “Orgulho & Preconceito”, e o resultado foi quatro indicações ao maior prêmio do cinema (que incluía o prêmio de melhor atriz para a talentosa Knightley).
Em seguida, dois anos depois, Wright e Knightley tomaram novamente o Oscar de assalto quando “Desejo e Reparação”, baseado na obra literária de Ian McEwan, recebia sete indicações da Academia.
O ano de 2012 marcou a segunda reunião da dupla, novamente numa obra de época, e novamente baseado num clássico da literatura, dessa vez russa, do escritor Leo Tolstoy. “Anna Karenina” já foi adaptada para o cinema diversas vezes, assim como “Os Miseráveis”, “Guerra e Paz”, “O Morro dos Ventos Uivantes”, ou qualquer coisa de Shakespeare, essas obras da literatura clássica são icônicas e fazem parte do consciente coletivo. Em versões anteriores, atrizes como Greta Garbo, Vivien Leigh e Sophie Marceau já encarnaram a personagem título.
Agora, a tarefa cabe à talentosa Keira Knightley, que tira a missão de letra. Knightley é escolada em obras de época, mesmo quando não está sob o comando de Wright. Aqui a verdadeira surpresa fica por conta do resto do elenco, afinal Knightley não nos surpreende tanto com sua graça e extremo talento, isso é o esperado dela. A atriz consegue transparecer uma serenidade intocável de início, quando sua personagem se mantém distante das investidas de seu novo pretendente e de seus próprios sentimentos.
Na trama clássica, a dama da alta-sociedade Anna Karenina, casada com um membro do governo, na Rússia do século XIX, é seduzida pelo Conde Vronsky, um jovem inconsequente, escandalizando assim a sociedade burguesa da época. Aaron Taylor-Johnson galga seu espaço como um dos jovens mais talentosos de sua geração, e para isso escolhe papéis diversificados dentro dos mais variados filmes.
Aqui, o jovem ator dá novas nuances ao personagem do sedutor Vronsky, que como um menino imaturo cobiça o que não possui, para depois abandonar em busca de algo mais novo. Jude Law igualmente surpreende. O ator que no passado seria a escolha óbvia para o galante Conde, entra em nova fase de sua carreira, aos 40 anos de idade, na pele do traído Karenin. Um personagem que vê seu mundo desmoronar de uma hora para outra, e seus bens mais preciosos escorregarem por seus dedos, sem que possa impedir.
Law causa impacto com sua caracterização física do pacato personagem, exibindo uma calvície que atribui idade e afastamento de seus usuais parâmetros de beleza. Completando o elenco principal, a sueca Alicia Vikander (vista esse ano no indicado ao Oscar “O Amante da Rainha”) rivaliza com Knightley mostrando que sua jovialidade, além do talento, conta na batalha de suas personagens. É como se a ficção se mesclasse à realidade para dizer que uma nova geração está chegando, e que Knightley, outrora a jovem sensação, já está madura e começa a dar passagem para estrelas em potencial.
Outro fator curioso e muito interessante é a forma narrativa que o diretorJoe Wrightescolheu para o filme. Já que “Anna Karenina” foi muito adaptada, a abordagem de Wright garante que nunca foi dessa forma. Aqui de início temos personagens adentrando portas para saírem em locais totalmente diferentes. Tudo é feito como uma peça de teatro, onde num palco o mesmo espaço pode significar as locações mais diferentes. Tudo na cenografia é criativo e soa propositalmente falso, como os trens na estação. “Anna Karenina” deJoe Wright funciona como um grande musical sem música.
Coreografias, gestos, e os cenários convergem para o exagero em muitos momentos, onde obviamente seriam colocadas as cantorias, caso o filme optasse pelo gênero. Mesmo com todos os seus atributos, podemos considerar “Anna Karenina” o trabalho menos prestigiado da dupla Wright e Knightley, já que foi indicado apenas em quesitos técnicos (mesmo sendo quatro indicações). “Anna Karenina” levou no quesito de melhor figurino, mas é outro filme que poderia facilmente figurar entre os dez (de apenas nove) indicados na categoria principal. Cacife para isso o filme tem.
Sinopse: Durante o Conclave (a cerimônia que escolhe o novo Papa), quatro cardeais são sequestrados. A ameaça é que, a cada hora, um deles seja morto. Para evitar o pior, o Vaticano chama o Prof. Robert Langdon.
O autor Dan Brown ficou famoso ao redor do mundo quando lançou o romance O Código Da Vinci. Além de ser um thriller bem construído, o livro gerou polêmica por defender a ideia de que Jesus tinha um relacionamento carnal com Maria Madalena. Em seu trabalho anterior, que foi redescoberto enquanto O Código fazia sucesso, ele já pisava nos calos da Santa Sé.
A adaptação cinematográfica de Anjos e Demônios (Angels & Demons) tenta tirar um pouco do peso sobre a Igreja Católica em seu roteiro. Mesmo assim o Vaticano proibiu a produção de realizar gravações na Praça de São Pedro o que se vê no filme é uma réplica. O filme oferece um belo passeio pelos prédios históricos de Roma que dá vontade de ir para lá.
