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10 ÓTIMOS filmes brasileiros com muita tensão!

O cinema brasileiro vem a cada ano mostrando a todo mundo que é maravilhoso. Com o reconhecimento internacional dos últimos tempos é sempre bom lembrar de alguns ótimos filmes de anos passados. Abaixo segue uma lista com 10 ótimos filmes brasileiros com muita tensão!

 

Carvão

Na trama, exibida nos importantes Festivais de Toronto e San Sebastian, conhecemos Irene (Maeve Jinkings), uma mulher que vive com o marido (Rômulo Braga), o filho Jean (Jean de Almeida Costa) e o pai (esse já em estado bastante debilitado) em uma cidade isolada dos grandes centros, no interior do Brasil. A família vive uma vida simples onde a falta de dinheiro é algo frequente. Certo dia, uma mulher aparece com uma proposta inusitada, que consiste na família hospedar um misterioso visitante internacional chamado Miguel (César Bordón), em troca de uma boa quantia de dinheiro. Eles topam. Assim, se seguem dias de muitos conflitos, onde vamos entendendo melhor cada um desses personagens.

 

O Lobo atrás da Porta

Na trama, conhecemos Bernardo (Milhem Cortaz), um fiscal de uma empresa de ônibus, casado com Sylvia (Fabiula Nascimento) com quem tem uma filha. Quando a garota desaparece misteriosamente após ser pega por alguém na creche em que estava, Bernardo e Sylvia vão até a polícia onde um tenso interrogatório acontece. O delegado de plantão (Juliano Cazarré) começa a desconfiar de algumas versões da história e logo se descobre que Bernardo tem uma amante chamada Rosa (Leandra Leal) que também é convocada para prestar depoimento. O tempo passa e as verdades começam a aparecer.

 

As Boas Maneiras

Ana (Marjorie Estiano) e Clara (Isabel Zuaa), dois universos que se encontram. Ana, cheia de dívidas, devendo o condomínio, cartões de créditos sem limites, brigada com a família, vive uma gravidez solitária, com noites difíceis de dormir, adepta do sertanejo dance como forma de ginástica, encontra em Clara uma amiga, uma companheira, para ajudá-la na fase final de sua gestação. Clara é uma trabalhadora brasileira que consegue um emprego na casa de Ana e aos poucos acaba se envolvendo de maneira intensa com ela, principalmente após descobrir segredos ligados ao sonambulismo e as noites de lua cheia. O mundo praticamente se fecha para as duas, e uma vai precisar da outra para combater qualquer tipo de obstáculo.

 

O Silencio do Céu

Baseada no livro Era el Cielo, de Sergio Bizzio, que também assina o roteiro, O Silêncio do Céu acompanha a trajetória de Mario (Leonardo Sbaraglia), um escritor/roteirista que acaba de voltar para sua esposa após alguns meses de separação. Mario é um homem repleto de medos e sempre brincou sobre essa questão com sua mulher Diana (Carolina Dieckmann). Certo dia, quando Diana chegava em casa é abordada por dois homens que a violentam. A questão é que Mario também estava chegando em casa e acaba presenciando a cena e não faz nada. Consumido pela dor e pela fraqueza de não ter feito nada para ajudar sua mulher, quase que seguindo os pensamentos do filósofo e escritor inglês Francis Bacon, que dizia: ‘A vingança é uma espécie de justiça selvagem’, Mario parte em busca de respostas para suas lacunas impostas por pensamentos dolorosos e por umas pitadas generosas de culpa, e acaba encontrando pelo caminho a coragem de executar uma vingança desenfreada e completamente inconsequente.

 

Propriedade

Na trama, conhecemos Tereza, uma mulher de família rica (Malu Galli) que no passado fora vítima de um assalto que acabou na morte do assaltante, fato que a deixou traumatizada. O tempo passa e junto ao seu marido resolvem fazer uma viagem para a fazenda da família no interior. Só que chegando no lugar, os trabalhadores que prestam serviços lá, liderados por Dona Antônia (Zuleika Ferreira), se revoltam por uma série de situações e tomam o lugar. Tereza consegue se trancar no seu carro mas sem ter a chance de fugir. Assim, começa um jogo psicológico onde a não comunicação se torna um elemento importante para refletirmos sobre o que assistimos até o último segundo de projeção.

 

Uma Família Feliz

Na trama, conhecemos Eva (Grazi Massafera), uma artesã de bonecos de bebês à espera do terceiro filho, o primeiro menino, que vive seus dias felizes ao lado do marido, o advogado Vicente (Reynaldo Gianecchini), e das duas filhas gêmeas em um condomínio de alto padrão numa grande cidade brasileira. Certo dia, já após o nascimento do novo filho, e em meio a uma depressão pós-parto evidente, suas filhas aparecem machucadas e Eva acaba sendo acusada de ter cometido tal ato. Assim, sua vida muda completamente, desencadeando uma série de conflitos que rebatem em acontecimentos estranhos e duvidosos.

 

Prédio Vazio

Desde criança tendo lembranças vagas de um certo momento traumático que viveu com sua mãe, a jovem Luna (Lorena Corrêa) está em um relacionamento ainda de descobertas com o namorado (Caio Macedo). Quando ela percebe que a mãe (Rejane Arruda) possa estar em perigo durante os últimos dias de carnaval, viaja até Guarapari em sua busca, entrando num edifício arrepiante na orla capixaba. Nesse lugar, vai se deparar com um enorme pesadelo.

 

Clarisse ou alguma coisa sobre nós dois

Na trama, conhecemos Clarisse (Sabrina Greve) uma mulher casada que durante alguns dias resolve ir visitar o pai que está doente. Chegando lá percebe que o lugar, objetos e situações começam a envolvê-la. Vemos quase uma mulher em transe, hipnotizada por um lugar que traz lembranças, memórias e que se choca com tudo em que a mesma se transformou. A boa captação do áudio, um problema resolvido de anos passados do nosso cinema, é fundamental para o clima profundo que o inusitado da trama pede.

 

A Jaula

Na trama, conhecemos um jovem ladrão (Chay Suede) que vendo a oportunidade de roubar mais um carro, uma caminhonete de luxo parada em uma rua pacata de uma grande cidade, não pensa duas vezes e inicia a ação do roubo. O problema é que quando ele tenta sair do carro para fugir o carro simplesmente não abre e aos poucos ele começa a perceber que está preso de propósito pelo dono do carro, que entra em contato com ele pelo telefone do carro, um ginecologista renomado (Alexandre Nero) que já fora roubado outras vezes e dessa vez resolveu fazer justiça com as próprias mãos. Lutando para sobreviver sem comida, água e com o emocional completamente destruído inicia-se um jogo psicológico intenso onde a moral é colocada em xeque.

 

Terra Estrangeira

A vida do jovem Paco (Fernando Alves Pinto) entra em total amargura em um país tomado por instabilidade. Após o falecimento da mãe, Manuela (Laura Cardoso), ele acaba conhecendo Igor (Luís Melo), um criminoso que o envolve com contrabandistas. Com o sonho de conhecer a terra da família da mãe na Espanha, acaba sendo enviado para Portugal com o objetivo de entregar uma mercadoria. Chegando nessa terra nova aos seus olhos, seu destino se cruza com o da brasileira Alex (Fernanda Torres) com quem viverá dias intensos longe de casa.

 

 

Crítica | Game Of Thrones 07×05 e 06 – Eastwatch e Beyond The Wall

PIOR DO QUE A QUINTA TEMPORADA

 

Já comentei que uma das dificuldades de se resenhar uma série episódio por episódio é não ter noção do todo. Após a live do 5º episódio, decidi segurar a resenha dele para ver o que aconteceria no 6º episódio. Na ocasião, manifestei o meu prazer com a costura de trama feita e a felicidade pelo que parecia o acerto no andamento das tramas. Mas, não foi nem de longe um episódio perfeito, a começar pelo plano maluco do Jon Snow (Kit Harington) e pela relação dele com Daenerys (Emilai Clarke). Aí… vem o 6º e pior episódio da temporada. Segurar a resenha foi uma boa escolha.

É incrível pensar que esta 7º temporada tem o melhor e o pior de Game Of Thrones – GoT. O 4º episódio pode entrar num top 20 de melhores da série. Já Beyond The Wall é o meu pior – vale caixa alta – PIOR episódio de toda a série! Vi algumas pessoas reclamarem das falhas do 5º episódio, mas ele ainda tinha qualidades. Achar virtudes no 6º é uma missão mais suicida do que buscar zumbis na neve.

ACERTOS E ERROS

O 5º episódio nem de longe foi perfeito. A cinematografia, por exemplo, foi pouco inspirada, com apenas alguns momentos em que a mise-en-scène empolgava. Contudo, foi um episódio funcional, trabalhando com competência a relação entre os personagens. Eastwatch também manteve o ótimo nível dos diálogos da série.

Dentre os grandes momentos do episódio temos a sequência na qual Daerenys ordenou a morte de Randyll e Dickon Tarly (James Faulkner e Tom Hopper). Foi um momento no qual ficaram claras as ambiguidades de Dany. Estaria ela cedendo à loucura Targaryen, ou apenas se embriagando com o poder? Os diálogos de Tyrion (Peter Dinklage) e Jaime (Nikolaj Coster-Waldau), e de Jaime e Cersei (Lena Headey) foram outros diálogos de destaque. Outros pontos fortes foram a conversa entre Sam (John Bradley) e os Maesters e a dinâmica entre Sansa (Sophie Turner) e Arya (Maisie Williams), que então prometia ser dos pontos altos desta temporada.

Sua maior virtude foi indicar uma amarração entre a guerra pelo trone de ferro e a batalha contra os White Walkers. Parece que as duas linhas de eventos tendem a se fundir na próxima temporada. Assim torcemos!

Eastwatch também foi atingido pelo maior problema desta temporada: a organização temporal. Os eventos transcorreram de forma muito rápida. Em princípio, não haveria problema nenhum de um episódio ter vários eventos. A falha foi construir uma narrativa mais preocupada em fazer um checklist daquilo que ainda não tinham sido colocadas na tela, do que construir uma narrativa com andamento rápido, mas orgânico.

O 5º episódio ainda teve outra fraqueza: fan service mal colocado. Sim, estou falando da cena na qual Jon Snow toca em Drogon. A cena poderia existir em outro contexto. Foi uma cena incluída de qualquer jeito e que não gerou nenhuma repercussão, servindo apenas para aquecer os corações dos fãs.

Mesmo sendo dos mais fracos da temporada, Eastwatch teve virtudes, sendo a maior dar indicações de que o episódio seguinte seria desastroso!

O 6º episódio foi o pior desta temporada e, para mim, o pior de toda GoT. Se Eastwatch equilibrava vícios e virtudes, Beyond The Wall é um vale de defeito! Beirando o desastre, poucas coisas se salvam: alguns diálogos legais, uma fotografia bem feita e algumas composições de cena interessantes. Qualidades que não compensam a comédia de más escolhas que foi este episódio.

O plano já era estúpido, mas poderíamos aceitá-lo, se o desenvolvimento tivesse sido bom. Que nada! O problema central do episódio pode ser resumido em verossimilhança na questão temporal. Não foi propriamente um episódio com muitos eventos, como foi o 5º; foi um episódio que se concentrou em dois núcleos, mas os acontecimentos eram tão rápidos que não transmitiam uma clara noção de passagem do tempo.

Peguem o caso dos 7 tapados que foram para além da muralha prender zumbis: o começo não deixa claro se eles caminharam 1 ou vários dias. Quando cercados pelos White Walkers, a fotografia das cenas e a noção de que o frio no norte é rigoroso passam para o público a ideia de que eles ficaram lá por algumas horas. Isto é reforçado pela rapidez com que Gendry volta para pedir ajuda.

Essa linha temporal é esculhambada de vez com a rapidez com que Dany vai resgatá-los. R. R. Martin diz que se arrependeu de ter divulgado as distâncias oficiais Westeros; isto dificultaria o andamento da história. Desculpa, titio Martin, mas na série, as distâncias não são medidas em quilômetros, mas em episódios: o tempo que os eventos levavam para ocorrer na série (especialmente o deslocamento de personagens) era da ordem de 1 a 2 episódios. Muito comum que alguém de um núcleo viajasse num episódio, no seguinte o seu núcleo não aparecei e no terceiro, esse personagem chegava ao destino. Ou seja, a noção de espaço-tempo na série foi construída a partir da distribuição dos eventos ao longo dos episódios. A ideia de que Westeros é imenso é mais por causa disso do que por causa de uma ou outra menção de distância.

Isto foi totalmente esquecido neste 6º episódio, especialmente com a rapidez com que Daenerys levou para receber a notícia e resgatar os 7 patetas. A comparação com o 5º episódio deixa o problema mais evidente: como vários núcleos se intercalam, Eastwatch consegue mascarar a rapidez dos eventos; já Beyond The Wall tem apenas dois núcleos…

Muitos outros defeitos estão presentes nesse 6º episódio: além dos 7 personagens principais da expedição, há um bando de figurantes que serve apenas para morrer e confundir o público; a passividade dos White Walkers é pateticamente forçada, claramente um Deus ex machina para possibilitar a cena de resgate; a postura de Jon Snow também foi forçada, criando falso suspense, afinal, sabemos que Jon não irá morre antes do final da série. E nem vou falar da briga patética de Arya e Sansa – as personagens regrediram psicologicamente para nada.

Aliás, Beyond The Wall sacrificou o maior mérito da série: a morte de personagens importantes. Quando vimos vários personagens sendo salvos das situações mais absurdas, o roteiro dava o recado: alguns personagens são imunes! Em outros tempos, numa expedição como essa, de 3 a 4 iriam pro saco – Jorah (Iain Glen) incluído.

O QUE PODERIA TER SIDO? OU RELENDO A TEMPORADA

Como já falei antes: resenhar uma série episódio por episódio é difícil, pois não temos a visão do todo. Até o 5º episódio, esta temporada estava indo muito bem. Beyond The Wall puxou a temporada para baixo: os seus eventos teriam sido mais bem trabalhados se tivessem sido distribuídos por três episódios. Poderíamos ter visto a união do grupo e início das buscas em um episódio, o encontro com os White Walkers e busca da ajuda em outro, e o resgate no terceiro. Claro, muitas outras coisas teriam que ser diferentes, como o cerco ocorrer em uma caverna e não num lago congelado, por exemplo. Também aprimoraria o plano: prender um White Walker ou tramar o sacrifício de alguém. Mas, divago. Meu ponto é outro:

Quando eventos importantes ficam concentrados em um único episódio, notamos que os anteriores foram mal aproveitados. Jon Snow poderia ter saído de Pedra do Dragão antes. A inutilidade de sua presença lá ficou mais evidenciada depois deste 6º episódio. Nem a suposta química entre Jon e Dany justifica – preferia muito mais que ambos se cassassem por conveniência política do que por qualquer outra coisa, seria muito mais coerente com a natureza deles e da série.

Enfim, a sensação de que muita coisa foi subaproveitada nos episódios anteriores e de que tudo foi feito para criar um dragão zumbi depõem ainda mais contra Beyond The Wall, um episódio que sozinho foi pior do que a sonolenta 5º temporada.

E, aí, o que achou dos episódios? Ficou decepcionado com eles? Curtiu mais Eastwatch ou Beyond The Wall? Vamos, comente, compartilhe e curta nossas redes sociais:

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10 Filmes onde há DUELOS entre Amigos

A amizade é um dos elos mais profundos e bonitos que existe em nossa sociedade. Mas por alguma situação, pode-se chegar até uma ruptura nessa relação. Pensando nesse curioso recorte social, na linha de uma oposição conflituosa de ideias, segue abaixo uma lista com 10 filmes onde há duelos entre amigos:

 

Guerra é Guerra

Na trama, dois agentes da CIA (que adoram se meter em confusão) são parceiros inseparáveis e melhores amigos até que ficam interessados pela mesma mulher. Assim, começa um jogo de gato e rato para saber quem conquista o coração da atraente jovem, que acaba afetando a amizade entre eles.

 

Rivais

Na trama, conhecemos os inseparáveis amigos Patrick (Josh O’Connor) e Art (Mike Faist) que tem como elo uma paixão pelo esporte favorito, o tênis. Disputando alguns torneios ainda adolescentes, um dia conhecem pessoalmente Tashi (Zendaya), uma jovem promissora nesse esporte. Após algumas idas e vindas, um triângulo amoroso acaba sendo instaurado sem possibilidades de se prever o que aguardaria seus destinos.