Outra mudança feita para que a aventura saísse das páginas para as telas foi a alteração na ordem dos livros. Por ter sido lançado mais tarde, O Código Da Vinci acontece depois da investigação de Langdon no Vaticano. No cinema o que acontece é o contrário, Anjos e Demônios é uma sequência dos acontecimentos no Museu do Louvre. Essas mudanças não devem enfurecer os fãs do autor, já que o clima do livro foi mantido.
Os erros do filme anterior foram bem assimilados pelos produtores. Eles conseguiram manter-se fora das falhas que foram os fatores determinantes para a má recepção de O Código Da Vinci. As explicações extensas que faziam o público sentir-se chateado e perdido foram cortadas e, também por isso, a emoção é muito maior. Até o cabelo de Tom Hanks (Jogos do Poder) foi modificado! Quem acreditar que dessa vez temos um bom filme e resolver ir ao cinema não se arrependerá.
estreia nesta sexta-feira nos cinemas nacionais este ‘Anjos da Vida – Mais Bravos que o
Mar.’ Dirigido por Andrew Davis (o mesmo do fraco Efeito Colateral) a fita é surpreendentemente boa, com cenas de ação e efeitos especiais de tirar o fôlego e também com boas atuações da dupla central (que quase nunca faz nada de bom) Ashton Kutcher e Kevin Constner.
A história mostra Ben Randall (Constner) um dos nadadores mais conhecidos e respeitados da Guarda Costeira americana. Porém após passar por um resgate traumatizante acaba tendo seu trabalho prejudicado, e acaba sendo enviado para ser treinador de um grupo de novos recrutas. Neste grupo ele encontra Jake Fischer (Kutcher) um jovem que também vem de um passado traumático, campeão de natação, e que (obvio) vai bater de frente com as técnicas de ensino de Randall.
Mesmo com um roteiro obvio demais vale a pena passar 2h20 na sala para assistir a Anjos da Vida – Mais Bravos que o Mar. É um filme bem pipoca, daqueles que você esquece logo, mas se você gosta de filmes com bastante ação, tensão, bem ao melhor estilo ”blockbuster” corra para o cinema.
Muito aguardado pelos fãs da trilogia, o quarto filme da saga “Anjos da Noite” chega aos nossos cinemas no dia 02 de março. A história fraca e a busca pela melhor tomada nos belos olhos azuis de Kate Beckinsale não ajudam muito a fita dirigida pelos suecos Måns Mårlind e Björn Stein.
Na trama, uma guerreira vampira consegue se libertar de uma organização mal intencionada após 12 anos em cativeiro gelado. No lugar do único homem que amou ela encontra uma menina com os olhos dele. De volta à vida, tem que se preparar para uma guerra entre espécies e mais tarde ainda fica sabendo que tem uma filha que não é exatamente somente uma vampira.
A atriz inglesa Kate Beckinsale (que interpretou Ava Gardner em “O Aviador”) tem a difícil missão de ser a protagonista desse duelo entre lobisomens e vampiros. Com a roupa preta bem justa a beleza da artista é bastante explorada. Sua personagem Selene é uma lutadora exterminadora de inimigos, para vocês terem uma idéia, numa cena provoca uma fratura exposta com apenas um movimento. As pistolas duplas (utensílios bastante utilizados durante as batalhas) lembram a famosa Lara Croft.
A breve introdução, sobre a história dos outros filmes da saga, ajuda o espectador a situar-se melhor com o que acontece em cena. Então, respondendo a pergunta de vocês: Não precisa ver todos os outros três filmes para assistir a esse (mas, é sempre bom né?).
O filme é o irmão gêmeo bivitelino de “Resident Evil”. Analisando: futuro cheio de não-seres humanos, potencial bélico aos montes, protagonistas lindas e corajosas, dezenas de baixas de guerra pelo caminho, roteiros confusos e direções contestáveis. São ou não são iguaizinhos?
Baseado na história de Len Wiseman, o pensamento nerd paira no ar, esse longa daria um ótimo jogo para qualquer console de última geração.
Em seu desfecho, fica evidente uma enorme deixa para um quinto filme.
Vá conferir caso seja fã da nova mamãe vampira da praça.
A terceira saga de Anjos da Noite A Rebelião (Underworld: Rise of the Lycans EUA/Nova Zelândia/2009 92 min. Sony Pictures) volta ao cinema para contar a história da batalha que há milênios separa duas raças imortais. Retornando no tempo, mergulhamos no mundo de Vampiros e Lobisomens e conhecemos as origens do conflito que tornaram os dois seres inimigos mortais.
Há mais de mil anos nasceram os descendentes do imortal Alexander Corvinus. Os Vampiros, da linhagem de Markus e os Lobisomens, da linhagem de William. Com maior habilidade política, os elegantes e aristocratas Vampiros passam a dominar a parte Ocidental da Hungria, enquanto que os desorganizados e fortes Lobisomens, dispersaram-se na sombria Floresta.
Mas um nascimento muda o curso da história. Um Lobisomem femenino dá a luz um filho com aparência humana. Seu nome é Lucian (Michael Sheen), o primeiro Lycan nascido na escuridão, dentro da fortaleza do Vampiro Viktor (Bill Nighy). Com capacidade de assumir a forma animal e humana que seus descendentes não possuíam Viktor usa sua linhagem para criar escravos e guardiões diurnos. Impedidos de se transformarem, os Lycans servem Viktor que reina absoluto, controlando seu clã, os Lobisomens e os nobres, exceto sua filha Sonja (Rhona Mitra). Destemida, ela cavalga com os Mercadores da Morte protegendo a Fortaleza dos Lobisomens selvagens que vivem na região. Mas indo contra o destino se apaixona por Lucian, agora o principal ferreiro e fabricante de armas do castelo. Um romance que mudará o destino das duas raças para sempre.
Para os fãs, um retorno ao mundo de seres que ganharam às telas do cinema pela primeira vez em 2003, com Anjos da Noite Underworld e em 2006, com Anjos da Noite A Evolução.
A atmosfera, as batalhas, as criaturas desenhadas por Patrick Tatopoulos, que agora assume a direção, talvez sejam o segredo de sucesso da trilogia. Nada já produzido pode ser comparado ao mundo de Anjos da Noite. Repleto de efeitos especiais, o filme traz um roteiro inteligente, com atores talentosos, interligando com competência o filme com suas seqüências.
Michael Sheen e Bill Nighy retornam aos seus papéis. Já a atriz inglesa, Rhona Mitra, ficou com a difícil missão de ser tão marcante quanto Selene, a Mercadora da Morte dos dois primeiros filmes. Personagem que a atriz Kate Beckinsale deixou como marca em sua passagem pela franquia.
Para mim, Sonja é um arquétipo de Selene, comenta o diretor, Ela é uma guerreira, mas existe algo muito mais frágil nela também. Definitivamente é uma forte lutadora, mas também muito carregada emocionalmente.
Com belas locações, as Florestas da Nova Zelândia e um Castelo imerso em velas e braseiros, o filme traz um visual deslumbrante. Com seu tom de latão polido, ele nos transporta para um misterioso e longuínquo passado.
O primeiro filme teve seus prós e contras, agradou uma legião apaixonada por vampiros e lobisomens e desagradou aqueles cinéfilos em busca de algo mais… artistíco e inteligente. Então, para iniciar a base da crítica, eis uma frase que realmente irá especificar do que a sequência se trata: realmente, a evolução.
Ao invés de trazer os erros do primeiro filme e trasnformá-los em acerto, o diretor Len Wiseman decidiu optar pelo lado mais fácil: executar os acertos do primeiro filme e evoluí-los. Ou seja: a trama fica ainda mais como plano de fundo para um filme de ação vertiginosa em um mundo populado por vampiros e lobisomens. E nisso ele acerta: ‘Anjos da Noite: A Evolução’ tem ainda mais ação, efeitos especiais mais “evoluídos” e mais, muito mais, Kate Beckinsale poderosa em roupa de couro apertada.
Continuação do sucesso de 100 milhões de dólares em bilheteria mundial, ‘Anjos da Noite – A Evolução’ continua a saga da guerra entre os aristocráticos Death Dealers e os bárbaros Lycans (Lobisomens). O filme traça o início do antigo feudo entre duas tribos enquanto Selene (Kate Beckinsale), a linda vampira heroína, e Michael (Scott Speedmand), o lobisomem tentam descobrir os segredos de seus antepassados. O ritmo acelerado, o conto moderno de uma ação mortal, intriga e amores proibidos os levam a uma batalha para terminar todas as guerras já que os imortais devem finalmente encarar sua retribuição.
Mesmo com um roteiro fraco, o filme empolga pela perfeição nos detalhes e o talento dos astros principais. Desta vez a trama não é tão volumosa ou enigmática quanto a do primeiro filme, mas a adrenalina corre solta.
Para os que se divertiram com ‘Underworld – Anjos da Noite’, a sequência se exibe ainda melhor e mais interessante do que o primeiro filme, e realmente eleva o filme a um patamar superior. Mas, para que não se diverte vendo a guerra entre vampiros e lobisomens, o segundo filme será ainda mais decepcionante.
Uma sequência superior, divertida e cheia de ação. Que venha o terceiro!
No anos 80, a série de TVAnjos da Lei (21 Jump Street) fez sucesso e lançou o então jovem rebelde ator Johnny Depp. Na trama, uma dupla de policiais atuavam infiltrados em escolas para investigar crimes. O longa de mesmo nome, produzido e co-roteirizado por Jonah Hill (a referência em comédia nos dias atuais – para quem já se cansou de Seth Rogen e nunca achou graça em Adam Sandler), traz uma nova geração de agentes.
Sai Johnny Depp e Peter DeLuise, entra Jonah Hill e o hunk Channing Tatum; como os atrapalhados Schmidt e Jenko.
Anjos da Leiinicia em 2005, mostrando a realidade dos colegiais: Jenko (popular, mas que não tem bom desempenho escolar, o famoso atleta da escola) e Shmidt (nerd, porém inteligente, tendo como modelo de referência o rapper Eminem). Anos depois os dois se encontram em prova para a polícia americana. Um tem o que o outro precisa, tornam-se amigos e passam para a academia.
O roteiro de Stephen J. Cannell (Esquadrão Classe A) e Hill (Superbad), brinca com o excesso de adaptações de clássicos dos 80, com referências aos métodos da época. O deboche é enfatizado em diálogos (como uma fala do chefe da dupla, em que esclarece que as pessoas estão sem imaginação e o que fazem é copiar coisas que já foram feitas). Recheada de humor e ação, a trama mostra o choque entre duas gerações através dos jovens policiais.