 

Te Peguei!

O filme conta uma história para lá de inusitada de um grupo de amigos já na fase adulta de suas vidas que durante o mês de maio pregam inusitadas situações para brincar de ‘pega a pega’. Apenas um deles nunca perdeu nessa brincadeira (nunca conseguiu ser ‘pego’), Jerry (Jeremy Renner), que vai se casar exatamente no mês da brincadeira, o que faz com que seus amigos bolem diversos planos mirabolantes para tentar enfim pegar o melhor jogador do grupo de amigos.

 

A Cor do Dinheiro

Na trama, voltamos a encontrar o mestre da sinuca Eddie (Paul Newman) que agora está aposentado das mesas e possui um empreendimento, vivendo sua vida sem a adrenalina das apostas pelos Estados Unidos. Tudo muda quando ele conhece o abusado e metido Vincent (Tom Cruise), um tremendo jogador, ainda muito jovem, arrogante, que leva Eddie a imaginar novos rumos para seu pacato presente. Ao lado da namorada de Vincent, Carmen (Mary Elizabeth Mastrantonio), resolvem fazer uma road trip em busca de apostas em mesas de sinuca de diversas cidades onde um vai conhecendo melhor o outro e onde um ponto de ruptura chega quando as ambições saem do equilíbrio.

 

O Conde de Monte Cristo

Uma das ótimas adaptações literárias (baseado no livro homônimo de Alexandre Dumas) que o mundo do cinema nos brindou nos últimos anos, sem dúvidas, é O Conde de Monte Cristo. No filme conhecemos a saga de angústia e vingança de Edmond Dantès que é preso por um crime que não cometeu.

 

Ben-Hur

Lançado em janeiro de 1960 no Brasil, esse épico de três horas e meia se tornou um filme inesquecível no coração de muitos cinéfilos. Na trama, uma adaptação do romance Ben-Hur: A Tale of the Christ escrito por Lew Wallace, conhecemos Judah Ben-Hur um homem bondoso que após um desentendimento e uma situação é condenado pelo próprio amigo de infância Messala (comandante das legiões romanas) a uma pena perpétua vivendo como escravo. Só que Ben-Hur consegue sobreviver por anos e traça um retorno triunfante junto com sua sede de vingança.

 

A Subida

Na trama, conhecemos, ao longo do tempo, os amigos de infância Kyle (Kyle Marvin) e Mike (Michael Angelo Covino), dois homens que passaram por diversas fases em suas agitadas vidas. Na primeira, mais marcante, quando Kyle descobre que Mike transou com sua futura esposa e o tempo passa e Mike casa com ela. O abalo desse fato nos leva em uma jornada de tentativa de reconstrução dessa amizade abalada por egoísmo e más escolhas. Fazendo paralelos com o universo do ciclismo, entre subidas complicadas e descidas onde é só controlar a bicicleta sem muito esforço, a vida desses dois possui altos e baixos, além de trocas de quem está no alto e quem está por baixo.

 

Os Banshees de Inisherin

Solidão que não encontra a solitude. Escrito e dirigido pelo britânico Martin McDonagh, Os Banshees de Inisherin, indicado à 9 Oscars é um projeto repleto de reflexões. Uma busca pela fuga da mesmice desencadeia o rompimento de uma longa amizade o que acaba trazendo novos conflitos dentro de uma espécie de síntese da loucura, tudo isso em um curto período de tempo numa fictícia pequena comunidade na Irlanda, uma ilha no litoral, chamada inisherin.

 

A Rede Social

Dirigido pelo excelente David Fincher cerca de 13 anos atrás chegava aos cinemas A Rede Social, filme que conta a história da criação do Facebook por Mark Zuckerberg que logo se tornaria um dos mais jovens bilionários da história mudando para sempre o planeta e o universo da comunicação.

 

Instinto Materno

Na trama, ambientada na década de 60, conhecemos duas amigas, vizinhas, praticamente inseparáveis: Celine (Anne Hathaway) e Alice (Jessica Chastain). Quando uma tragédia acontece, essa relação entre as amigas é completamente abalada. Assim, ao longo dos dias, entre o luto e a culpa, no campo das suposições uma série de desconfianças encontra o caminho das personagens.

 

 

Crítica 3 | A Forma da Água – O amor entre os diferentes

Um romance que evoca A Bela e a Fera no contexto de filmes de ficção/terror/filme de monstro como “O Monstro do Lago Negro”. Ou, como definiu minha esposa, “um filme cuti-cuti”. Ou, mais um conto de fadas para adultos de Guilhermo Del Toro.

Del Toro é dono de uma estética de apelo popular, o que lhe permite manter sua integridade estética com filmes que alcançam o grande público. Mas, é quando ele decide contar suas fábulas que ele consegue demonstrar toda a sua grandeza. Em A Forma da Água (The Shape os Water), mesmo não sendo seu maior trabalho – a despeito das muitas indicações – Del Toro irá nos narrar mais um desses seus contos.

Desta vez, Del Toro utiliza seu estilo para nos contar uma história de amor entre dois excluídos, em meio o clima seiscentista da guerra fria. Elisa Esposito (Sally Hawkins) é uma faxineira de uma instalação militar que abriga um monstro marinho (Doug Jones) capturado nos rios da Amazônia. A composição da narração e com as cenas que abrem o filme já deixa claro que o monstro será o sádico Richard Strickland (Michael Shannon). Será ele o principal antagonista do envolvimento amoroso de Elisa e a criatura aquática.

Sim, já vimos esse filme antes. O monstro que no fundo tem bom coração só não é um clichê absoluto porque a ideia do monstro como vilão é um clichê maior. Del Toro repisa o dilema da Bela e a Fera, uni novamente realidade e fantasia e consegue entregar um filme agradável e envolvente. Aqui a mistura de fantasia e realidade é o espaço para Del Toro (também roteirista) expor temas como discriminação, violência, condição da mulher, política e, entre tantos outros, principalmente o amor.

O diretor não alcança aqui a mesma profundidade temática obtida no soberbo O Labirinto do Fauno. A Forma da Água, em sua trama central, chega a ser simplório, o que pode justificar para alguns a acusação de ser um filme bobo disfarçado com adereços exageradamente cults. Embora eu consiga compreender esta acusação, o prazer que a narrativa deu para este crítico foi tão grande que o máximo de depreciativo que posso falar sobre a trama central é que ela é realmente simples – o que não é ruim, afinal, a grande arte não vive só de grandes plots. E nada é mais saboroso do que uma clássica história de amor bem contada.

E é isso que Del Toro faz. Ele envolve uma história clássica com elementos audiovisuais dos mais sofisticados. Com isso, ele consegue dar ao público uma experiência diferença em torno de uma história que já conhecemos. A música de Alexandre Desplat consegue produzir estranheza ao mesmo tempo que envolve o público. A cenografia mais do que fiel ao período histórico é fiel com a imagem que o cinema criou sobre os laboratórios secretos.

A fotografia de Dan Laustsen é um ponto alto do filme: a luminosidade entre o verde e o azul passa uma faz com que a protagonista esteja constantemente envolvida por um certa umidade. Laustsen também certa quando, ao focar na família de Richard Strickland trocar a fotografia para corres mais secas, que remetem à areia de praia. Há um momento especialmente interessante, quando Strickland está em casa, sentado no sofá. Da cintura para baixo, a luz é esse “amarelo areia”; da cintura para cima, a sombra que o certa tem tons azulados, expondo que o personagem tem apenas o mostro marinho dominando seus pensamentos.

Mesmo que tecnicamente beire a perfeição (por isso forte candidato a levar muitos prêmios nesta noite), A forma da Água tem defeitos que realmente tirar sua força. Ao costurar vários temas, a narrativa acaba sendo superficial na abordagem de muitos deles. Tanto que seria mais correto eu falar que o filme toca ao invés de aborda certos temas. O melhor exemplo é os problemas envolvendo os desenhos de Giles (Richard Jenkins) – algo totalmente desarticulado com o resto da trama. E, por mais que Del Toro envolva seu trabalho com tais elementos diferentes, o andamento da história é bastante previsível – o público não se surpreende com o desenrolar dos fatos, nós sabemos exatamente o que esperar do filme.