As referências de Hill e Cannell imprimem a mudança comportamental dos jovens em tão pouco tempo, revelando como as famosas tribos da high school americana sofreram mudanças drásticas. Se antes haviam apenas os populares, os nerds e os rebeldes (vide filmes de John Hughes); agora há uma mudança radical onde um nerd pode ser o popular e o atleta pode não ser tão legal assim. Esse choque adicionado às trapalhadas da dupla dão verocidade na ação, agilidade no humor e empatia na trama.
Mesmo com uma pequena “barriga” na narrativa (é quando os roteiristas apelam no emocional, tornando o nerd em cool e o atleta num geek), mas logo é compensada com uma sequência de ação/humor. Assim como Depp e DeLuise tinham grande amizade que auxiliava na química na telinha; Channing e Hill juntos também conseguem atrair o público com seus respectivos talentos. Sem apelar nos spoilers da trama, mas com uma informação já confirmada: os espectadores precisam prestar atenção na história para se impressionar com as viradas do filme, em especial na entrada triunfal de Depp e DeLuise como seus respectivos personagens da série original.
O gênero ação/comédia tem ganhado mais força nos últimos anos, com produções como “Um tira no Jardim de Infância“, “Bad Boys“, os recentes “Guerra é Guerra” , “Divisão de Homicídios” entre muitos outros. Hill consegue captar a linguagem de diferentes gerações com seu humor e Cannell usou sua facilidade no gênero. Anjos da Leisegue a linha revival de adaptações, mas sem deixar a desejar e com uma promessa de continuidade.
Um filme tocante. Anjo de Vidro é uma produção lançada nos cinemas em 2005 que encantou o publico ao trazer um ótimo elenco num belíssimo painel de pequenas histórias que se cruzam na noite de natal. Susan Sarandon, Paul Walker, Penélope Cruz e Robin Willians são alguns dos nomes presentes em Anjo de Vidro, dirigido por Chaz Palminteri, em sua primeira aparição nos créditos da sétima arte. Durante o filme, o diretor surge como o personagem Arizona, numa participação mínima.
É Natal em Nova York. As ruas estão cobertas de neve, músicas natalinas estão por toda parte e as pessoas andam apressadas em direção às lojas, para comprar os presentes de última hora. Porém um grupo de pessoas está completamente à parte deste clima. Alguns deles são Rose (Susan Sarandon), uma mulher emocionalmente frágil cuja mãe está no hospital, e Mike (Paul Walker), um policial que briga com um homem mais velho (Alan Arkin). Porém alguns encontros na véspera de Natal fazem com que eles repensem a vida. Nesse enredo ainda há espaço para Nina (Penélope Cruz, linda e provocante) como a mulher do ciumento policial Mike.
Anjo de Vidro ensaia temas como espiritismo (reencarnação), porém, não se aprofunda na questão, deixando a trama mais ligada as relações pessoais e a carência de muitas pessoas, que aprendem a viver sozinhas, sem auto flagelar-se com a situação em que vivem, repleta de solidão. Amor, amizade e companheirismo são algumas das palavras-chave que definem essa produção refinada, distribuída pela Imagem filmes e que fez mais sucesso no mercado de dvd.
Com 96 minutos de duração, Anjo de Vidro traz ainda uma belíssima fotografia noturna: as luzes e os fogos na noite de natal são emocionantes e sofisticados adornos para a trama. A trilha sonora é igualmente agradável, ligada totalmente ao que é exibido em tela, fugindo do convencionalismo que produções desse tipo insistem a abordar: colocar “aquela” musiquinha melosa e tocante numa cena óbvia para arrancar choro da platéia.
É estranho ver tamanha falta de sensibilidade e bom gosto vindo de uma diretora que geralmente é sinônimo de qualidade. A dinamarquesa Susanne Bier começou a carreira no início da década de 1990, mas chamou a atenção na seguinte, quando seu “Broders” (a versão original de “Entre Irmãos”) se consagrou no Festival de Cannes.
De lá pra cá Bier esteve no comando do prestigiado “Depois do Casamento” (considerado um de seus melhores filmes, e indicado ao Oscar de filme estrangeiro), pisou em Hollywood com “Coisas que Perdemos pelo Caminho”, seu único filme totalmente falado em inglês.
E com “Em um Mundo Melhor” finalmente levava o prêmio da Academia como o melhor filme estrangeiro de 2011. Depois de sua consagração no Oscar, vinda de uma série de filmes intensos, embora muitos os acusem de serem também óbvios demais, a diretora resolve entregar uma obra mais leve e descompromissada, uma típica comédia-romântica para mostrar que também sabe se divertir e sair de cargas pesadas. E o resultado é que Bier estava melhor em seus incisivos filmes emocionais.
Escrito por Anders Thomas Jensen (colaborador de todos os filmes da diretora), baseado numa história dele e da própria Bier, a trama fala sobre uma mulher interpretada por Trine Dyrholm(colaboradora de Bier em “Em Um Mundo Melhor”) passando por uma crise de meia idade, quando após vencer um câncer descobre a traição do marido em vias de embarcarem para a Itália, para o casamento da filha. Ao chegar no aeroporto colide com o carro de Philip (Pierce Brosnan), o pai do noivo, um milionário rude e viúvo, que só pensa em trabalho.