A forma da Água é um filme envolvente com uma história de amor capaz de aquecer os corações. Tem um espero plástico impressionante e ótimas atuações, sendo a atuação de Sally Hawkins aquela que realmente irá marcar o público – ela matou a pau a missão de interpretar uma muda. Mesmo assim, o filme não é tão grandioso quanto os eu número de indicações ao Oscar pode dar a entender.

E aí, o que achou de A forma da Água? Também achou a atuação de Sally Hawkins excelente? Achou o filme parecido com Splash – Uma Sereia Em Minha Vida? Vamos, comente, compartilhe e não deixe de curtir nossas redes sociais:

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10 ÓTIMOS filmes de terror brasileiros!

Nosso cinema sempre esteve a todo vapor com produções interessantes lançadas ano após ano. O gênero terror também é acessado por aqui, com algumas obras que ficam nas memórias cinéfilas por toda uma vida. Abaixo, separamos alguns ótimos filmes brasileiros desse gênero que todos nós amamos:

 

Clarisse ou alguma coisa sobre nós dois

Clarisse (Sabrina Greve) é uma mulher casada que durante alguns dias resolve ir visitar o pai que está doente. Chegando lá percebe que o lugar, objetos e situações começam a envolvê-la. Vemos quase uma mulher em transe, hipnotizada por um lugar que traz lembranças, memórias e que se choca com tudo em que a mesma se transformou.

 

As Boas Maneiras

Ana (Marjorie Estiano) e Clara (Isabel Zuaa), dois universos que se encontram. Ana, cheia de dívidas, devendo o condomínio, cartões de créditos sem limites, brigada com a família, vive uma gravidez solitária, com noites difíceis de dormir, adepta do sertanejo dance como forma de ginástica, encontra em Clara uma amiga, uma companheira, para ajudá-la na fase final de sua gestação. Clara é uma trabalhadora brasileira que consegue um emprego na casa de Ana e aos poucos acaba se envolvendo de maneira intensa com ela, principalmente após descobrir segredos ligados ao sonambulismo e as noites de lua cheia. O mundo praticamente se fecha para as duas, e uma vai precisar da outra para combater qualquer tipo de obstáculo.

 

Animal Cordial

Inácio (Murilo Benício) é o dono de um restaurante que está prestes a encerrar mais um dia de trabalho ao lado de seus funcionários, principalmente o cozinheiro chefe Djair (Irandhir Santos) e a faz tudo Sara (Luciana Paes), além de um cliente jantando sozinho, o ex-policial Amadeu (Ernani Moraes) e em seguida chega o casal Veronica (Camila Morgado) e Bruno (Jiddu Pinheiro). Em certo momento da noite, uma dupla de assaltantes invade o local fazendo todos os personagens citados acima de refém. Só que a noite reserva muitas surpresas e somos testemunhas de algumas inversões sobre quem está realmente no comando das ações.

 

Quando eu era Vivo

José Matos Jr. (Marat Descartes) é um homem com olhar e atitudes recônditas que volta para casa depois de anos morando com sua ex-mulher. Recebido pelo pai (Antonio Fagundes), de maneira distante, aos poucos vamos descobrindo o passado dessa família que por anos esconderam segredos ligados ao ocultismo.

 

Propriedade

Tereza (Malu Galli) é uma mulher de família rica que no passado fora vítima de um assalto que acabou na morte do assaltante, fato que a deixou traumatizada. O tempo passa e junto ao seu marido resolvem fazer uma viagem para a fazenda da família no interior. Só que chegando no lugar, os trabalhadores que prestam serviços lá, liderados por Dona Antônia (Zuleika Ferreira), se revoltam por uma série de situações e tomam o lugar. Tereza consegue se trancar no seu carro mas sem ter a chance de fugir. Assim, começa um jogo psicológico onde a não comunicação se torna um elemento importante para refletirmos sobre o que assistimos até o último segundo de projeção.

 

Prédio Vazio

Desde criança tendo lembranças vagas de um certo momento traumático que viveu com sua mãe, a jovem Luna (Lorena Corrêa) está em um relacionamento ainda de descobertas com o namorado (Caio Macedo). Quando ela percebe que a mãe (Rejane Arruda) possa estar em perigo durante os últimos dias de carnaval, viaja até Guarapari em sua busca, entrando num edifício arrepiante na orla capixaba. Nesse lugar, vai se deparar com um enorme pesadelo.

 

O Clube dos Anjos

Na trama conhecemos um grupo de amigos, desde os tempos do colégio que por conta do gosto em comum pela comida, criaram um grupo onde se encontravam todo mês para se deliciarem com o melhor da culinária. Mas ao longo do tempo, e com o falecimento do chef que cozinhava para eles, o afastamento foi algo lógico. Só que um deles, Daniel (Otávio Müller), inusitadamente conhece um misterioso chef chamado Lucídio (Matheus Nachtergaele) e assim convida todos os integrantes do grupo para se reunirem mais uma vez. Após o encontro, e de toda comilança, um deles amanhece morto. Buscando entender o que houve, eles entram em grandes debates e nas dúvidas se devem se reunir novamente.

 

Morto Não Fala

Dirigido por Dennison Ramalho, o filme lançado em 2019 nos mostra a história de um funcionário de um necrotério que tem o dom de se comunicar com os mortos.

 

O Clube dos Canibais

Dirigido por Guto Parente, o longa-metragem O Clube dos Canibais conta a história de um casal com dinheiro e membros de um grupo canibal que acabam descobrindo um segredo de um integrante desse grupo.

 

À Meia-Noite Levarei Sua Alma

Dirigido e protagonizado pelo inesquecível José Mojica Marins, acompanhamos um coveiro de uma cidade do interior, Zé do Caixão (em sua primeira aparição nas telonas), que deseja ter um filho. Quando descobre que a esposa é infértil, ele violenta uma outra mulher, companheira do amigo. Com o trágico ocorrido, ela deseja se matar para voltar e levar a alma daquele que a violentou.

10 Mortes Marcantes em Game Of Thrones

Faltam poucos dias para que Game Of Thrones – GoT chegue ao fim. Finalmente vamos descobrir o que George R. R. Martin entende por final agridoce – certa vez, ele disse que a sua história teria esse gostinho. GoT termina como a maior série dos últimos anos e uma das mais importantes da história da televisão. Há uma infinidade de razões para esta série ter alcançado tanto êxito: a qualidade do elenco, produção impecável, personagens fortes, o momento de alta das narrativas de fantasia, um roteiro profundo e cheio de reviravoltas.

Claro que há muitos motivos para a narrativa da série ter conquistado o público. Certamente, um dos mais marcantes são as mortes. Uma verdadeira marca, a série usa a morte como elemento essencial para impulsionar a narrativa. Tanto que muitas das mortes desta lista foram determinantes para os eventos da série.

Outras narrativas tiveram a morte como elemento essencial. Atualmente, The Walking Dead tem nelas um ponto chave. Todavia, os roteiristas de GoT conseguiram dar um tratamento diferenciado para essa estratégia narrativa. Primeiro, porque as mortes têm peso, alterando a trama; não são mortes sem importância, que logo são esquecidas pelo roteiro. Os espectadores realmente sentem o impacto do evento. Há também o grafismo. São mortes em sua maioria elaboradas e com um apelo visual forte. Por fim, até a última temporada os roteiristas conseguem surpreender o público.

Nesta lista, reunimos mortes marcantes. Algumas entraram mais pelo impacto narrativo, outras pelo lado emotivo, e ainda há muitas que marcaram por serem surpreendentes. Vamos lá! A lista está em ordem cronológica.

 

Eddard ‘Ned’ Stark

1ª Temporada – Ep. Baelor

A primeira morte de impacto foi a de Eddard ‘Ned’ Stark (Sean Bean). A mãe de todas as mortes. Ned foi apresentado ao público como o protagonista de GoT – até o material publicitário da série brincava com essa expectativa. Afinal, o comum é que uma história se estruture em torno de personagens centrais.

GoT banca o Hitchcock em Psicose e brinca com nossas expectativas: Ned não é o protagonista da série, mas apenas da primeira temporada. A sua morte e seus “erros” políticos são a base da guerra pelo trono de ferro que alimenta muitos dos eventos da série. Ned sempre foi honrado e buscou sê-lo no jogo político de Westeros. Este seu “erro” selou sua morte, que estabeleceu o conflito entre Stark e Lannister.

Além de todo esse impacto, foi ela que ensinou ao público que ninguém estava a salvo em Westeros.

 

O Casamento Vermelho

3ª Temporada – Ep. The Rains Of Castamere

Ok, não é uma morte, mas um evento. E dos mais importantes. Em termos narrativos, este é, juntamente com a morte de Ned Stark, responsável por muito que aconteceu na série até temporadas recentes. O Casamento Vermelho também foi importante como um recado definitivo: se você ainda não entendeu que ninguém está a salvo, é bom se acostumar!

O evento tem muitas das características que a série deu às mortes: grafismo, dramaticidade e importância nos rumos da história. Até aquele ponto, Robb Stark (Richard Madden) e Catelyn Stark (Michelle Fairley) estavam liderando as batalhas em Westeros. Com o massacre do Casamento Vermelho todo o jogo foi reconfigurado, novas casas ganharam importância e os remanescentes da família Stark caíram no mundo. Foi neste momento que comecei a defender a ideia de que GoT era a narrativa sobre a queda e redenção da família Stark.

 

Joffrey Baratheon

4ª Temporada – Ep. The Lion and The Rose

Em geral, as mortes em GoT são sentidas pelo público. A de Joffrey Baratheon (Jack Gleeson) foi comemorada! Sádico e mimado, foi o personagem mais insuportável da série! Alguém, certa vez, o comparou àquele moleque mimado que assume a chefia da empresa. Os roteiristas, sabendo que iríamos nos regozijar, deu-lhe uma morte rápida e pouco trágica – se comparada com outras desta lista.

 

Oberyn Martell

4ª Temporada – Ep. The Mountain and the Viper

A construção desta morte demonstrou o domínio dos roteiristas sobre o elemento morte. Oberyn Martell (Pedro Pascal) apareceu e se foi na 4ª temporada, mas sua passagem foi marcante. Sua personalidade cativante e sua importância na temporada deu ao público a impressão de que ele seria determinante para toda a série. Mas, GoT não tem medo de desperdiçar um grande personagem.

 

Tywin Lannister

4ª Temporada – Ep. The Children

A morte de Tywin Lannister (Charles Dance) numa latrina foi humilhante para o histórico do personagem. Ele era uma das figuras mais altivas dos sete reinos. Ao matá-lo no banheiro, a série brinca com o contraste – algo recorrente na narrativa. Para a condução da história, a sua morte abriu espaço para Cersei se tornar, em definitivo, líder dos Lannnister e principal figura na guerra pelo trono.

 

Shireen Baratheon

5ª Temporada – Ep. The Dance of Dragons

Filha de Stannis Baratheon (Stephen Dillane), a pequena Shireen Baratheon (Kerry Ingram) cativou o público com sua fragilidade e doçura. Sua relação com Davos Seaworth foi dos raros momentos de pureza em Westeros. Sua morte foi totalmente inesperada e das mais cruéis, especialmente porque seus pais tiveram culpa. Foi uma das mortes mais sentidas e inesperadas da série.

 

Stannis Baratheon

5ª Temporada – Ep. Mother’s Mercy

Muitos não vão concordar. Mas, quem acompanhou nossas resenhas ao longo das temporadas de GoT sabe que Stannis está entre os meus personagens favoritos. Figura trágica, sua morte não foi gloriosa, nem esteticamente impactante, sequer foi determinante para o andamento da série. Sua morte ganha destaque pela trajetória do personagem. Um sujeito dividido entre a ambição e a honra, entre a razão e o fanatismo, ele encarava sua vida como uma sina. Sua trajetória de herói trágico grego foi confrontada com uma morte sem glórias, coroando esta figura singular de Westeros.

 

Jon Snow

5ª Temporada – Ep. Mother’s Mercy

De longe a morte de Jon Snow (Kit Harington) foi a que mais comoveu e surpreendeu o público. O último episódio terminou com seu corpo estendido na neve. Muito se especulou sobre a sua morte e, principalmente, sobre o seu retorno na temporada seguinte. O fato é que poucos personagens na série venceram a morte. No caso, mais do que a morte, foi a ressurreição que marcou. Jon Snow, que já vinha ganhado protagonismo, tornou-se mítico. Agora, é aguardar a temporada final para saber se ele será o Azor Ahai, como se comenta nos corredores da internet.

 

Hodor

6ª Temporada – Ep. The Door

Aí, você chega à sexta temporada de GoT e acha que nada mais pode te abalar. Nada mais pode ser mais impactante e emotivo. É quando os roteiristas decidem explicar o nome de Hodor (Kristian Nairn) e nos fazem chorar… Foi a morte mais triste de todas. Hodor era uma das figuras mais doces da série e sua morte revelou toda a dor e trauma que ele carregava. Seu heroísmo coroou um dos sujeitos mais boa praça de Westeros.

 

Tommen Baratheon

6ª Temporada – Ep. The Winds of Winter

O último nome da nossa lista entra muito pelo contexto. O personagem Tommen Baratheon (Dean-Charles Chapman) só ganhou destaque depois da morte do irmão. Figura de rara inocência no universo da série, Tommen foi um joguete nas mãos da mãe. Encerrando uma das sequências mais impressionantes da série, Tommen se atirou da janela – em uma cena extremamente seca e sem firulas – desolado pela perda da sua amada – tudo bem que Margaery Tyrell não era digna do rapaz, mas ele sabia menos do que Jon Snow -, sua morte resultou na usurpação do trono por Cersei, resultando na cena de coroação mais sombria da série.

E aí, quem vocês acham que faltou nesta lista? Game retorna neste domingo para a HBO em sua temporada final. Iremos fazer a nossa tradicional live comentando cada episódio assim que ele acabar. Fiquem de olho nas nossas redes sociais:

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Crítica | ‘É Tempo de Amar’ – Filme francês exibido no Festival de Cannes coloca os holofotes sobre as segundas chances

As sequelas do pós-guerra não é um assunto novo e já foram epicentros de produções audiovisuais ao longo dos anos. Mas como cada história traz um componente contado de sua forma, é sempre uma jornada interessante entender mais sobre esse período marcante da humanidade, principalmente quando o discurso apresenta segundas chances que batem de frente com traumas e nas relações sociais.

Em É Tempo de Amar, filme francês que entrou em circuito nos cinemas brasileiros nesse início de 2025, nos deparamos com um retrato baseado em uma história que ocorreu na família da diretora Katell Quillévéré. Envolvendo o público com as euforias de uma oportunidade no amor, misturando-se com segredos e fantasmas do passado, chegamos em dilemas e sacrifícios de duas almas destinadas a viver uma conflituosa relação.

A garçonete Madelaine (Anaïs Demoustier) vive seus dias de luta e tristeza em uma França em meados da década de 1950. Mãe solteira de um menino, fruto de um relacionamento com um soldado alemão durante a guerra, um dia conhece François (Vincent Lacoste) um estudante rico por quem logo se apaixona. Mas ao longo do tempo começa a perceber que ele também esconde alguns segredos.

Exibido no Festival de Cannes em 2023, esse longa-metragem costura sua narrativa numa linha que busca a tensão, percorrendo a amargura, onde personagens em contrapontos buscam sua identidade em meio a um ninho conturbado de variáveis que afetam a todos ao redor. A relação entre mãe e filho e as dificuldades do entendimento de culpa, o casal que descobre novas esferas para declarar seu amor, o julgamento social, são elementos que se tornam a base de um roteiro que coloca nos holofotes as segundas chances.

Podemos definir esse projeto como duas partes que buscam serem complementares, sendo que na primeira, com a ajuda de uma objetiva contextualização, uma narrativa sólida busca o antes para explicar o depois. No segundo momento, com a adição de um triângulo amoroso que abre as cortinas de segredos, o projeto ganha tons novelescos se concentrando de forma redundante nos poucos personagens e caindo nas armadilhas do melodrama.

Longe de ser empolgante, também foge do rótulo de descartável, apresentando com consistência a aceitação, o preconceito e as diferentes formas de amar em uma França movida por intensas emoções logo após um período de caos.

5 Coisas que ODIAMOS nos Trailers

Ninguém nega que o cinema seja uma indústria. Mesmo o chamado circuito alternativo, com seus filmes iranianos, franceses e da A24, possui um esquema comercial. Mas isto fica para outro texto. Aponto o lado comercial do cinema para situar a lógica dos trailers.