A proposta aqui é fazer essas duas pessoas tão distintas se apaixonarem, e a mensagem é que o amor pode surgir a qualquer momento dos lugares mais inesperados, e em qualquer época da vida. “Amor É Tudo o que Você Precisa” lembra o musical “Mama Mia!”, só que pior, porque aqui não temos as divertidas músicas do ABBA, Meryl Streep ou as belas locações da Grécia. Nada funciona nessa nova investida da dupla Bier e Jensen, as cenas beiram o ridículo e os diálogos são simplesmente ruins. Temos conflitos dignos de novelas da Globo, ou pior, de novelas mexicanas.
Os personagens são clichês dos piores estereótipos, como o protagonista de Brosnan, a figura do empresário viciado em trabalho e péssimo pai, que no final irá se redimir com o filho. O sujeito turrão se encanta pela mãe da noiva, recém-traída, sem que saibamos muito bem por que. A sempre bela e interessante Trine Dyrholmnão tem apelo nenhum como a personagem Ida. A culpa porém, é de como a personagem foi escrita, uma boboca apagada que só sabe rir. A infeliz mulher é digna de pena, e nunca imaginaríamos alguém se encantando por ela de tal forma.
E não por ter passado e vencido de uma grande doença, isso demonstra sua garra (mesmo que faça uso de uma péssima peruca de careca, que simplesmente distrai por soar extremamente falsa), mas por ser uma pessoa desinteressante de forma geral, e a definição da palavra ordinária. Bier cria cenas embaraçosas para o seu elenco, como quando Brosnan e Dyrholm se conhecem após a colisão de seus veículos num estacionamento. É algo sem tato algum.
Em nenhum momento acreditamos no relacionamento e envolvimento do casal protagonista. Brosnan e Dyrholm não possuem química e isso é fatal para qualquer comédia-romântica. Esse era o aspecto que Bier deveria ter trabalhado em seu filme. Os dois parecem mais desconfortáveis em suas cenas do que nós assistindo ao filme. Os diálogos parecem descer quadrados, quando Brosnan fala sobre frutas, não existe algo de especial a ser dito pelos dois, apenas trivialidades do dia-a-dia.
E isso não é o sinal de uma comédia-romântica que conseguirá se distinguir no tempo. É verdadeiramente uma pena que talentosos e experientes cineastas como Bier e seu roteirista Jensen fiquem presos a um filme formulaico como esse, sem conseguir emanar nem uma pequena faísca de seus trabalhos anteriores.
Sinopse: O trabalho de Ryan é viajar pelo país despedindo pessoas. Sem residência fixa a maior parte do ano, ele leva uma vida vazia e sem comprometimentos. Entretanto, um dia a empresa para a qual trabalha decide que ele deve ficar no escritório fazendo seu trabalho remotamente.
Quem achou estranho o fato de que o diretor da comédia ácida Obrigado por Fumar também é responsável pela fofa fita sobre gravidez juvenil Juno terá algumas respostas ao assistir Amor sem Escalas (Up in the Air). Nessa produção, o cineasta Jason Reitman mostra a todos sua proposta de contação de histórias.
No lugar do lobista da indústria do tabaco, o anti-herói da vez é um homem contratado para demitir pessoas. Por seguir uma filosofia de vida antimatrimonial semelhante à do personagem, George Clooney dá muita graça e sinceridade a Ryan Bingham. A autenticidade do filme é aumentada pelos discursos dos demitidos, emitidos por desempregados reais que acabaram de perder o emprego por causa da crise.
Do estilo cinematográfico de Reitman, pode-se ver sequências com edição agitada e a construção de quadros que, se vistos sem o contexto, são instigantes e enigmáticos. Os leitores que pensaram “mas o que é isso?” logo no começo de Juno sabem do que estou falando. Só para lembrar: em um gramado, a protagonista bebe um galão de suco de laranja olhando para uma poltrona velha.
Parte do elenco também remete a produções passadas de Jason Reitman, seja em um papel médio, como Jason Bateman (Encontro de Casais), ou em participações especiais. Atores que já estiveram sob a direção de Reitman aparecem na tela em pequenas pontas, como J.K. Simmons – há mais surpresa nesse quesito.
Apesar de conter momentos engraçados, Amor sem Escalas trata de temas sérios. Solidão, achar sentido na vida e preocupar-se com o futuro são algumas das questões abordadas no enredo. Tudo isso, com um desenvolvimento leve da trama.
Um dos filmes mais comentados dos últimos meses, chega às telas Amor sem Escalas(Up in the air), novo e aclamado trabalho de Jason Reitman, o premiado diretor de Juno. Não se espante com o filme à primeira vista: ele demorou bastante a me conquistar. Mas, no final, eu estava completamente envolvida com a trama que aborda a solidão e o vazio das relações pelo olhar masculino.
Baseado no livro de Walter Kirn, a história gira em torno de Ryan Bingham (George Clooney), um homem com uma profissão bem peculiar: ele é pago para viajar pelos Estados Unidos despedindo funcionários de empresas em crise. Ryan não parece se incomodar com o trabalho hostil, pois se contenta com a vida que ele considera perfeita.
Desapegado de tudo e de todos, ele passa a maior parte do tempo entre aeroportos, hotéis e carros alugados. De vez em quando faz algumas palestras em que conta seu case ‘a mochila vazia’. A razão de abordar o tema é o fato de que Ryan consegue carregar tudo o que precisa em uma mala de mão, é membro de elite de todos os programas de fidelidade existentes e está próximo de atingir seu maior objetivo: 10 milhões de milhas voadas.
Se para os outros essa é uma vida solitária e vazia, para ele tudo faz sentido. Ryan tem uma casa em que passa apenas alguns dias por ano; duas irmãs que mal vê; relacionamentos esporádicos que considera reais. Nada mais importa, essa foi sua escolha e ele nunca questiona isso. Mas quando seu chefe, inspirado pela eficiente e novata funcionária Nathalie (Anna Kendrick) ameaça mantê-lo permanentemente na sede da empresa, Ryan se assusta. Ao mesmo tempo, ele se envolve com Alex (Vera Farmiga), uma mulher com o mesmo estilo de vida que o seu e, pela primeira vez, ele vê a perspectiva de ficar em terra firme, contemplando o que realmente pode significar ter um lar.
Alguns pontos chaves tornamAmor sem Escalas interessante. A relação de Ryan e Alex é cercada de detalhes que se revelam uma grande surpresa perto do final do filme. O modo como Ryan lida com a tecnologia que está ocupando seu lugar no trabalho também chama a atenção. A frieza atual das relações humanas – evidenciada tanto na forma como Ryan trata sua família como na demissão dos funcionários – é outra questão abordada. E o embate entre Ryan e Nathalie sobre casamento e comportamento com seus parceiros é brilhante.
Todos estes pontos levam ao mesmo caminho: o excelente roteiro que, em alguns momentos, parece que vai cair no clichê ‘só o amor constrói’ mas dá uma rasteira no espectador, surpreendendo especialmente nos instantes finais. E diante de um roteiro tão primoroso, o elenco abraçou cada diálogo com vontade, sobressaindo em boas atuações. George Clooney é ele mesmo, charmoso, carismático e sedutor, o solteirão convicto capaz de levar a vida que quiser. Vera Farmiga e Anna Kendrick também correspondem ao perfil de suas personagens; uma é totalmente despojada, a outra, convicta de suas intenções.
Corajoso e autêntico, Amor sem Escalasnão cai em ciladas para agradar ao público. Seu protagonista é um cara que não pensa em casar, nem em ter filhos muito menos em assumir um compromisso real (de acordo com os padrões da sociedade), porque o real dele é cada um na sua. Ele não se preocupa em comprar uma casa, ter bens, nada. Ele não quer se comprometer e não faz a menor questão que as pessoas gostem dele. E todo mundo questiona esse jeito tão peculiar, aparentemente solitário, mas que foi uma escolha dele. E a vida é feita de escolhas, não? Simples assim.
Sinopse: Ana acaba de perder o pai e herdar uma dívida enorme. Para equilibrar as finanças, decide viajar para a Califórnia e vender uma propriedade que era de sua avó. O problema é que o recém-divorciado Jake está transformando a casa em uma pousada e ela terá de despejá-lo.
Amor por Acaso (Bed & Breakfast) é uma comédia romântica em que um casal que tem tudo para ser inimigos acaba se apaixonando. Esse casal é interpretado por dois atores que já provaram seu carisma no decorrer de suas carreiras. Então como uma fórmula eficaz em diversas títulos do gênero acaba em um filme fraquinho?
Os erros do roteiro estão nos detalhes. O filme começa nos Estados Unidos para que o público de lá assista às primeiras cenas sem ler legendas e comece a se envolver com a história. Depois, a ação dirige-se para o Rio de Janeiro com falas em português. Nesse ponto, os falantes de inglês já estarão integrados com os personagens e não terão tanta resistência a um idioma estranho.
O problema está a partir desse ponto, em que se força a barra para que haja o maior número possível de diálogos em inglês. Assim, sem qualquer motivo aparente, o advogado (Julian Stone) de Ana (Juliana Paes) é britânico e ela fala em inglês até com o labrador de estimação de Jake (Dean Cain).
A direção de Márcio Garcia corre bem na maior parte do tempo, mas em algumas oportunidades ele abusa dos movimentos de câmera. Novamente sem motivo aparente, a não ser que se espere deixar o espectador marejado.
Com participação brasileira na produção, o filme não utilizou leis de incentivo para bancar a empreitada. Para isso, contou-se com patrocinadores e a aparição das marcas é mais um exemplo dos erros e acertos do longa. Enquanto a loja em que Ana trabalha está bem posicionada, Amor por Acaso tem uma cena após os créditos que entrará para a história de piores merchandisings já vistos.
Finalmente, demora muito para que o casal de protagonista se envolva de verdade. Os dois momentos de carinho que estão no cartaz são os dois únicos beijos entre eles.
Sabe aqueles filmes açucarados, que podem matar uma pessoa com diabetes? E quando unem esse filme açucarado com uma pessoa com pouco tempo de vida, como no triste ‘Doce Novembro’ ou ‘Antes que o Dia acabe’? Agora imagine esse filme açucarado, onde os dois protagonistas estão prestes a morrer? Pegue o lenço, vem choradeira por aí.
E por mais que o clichê esteja batido, não conseguimos sair do cinema sem a cara de pateta e o pensamento “que filme lindo”. E ‘O amor pode dar certo’, por mais clichê que seja, nos dá essa sensação.