Eles surgiram praticamente junto como cinematógrafo. Já em meados da década de 1910, trechos dos filmes eram exibidos ao final das sessões como forma de fazer o público voltar ao cinema. Em pouco tempo, essas exibições passaram para o começo da sessão. Desde então, buscava-se destacar aquilo que o filme tivesse de singular!

Observar a história dos trailers ajuda a entender o que era atraente em cada época. Entre as décadas de 1920 e 1940, quando as estrelas hollywoodianas eram o principal chamariz das telas, os trailers lhes davam destaque. Da narração aos letreiros, tudo destacava os atores.

Na época da Nova Hollywood, os trailers ganharam sofisticação, mas ainda se prendiam a convenções hoje arcaicas, como o uso de narrador. Como os diretores passaram a ser um chamariz, seus nomes também ganharam destaque. Ainda eram comuns frases convocando o público ao cinema. Até 1960, a produção de trailers nos EUA era monopólio da National Screeen Service.

Os trailers dos anos 1980 e 1990 destacavam o espetáculo que era assistir a um filme. Era o começo da era dos blockbusters e das superproduções. Ao evidenciar a escala épica e os efeitos especiais, os trailers lembravam que a experiência completa somente se alcançaria na tela grande, reflexo da concorrência das vídeo locadoras. No fim dos anos 1990 e começo dos anos 2000, a figura do narrador sumiu dos trailers.

Com a internet, assistir trailers virou atividade ainda mais popular. O jornal Los Angeles Times apurou que em 2015 foram visualizadas 35 milhões de horas em trailers cinematográficos. Para Hollywood, atualmente, mais do que divulgar o filme, o trailer pauta o debate entre os fãs, atiçando o fandom.

Trailer sem imagens do filme (“Cidadão Kane”, de Orson Welles), trailer de musical sem música (“Uma Mulher é Uma Mulher” de Jean-Luc Godard) ou trailer que buscam incomodar (“O Exorcista”, de William Friedkin) são algumas curiosidades que enchem a história do cinema. Mesmo os mais vanguardistas, o trailer não perdeu sua natureza de peça de propaganda, o que explica certas modas em cada época. Abaixo, quatro modas que viraram vícios dos trailers atuais:

  1. Trailer que conta a história toda

Trailer é a arte de revelar até o ponto que atice o público, sem estragar o prazer da descoberta. Tirando aquela parte do público que fica revoltada com qualquer detalhe da história (para ela, sugiro, não veja o trailer) e aquela que gosta de saber o final para decidir se assiste ou não ao filme (tem mais gente assim do que vocês possam imaginar, vão por mim), a maioria das pessoas não quer ver todo o enredo no trailer. Ele deve passar a sensação geral da obra e as informações básicas do enredo, permitindo que o público saiba o que irá ver.

Claro, antes de ver ao filme, não se tem certeza se toda a história está resumida ali. Mas, quando se sai da sala de sessão percebendo que recebeu um spoiler no trailer, vem a raiva! Mas, como se diz, já pagamos pelo ingresso. O trailer cumpriu sua função.

Alexander Davis, estudioso do cinema, explica que, segundo uma teoria psicológica, o público tende a gostar mais quando sabe o que irá acontecer. Isto explica por que muitos trailers têm entregado informações importantes. Especialmente nos blockbusters, entregar a narrativa no trailer só dá segurança do que ele encontrará o que deseja. No caso de um filme menos conhecido, é a forma de não desagradar o público, garantindo que ele não terá surpresas – enfim, a antítese do que um bom filme deve causar.

Em um trailer que deseje dar spoiler, o importante é conseguir contar o máximo de coisas sem deixar no público a sensação de que já saber toda a narrativa.

  1. Entregar as principais e melhores cenas

Parecido com a anterior, mas pode ocorrer mesmo sem explicar muito do andamento da narrativa, como trailers de comédia que não contam o desenrolar da trama, mas antecipam as melhores piadas. Ou do filme de terror que antecipa os maiores sustos. Ou nos filmes de ação que lançam mão das cenas mais espetaculares.

A intenção também é garantir ao consumidor (sim, nessas horas, o público deixa de ser espectador e passa a ser simples consumidor, que não pode comprar algo errado) que ele está irá receber um produtor de qualidade. A droga é que isso prejudica a experiência quando não arruína por completo!

​Um exemplo é o ótimo ‘O Impossível‘, que apesar de ser um drama espetacular, traz as cenas do tsunami inteiras em seu trailer para vender a produção como uma “ação”.

  1. Melhores momentos do trailer antes do trailer

Para vencer a rapidez do YouTube ou e do feed do Instagram e do Facebook, começaram a ser incluídos antes do início do trailer uma espécie de prévia do que será visto no trailer.

Muito comum em filmes de ação, aventura e terror, logo no começo do vídeo, assistimos a alguns segundos com as imagens mais impactantes que veremos no trailer. Ainda colocam algo como “a seguir, trailer do filme…”

Isto é especialmente comum quando o trailer é inserido como propaganda nos vídeos do YouTube. Ele não estraga experiência do trailer em si, só é algo profundamente irritante e sintomático do nosso tempo.

  1. Cenas Alteradas ou Falsas

Não falo de filmes que, na pós-produção, excluíram cenas que estavam no trailer. Falo de incluir, intencionalmente, uma cena falsa ou alterar uma cena, como no caso dos últimos filmes dos Vingadores.

Os estúdios falam que estão preservando a experiência do público. Bom, isso beira a propaganda enganosa. Ora, se não desejam revelar algo, não coloque no trailer.

Confesso que não sei o que é pior, colocar uma cena falsa ou alterar uma que veremos no filme. Isto também é reflexo do excesso de trailers de um mesmo filme.

‘Pânico 4‘ ganhou um trailer espetacular, mas várias cenas vistas foram cortadas ou alteradas no filme, como os jovens conversando sobre o destino de Sidney Prescott e a sequência de morte de abertura, que foi alterada.

  1. Mudar o tom dos trailers quando o público não está gostando, Ou promete algo e o filme não entrega

Sabe quando lançam um trailer, o público não se empolga e fazem uma nova versão repaginada? Olha, nem acho isto um pecado quando as duas versões do trailer, ainda que antagônicas, são fiéis ao filme. Acontece que isso é raro quando temos essas mudanças. Em geral, um dos trailers está enganando. Tipo ‘Homem de Ferro 3‘.

Essa situação acaba sendo próxima de outra realmente detestável: o trailer que vende algo que não tem absolutamente nada a ver com o filme. O mais triste é quando bons filmes são comprometidos por uma divulgação errada. Isto acontece muito quando os produtores direcionam o filme para um público que não irá apreciá-lo. É para mim a situação mais triste, porque o público perde duplamente: aqueles que foram ver o filme, saem decepcionados, enquanto o real público do filme nem sabe que ele existe!

https://www.youtube.com/watch?v=RS95bLuEl9I

10 Grandes Filmes de Diretoras Aclamadas

A cada ano que passa mais cineastas mulheres estão conseguindo projeção dentro do complexo e ainda machista universo audiovisual. Com os avanços nas reflexões de pautas importantes de nossa sociedade, em vários cantos do mundo surgem cada vez mais novas profissionais em todas as áreas da indústria cinematográfica. Pensando sobre isso, resolvemos criar uma poderosa lista com 10 filmaços de diretoras aclamadas:

 

Caçadores de Emoções

Um dos grandes filmes de ação dos anos 90 (e podemos dizer também da história do cinema norte-americano), Caçadores de Emoção – dirigido pela vencedora do Oscar Kathryn Bigelow  – reúne uma forte história, personagens carismáticos, ação, aventura, nos mostra os limites da amizade, os limites da lei, vários pontos reflexivos reunidos em um filme pulsante protagonizado por Patrick Swayze e Keanu Reeves.

 

Ataque dos Cães

Depois de um intervalo de 12 anos longe dos cinemas, a cineasta neo zelandesa Jane Campion voltou aos longas-metragens, dessa vez em uma produção para a Netflix. Ataque dos Cães não é um filme fácil. Rico em detalhes, com excelentes interpretações, caminhamos até o ano de 1925, no velho oeste americano, onde conhecemos a história de dois ricos irmãos fazendeiros e as surpresas que acontecem quando outras pessoas passam a frequentar suas vidas mais de perto.

 

Nomadland

O que é lembrado, vive. Baseado no livro homônimo de Jessica Bruder, dirigido pela cineasta chinesa Chloé Zhao, Nomadland é um road movie cíclico sobre a solidão e os desencontros em relação ao lugar no mundo de uma forte e solitária protagonista (interpretada pela ótima Frances McDormand). Nos faz refletir bastante sobre nossa existência e também sobre as estradas da vida que todos enfrentamos, cada qual a sua forma. Assuntos atuais como a crise econômica e as gangorras de um capitalismo que leva a maioria dos trabalhadores a serem um mero número sem piedade quando as dificuldades ou rendimentos abaixo do esperado chegam também estão presentes nesse belo trabalho.

 

Encontros e Desencontros

Já um clássico da ótima filmografia da cineasta Sofia Coppola, Encontros e Desencontros nos mostra um ator norte-americano que está no outro lado do mundo, no Japão, para participar de um comercial. No mesmo hotel que ele, está uma jovem que está em viagem com o marido que a deixa sozinha quase sempre. Essas duas almas se encontram certa vez e seus destinos acabam interligados a partir desse momento.

 

Lady Bird

Escrito e dirigido pela atriz, roteirista e cineasta adorada pelos cinéfilos de todo o planeta, Greta Gerwig, Lady Bird mostra os caminhos percorridos por uma jovem perto dos 18 anos que equilibra sua vida na linha tênue entre rebeldia e personalidade forte.

 

Que Horas ela Volta?

Transformando uma história simples em um fabuloso roteiro, Que Horas ela Volta?, longa-metragem de 112 minutos, dirigido por Anna Muylaert é cativante do início ao fim. Na trama, acompanhamos a carismática empregada Val (Regina Casé), uma mulher que vive com uma família de classe alta em São Paulo e possui um conflito mal resolvido em seu passado, com sua única filha, que precisou abandonar há mais de 10 anos. Toda essa junção de emoções chega como uma erupção sentimental quando a antes jovem, agora vestibulanda Jéssica (interpretada pela excelente Camila Márdila), bate em sua porta.

 

Como nossos Pais

Minha dor é perceber que apesar de termos feito tudo o que fizemos ainda somos os mesmos. Falando sobre a dura rotina impossibilitada do sonhar de uma mulher perto dos quarenta anos que descobre segredos de família e precisa lidar com um casamento em declínio, Como Nossos Pais, trabalho da excelente cineasta Laís Bodanzky, é um filme que emociona e gera reflexões, aliada a uma impactante atuação da atriz Maria Ribeiro que consegue prender a atenção do público do início ao fim.

 

Selma: Uma Luta Pela Igualdade

Ser profundamente amado por alguém nos dá força, amar alguém profundamente nos dá coragem. Dirigido pela cineasta norte-americana Ava DuVernay, Selma: Uma Luta Pela Igualdade, tem como principal tema central em seu roteiro a luta pelo direito a votação dos negros nas eleições norte-americanas, o filme de 128 minutos possui uma excelente direção, além de discursos empolgantes e uma atuação brilhante e inspirada do ator David Oyelowo que interpreta o protagonista Martin Luther King Jr.

 

Corações Livres

No ano de 2002, a brilhante cineasta dinamarquesa Susanne Bier, brindou os cinéfilos com mais um filme maravilhoso. Na trama, conhecemos um casal de namorados apaixonados, Cæcilie e Joachim, que vivem tranquilamente em uma grande cidade na Dinamarca. Certo dia, após um grave acidente, Joachim perde os movimentos da cintura para baixo e isso causa uma série de transtornos para Cæcilie que não consegue se adaptar a essa nova situação. Joachim, fora atropelado por Marie (Paprika Steen) que é casada com o médico Niels (Mads Mikkelsen) e trabalha no mesmo hospital onde Joachim é internado. O que acontece? Cæcilie começa a se aproximar de Niels e um intenso relacionamento amoroso acontece, deixando o destino de cada personagem incerto.

 

Anatomia de uma Queda

As hipóteses de uma tragédia. Vencedor de muitos prêmios, inclusive a Palma de Ouro em Cannes o longa-metragem Anatomia de uma Queda nos leva para o campo das suposições, dos dilemas, na vida de uma família que desmorona por completo após uma fato impactante. Escrito e dirigido pela cineasta francesa Justine Triet, o projeto caminha de forma minuciosa pela exclusão da determinação, jogando todos seus holofotes para os fatos, conclusões e achismos que envolvem um casamento em crise que se afunda em frustrações, com a presença de um fardo emocional marcante, após uma outra tragédia no passado.

‘Nocaute’: Entrevista EXCLUSIVA com Jake Gyllenhaal

Nosso correspondente Jânio Nazareth participou do tapete vermelho de ‘Nocaute‘ (Southpaw, EUA, 2015) em Los Angeles e entrevistou os astros Jake Gyllenhaal e Rachel McAdams.

O diretor Antoine Fuqua (‘Invasão à Casa Branca’, ‘Dia de Treinamento’) desafiou Gyllenhaal a se tornar um autêntico lutador de boxe, para que as filmagens fossem o mais realistas possível. Ele treinou 5 meses para entrar em forma e interpretar o lutador de boxe do filme.

Assista nossa entrevista EXCLUSIVA:

Crítica | Nocaute 

No auge da carreira e da vida pessoal, o boxeador Billy “The Great” Hope (Jake Gyllenhaal) tem basicamente tudo o que sempre sonhou para sua vida. Até que num terrível golpe do destino ele perde a esposa (Rachel McAdams), sua filha é levada pelo Serviço Social, sua casa e seus bens são tomados pelo banco. Billy fica apenas com a bebida e as drogas. Sem amigos e recursos, ele procura a ajuda do ex-lutador de boxe Tick (Forest Whitaker) para voltar ao ringue, recuperar a guarda da filha, o título mundial e também a sua própria vida.

A estreia de ‘Nocaute‘ nos cinemas acontece amanhã, dia 10 de setembro.

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10 filmes que mostram que quando a esmola é demais até o santo desconfia

O mundo dos trambiqueiros já ganhou muitas histórias através de filmes. Geralmente em tramas puxadas para a comédia, já vimos as mais loucas trajetórias de personagens que se metem em inúmeras confusões. Para lembrar algumas dessas obras, segue abaixo uma ótima lista:

 

Fé demais não cheira bem

Lançado no ano de 1992 nos cinemas, essa comédia estrelada por Steve Martin nos conta a história de um trapaceiro que explora os caminhos da fé e dos milagres para benefício próprio viajando pelos Estados Unidos. Dirigido por Richard Pearce.

 

Nas Ondas da Fé

Na trama, conhecemos o esforçado Hickson (Marcelo Adnet), um técnico de informática que faz bicos com um carro de som que leva mensagens carinhosas. Ele mora com a esposa Jéssika (Letícia Lima) em uma casa no subúrbio carioca. Certo dia, após ir até um culto, consegue uma oportunidade de emprego em uma rádio gospel e após uma brincadeira pensando que estava fora do ar, alcança um enorme sucesso com um programa onde assume o papel de um pastor falando para um enorme público.

 

Os Olhos de Tammy Faye

Na trama, conhecemos algumas fases da vida de Tammy Faye (Jessica Chastain), primeiro uma criança criada com a religião muito próxima de sua família, depois sua chegada na faculdade de estudos bíblicos, onde conhece o futuro marido Jim Bakker (Andrew Garfield). A partir do momento que se casa, resolve com o marido jogarem as mensagens de fé e esperança pelos Estados Unidos até que começam a perceber uma oportunidade de alcançar cada vez mais pessoas indo para a televisão e criando um show cristão. Só que o tempo passa, o sucesso chega, mas os pecados cometidos nesses tempos de ganância e ego inflado batem à porta deixando poucas escolhas aos envolvidos.

 

Os Salafrários

Na trama, conhecemos Clóvis (Marcus Majella) um homem que teve uma infância difícil passando por vários lares que já adulto resolveu viver de malandragem, mais precisamente um falsificador de obras de arte. Quando um de seus projetos criminosos dá errado, ele acaba encontrando com Lohane (Samantha Schmütz), sua meia irmã que levava uma vida honesta com seu trailer fazendo hambúrgueres em Magé até ser passada pra trás por trambiqueiros. Agora, partindo rumo à região dos lagos no Rio de Janeiro os irmãos precisam se unir para buscar novos objetivos.