Não é a história que segura o filme, já que ela realmente é chupada de outros filmes do gênero, mas as atuações inspiradas do casal principal junto com uma direção bela de Ed Stone, que capta as paisagens de maneira doce e ingênua.
Quando descobre estar com um câncer terminal, Henry Griffin (Dermot Mulroney) decide viver intensamente o resto de sua vida. Inutilmente, tenta uma reaproximação com a mulher e os filhos, mas acaba largando tudo para viver em um vilarejo distante. Quando assiste a uma aula sobre a morte em uma universidade, Griffin encontra Sarah Phoenix (Amanda Peet), que afetará profundamente seus últimos dias.
Choro vai, Choro vem, e o filme vai caminhando ao final que todos esperamos que aconteça – e já sabemos – pois todos esses filmes acabam igual. Mas ao sair do cinema, você provavelmente vai ficar com aquele gostinho de paixão na boca. Ou pelo menos de overdose de açúcar. Leve o lenço e a insulina.
Sinopse: Mike vive com seus pais no motel da família. Quando Sue chega para hospedar-se, ele se apaixona e decide não abandoná-la.
Grandes atores são reconhecidos por sua habilidade de metamorfosear-se a cada novo trabalho. É empolgante ver que o mesmo intérprete que era o mocinho, mais adiante será um terrível vilão. Infelizmente esse tipo de experiência não acontecerá com quem assiste O Amor Pede Passagem (Management).
O casal de protagonistas está longe de trazer algum frescor a suas carreiras com esse filme. Steve Zahn mais uma vez vive um tipo estranho, um cara que vive com seus pais mesmo tendo mais de 30 anos. E Jennifer Aniston mais uma vez está escalada para o papel de Jennifer Aniston (Marley & Eu) – nem a cor do cabelo ela se presta a mudar. Com esse cenário no elenco, fica muito fácil para Woody Harrelson (2012) roubar a cena e ser responsável pelos momentos mais interessantes da produção.
A história contada é verossímil só até certo ponto. O rapaz conhece a moça e se apaixona, mas a moça volta a namorar o ex agressivo e extravagante. Até aí, tudo certo. O problema começa quando Mike começa a perseguir Sue de um jeito que qualquer pessoa normal teria no mínimo receio.
O Amor Pede Passagem passará batido na vida da maioria das pessoas que o assistirem. A única cena memorável é quando Mike canta “Feel Like Making Love” em uma serenata bem exótica. Não é à toa que essa sequência está no trailer!
Quando observei o título do filme “Um amor para recordar” imaginei que fosse mais um daqueles filmes típicos de adolescentes. Ainda mais com Mandy Moore protagonizando pela primeira vez!
Esse filme posso lhe afirmar que foi diferente. Uma história de adolescentes? É, mais uma. O filme não é direcionado exatamente para adolescentes, e sim, pra todas as idades.
No começo pode parecer que não é muito interessante, um adolescente revoltado que leva uma vida rebelde e do outro uma garota tímida, certinha que usa um único suéter tornando-a “brega” diante dos outros alunos do colégio.
Só que quando os dois se apaixonam, a história acaba tomando um outro rumo tornando mais emocionante o fato deles não poderem ficar juntos.
Nicholas Sparks que escreveu “O Caderno de Noah” e “Uma Carta de Amor” escreve mais uma obra. “Um amor para recordar” é a fantástica jornada de um caso de amor impossível, típico Romeu e Julieta do século XXI.
Por ser cantora, Mandy se saiu bem (mesmo com diálogos fracos) com Shane West (não muito conhecido), mas ambos conseguiram passar emoção e o amor sincero dos personagens.
A trilha sonora, claro! Com músicas de Mandy, mesmo porque ela canta duas vezes no filme dando mais emoção e romantismo no desenrolar da história. Não tem só musicas dela e sim várias outras, incluindo “Someday We’ll Know” dos New Radicals.
Em relação aos outros filmes feitos por cantoras pop (como Britney e Jennifer Lopez) esse posso dizer que foi o melhor que assisti.
Pra quem gosta de um bom romance e drama, unidos, vele a pena conferir! É um filme muito comovente e surpreendente.
O Amor não tira Férias é uma comédia romântica deliciosa! Partindo de uma história simples e convencional, o filme consegue divertir e emocionar. Sucesso que se deve em parte ao roteiro e a direção firme e competente de Nancy Meyers (Alguém tem que Ceder) e em parte ao elenco. Meyers conseguiu reunir em um único filme Cameron Diaz (As Panteras), Jude Law (Estrada para Perdição), Kate Winslet (Em Busca da Terra do Nunca) e Jack Black (King Kong).
Apesar de longo, são mais de duas horas, O Amor não tira Férias flui bem. Narrando em paralelo as histórias, o filme conta à vida de duas mulheres, Amanda (Cameron Diaz) e Íris (Kate Winslet) que desiludidas amorosamente, decidem trocar de casa. Detalhe: elas nunca se encontraram e vivem separadas a 6000 milhas de distância. Enquanto Amanda vive nos EUA, Íris mora na Inglaterra. Durante as duas semanas em que cada uma se hospeda na casa da outra, passam a ter contato com os amigos e parentes uma da outra. É nesta interação com outras pessoas que as situações engraçadas e os pares românticos irão surgir.
Cameron Diaz que estava afastada a um ano do cinema, volta com energia às telas. O humor refinado de Meyers a deixa bem à vontade no papel de Amanda. Já Kate Winslet, narradora da história, tem um papel mais interessante e complexo. Quanto ao ar romântico…bem, ele é sustentado por dois atores coadjuvantes, mas que brilham com a mesma intensidade que as atrizes principais. Jude Law que vive Graham, irmão de Íris, impõem ao personagem seu carisma e charme britânico, enquanto Black Jack, o compositor de filmes chamado Miles, seu toque cômico.
Quem nunca viveu a dor e a delícia de um primeiro amor? Aquela sensação gostosa de quando vê a pessoa amada pela primeira vez, do primeiro beijo, da necessidade imensa de encontrar e estar junto o tempo todo… o primeiro amor é aquela montanha russa de sensações, onde um simples oi é motivo para festa ou um telefonema não atendido é desculpa para o mais profundo dos choros.
Escalado por ter participado de dois grandes filmes de amor, Antes do Amanhecer e Antes do Pôr-do-Sol, Ethan Hawke (de Dia de Treinamento), dirige esta adaptação do livro The Hottest State, de sua autoria. Com segurança absoluta do que quer mostrar na tela, Ethan nos presenteia com o que talvez possa ser o mais belo filme de amor destes anos 2000. Um Amor Jovem não é amor demasiadamente romântico, meloso… tampouco é aquele amor carnal, semi-pornográfico… é um amor comum, corriqueiro, daqueles que todos nós já vivemos, sofremos e fizemos sofrer.
William Harding (Mark Webber) é um jovem ator que, em uma boate, conhece Sarah (Catalina Sandino Moreno, de Maria Cheia de Graça), aspirante à cantora recém chegada na cidade. E à partir daí William e Sarah vivem aquela intensa necessidade de estarem próximos, de se falarem o tempo todo sobre todos os assuntos, de conhecerem diversos lugares, de juntarem seus corpos pelo maior tempo possível. Mesmo distantes em suas personalidades, existem outros fatores que os fazem estar juntos que transcendem qualquer lógica. William é frágil, entrega-se àquele amor. Sarah é fria, um tanto quanto mais sensata. Os dois juntos se completam e descobrem o que pode ser o último amor de cada um. Ou não, pode ser apenas um amor marcante. Afinal, amar é isso, é entrar de cabeça em algo que não se sabe como vai desenrolar.
Extremamente à vontade nos papéis, Mark e Catalina nos entregam atuações convincentes e que mostram o quanto estão à vontade em representarem aquilo que eles mesmos podem ter vivido outro dia. Mark consegue fazer de William um personagem sincero, frágil e amável; enquanto Catalina faz de Sarah ser, ao mesmo tempo, fria e amedrontada. Junte à atuação dos dois bons momentos de Ethan Hawke (como o pai de William), Laura Linney (de A Lula e a Baleia, como mãe de William), Michelle Williams (de O Segredo de Brokeback Mountain, linda) e até mesmo de Sônia Braga (Olhar de Anjo), como mãe de Sarah.
Um Amor Jovem não é apenas para os jovens. Talvez seja um filme que se comunique bem com os jovens atualmente, mas não é um filme exclusivo à eles. É um filme para todos que já tiveram 20, 20 e poucos anos e sentiram aquele frio na barriga só de pensar em seu amor. E afinal de contas, tal sensação não é apenas para quem é jovem, certo? Aos 30, 40, 50, 80 anos o amor ainda desperta tal frescor sentimental… apesar do título, é um filme sem idade, atemporal.
Sinopse: Inglaterra, década de 1940. Duas mulheres são envolvidas por um poeta, que as ama igualmente, mesmo sendo casado com uma delas.
Parte das funções de uma mãe é orientar seus filhos nas escolhas da vida. Algumas vezes, os pitacos maternos são errôneos, mas é sempre bom levar em consideração o que mamãe tem a dizer. A atriz Keira Knightley devia ouvir sua mãe, a roteirista Sharman Macdonald, com mais atenção.
Enquanto escrevia o roteiro de Amor Extremo (The Edge of Love), ela pensava em escalar sua filha para viver Caitlin, um papel desafiador que poderia contribuir com a carreira da jovem inglesa. Infelizmente Keira teimou em interpretar Vera, um papel irritantemente parecido com o que ela já fez anteriormente, especialmente em Desejo e Reparação, em que até o cenário de Segunda Guerra Mundial é repetido.
Agora vendo a questão do ponto de vista masculino, se ela topasse defender Caitlin, provavelmente a troca de papéis faria com que Siena Miller (G.I. Joe) fosse escalada para viver Vera. Uma característica importante desse papel é sua beleza, destacada pelas apresentações musicais que faz. Para todos os homens (exceto os que adoram magrelas), Siena é muito mais atraente do que Keira.
A parte técnica merece todos os elogios do mundo, mas é muito difícil se concentrar nela. A razão de tal falta de foco está no incontrolável ódio que o espectador sentirá em relação ao personagem Dylan. O ator Matthew Rhys (Brothers & Sisters) consegue mostrar como esse prepotente poeta vagabundo atrapalha a vida de todos que os cercam, apesar de não ser o vilão da história. A interpretação está ótima, o erro foi na construção do roteiro.