 

Mixed by Erry

Na trama, conhecemos Enrico ‘Erry’ Frattasio (Luigi D’Oriano), um jovem tímido morador da região de Forcella, parte da grande Nápoles, que passou a infância tendo como referência o pai trambiqueiro, um falsificador de famosas bebidas destiladas. Erry sempre amou o universo musical, e tornando um grande conhecedor das novidades pela planeta e quando chega próximo da maioridade tem o sonho de ser DJ. Como todas suas tentativas não dão muito certo, ao lado de um dos irmãos Peppe (Giuseppe Arena) resolvem criar um negócio onde playlists de músicas nacionais e internacionais eram colocadas em uma fita k7 e vendidas por toda a região onde moravam. O negócio acaba sendo uma avalanche de sucesso, e com a chegada do irmão caçula ao negócio, Angelo (Emanuele Palumbo), o trio monta um verdadeiro império da pirataria se tornando um enorme alvo para as ações da polícia federal italiana.

 

Sharper – Uma Vida de Trapaças

Na trama, conhecemos o jovem Tom (Justice Smith), um amante de livros, que possui uma simpática livraria no centro de uma grande cidade norte-americana. Certo dia, entra pela porta do local uma jovem doutoranda chamada Sandra (Briana Middleton) e logo os dois se apaixonam perdidamente. Certo dia, Sandra, desesperada, avisa Tom que precisa de 350 mil dólares e ele, um herdeiro do milionário Richard (John Lithgow), logo consegue a quantia. Só que Sandra some, e Tom percebe que caiu em um golpe. Paralelo a isso, vamos conhecendo Max (Sebastian Stan) e Madeline (Julianne Moore), um dupla de trambiqueiros que vão nos mostrar os lados desse golpe aplicado por Sandra.

 

Golpe Duplo

Na trama, conhecemos Nicky (Will Smith) um empreendedor do ramo da malandragem que durante certos períodos do ano, reúne uma equipe de trambiqueiros em algum lugar dos Estados Unidos e juntos aplicam golpes de médio porte. Para se juntar a sua equipe e um novo trabalho, Nicky vai atrás de Jess (Margot Robbie) e a seleciona para o novo golpe. Quando acaba o trabalho, Nicky e Jess estão envolvidos (sentimentalmente falando) e o primeiro resolve ir embora e não viver esse amor. Passam-se três anos e o destino coloca novamente os dois apaixonados frente a frente em um novo trabalho.

 

Eu me Importo

Na trama, conhecemos Marla Grayson (Rosamund Pike), uma mulher de forte personalidade que achou uma mina de ouro em um negócio (nada ético) bastante rentável de guardiã de legal de pessoas idosas que não conseguem mais tomar atitudes. Com esquemas com uma médica, casas de saúde para idosos e enrolando juízes, ao lado de sua parceira de vida e sócia Fran (Eiza González) estão sempre planejando o próximo golpe. Um dia aparece a ficha de Jennifer Peterson (Dianne Wiest) e assim Marla rapidamente vira sua guardiã legal. Só que dessa vez, o alvo tem muito mais segredos do que aparenta e trará graves problemas para Marla e seus integrantes do esquema.

 

As Trambiqueiras

Na trama, conhecemos a ex-atleta olímpica da marcha atlética Connie (Kristen Bell), uma mulher perto dos 40 anos, que após anos se dedicando a um esporte que poucos ligam, virou uma dona de casa. Ela é muito infeliz no casamento com o marido Rick (Joel McHale), um homem grosseiro que viaja pelos Estados Unidos pelo seu trabalho na receita federal. Connie só tem uma grande amiga, Jojo (Kirby Howell-Baptiste). Ambas são viciadas em conseguir cupons de desconto e essa satisfação que sentem acaba virando uma ideia de empresa quando elas descobrem brechas em vendas desses cupons de forma online, porém totalmente ilegal. Ganhando milhões, elas começam a criar suspeitas no analista de cupons Ken (Paul Walter Hauser) que se junta ao agente federal dos correios Simon (Vince Vaughn) para tentar parar a dupla de amigas.

 

Trapaça

Na trama, acompanhamos a trajetória de Irving Rosenfeld (Christian Bale), um especialista na arte das malandragens e transações duvidosas. Amante de Jazz, com seu chamativo barrigão e adepto da peruca contra a calvice precoce, vive empreendendo criminosamente pelas ruas de sua cidade. Certo dia, durante uma festa, conhece o amor de sua vida, a bela ruiva Sydney Prosser (Amy Adams) e juntos são procurados pelo FBI para ajudar na prisão de diversos políticos e figuras importantes da alta sociedade norte-americana. O plano, que é o passaporte de fuga da prisão para eles, corria perfeitamente bem até a chegada da mulher de Irving, Rosalyn Rosenfeld (Jennifer Lawrence) que arruma uma confusão após outra.

Entrevistamos Mark Wahlberg, que fala sobre a tragédia que inspirou ‘Horizonte Profundo’

O CinePOP entrevistou o astro Mark Wahlberg, que falou sobre a tragédia que inspirou o drama ‘Horizonte Profundo – Desastre no Golfo’ (Deepwater Horizon).

O filme estreia no Brasil dia 10 de Novembro.

Assista, com o trailer:

A trama tem como base o artigo do New York Times “Deepwater Horizon’s Final Hour”, publicado em dezembro de 2010 por David Barstow, David Rohde e Stephanie Saul, sobre a explosão da plataforma de petróleo Deepwater Horizon, no Golfo do México. Um dos maiores derramamentos de óleo da história, o incidente deixou 11 mortos e 16 trabalhadores feridos.

Wahlberg interpreta o herói da vida real Mike Williams, um dos gerentes da plataforma. A adaptação mostrará os eventos que levaram ao desastre, além dos atos de heroísmo por parte daqueles que tentaram resgatar os membros da tripulação na água.

Kurt Russell, John Malkovich, Dylan O’Brien, Gina Rodriguez e Kate Hudson completam o elenco.

O roteiro foi escrito por Matthew Sand (Ninja Assassino) e Matthew Michael Carnahan (Guerra Mundial Z). A direção está a cargo de Peter Berg, de ‘Battleship’ e que trabalhou com Wahlberg em ‘O Grande Herói’.

Lorenzo di Bonaventura e Mark Vahradian, produtores da franquia ‘Transformers’, cuidam do projeto.

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10 filmes sobre lugares ASSOMBRADOS

Pra quem curte filmes de terror e suspense, qualquer cenário pode ser uma bomba de tensão. Contornando mistérios e com algumas reviravoltas, muitas produções prendem nossa atenção do primeiro ao último minuto. Pensando em filmes surpreendentes com lugares assombrados como um elemento importante, fizemos abaixo uma lista bombástica para você conferir:

 

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Lançado em 2007, esse suspense nos leva até a história de um escritor especializado em casos sobrenaturais que resolve investigar um quarto num hotel em Nova Iorque.

 

Os Outros

Na trama, conhecemos Grace (Nicole Kidman), uma mulher que mora com os dois filhos pequenos em uma enorme casa numa região isolada da ilha britânica de Jersey. Apreciadora do silêncio, numa casa sem eletricidade, essa católica fervorosa, cheia de regras muito por conta dos filhos que tem a rara doença da fotosensibilidade, assim, por exemplo, todas as cortinas da casa devem ser fechadas quando eles passam. Seu marido foi para a guerra e nunca mais voltou, ficando ela e as crianças sozinhas. Certo dia, três pessoas batem em sua porta e logo conseguem empregos para ajudá-la na casa. Ao mesmo tempo, mãe e filhos começam a ouvir vozes em aleatórias horas do dia. Será que eles não estão sozinhos? Se sim, quem são os outros?

 

O Orfanato

Escrito e dirigido pelo cineasta espanhol J. A. Bayona, acompanhamos a história de Laura, uma mulher que cresceu num orfanato e quando cresce resolve comprar o lugar. Quando seu filho adotado some, ela começa a escutar algumas vozes pelo lugar.

 

Poltergeist – O Fenômeno

Um dos grandes clássicos do terror, Poltergeist, indicado para três categorias no Oscar de 1983, lançado no início da década de 80 e com roteiro escrito pelo grande Steven Spielberg, nos mostra a saga de uma família que mora na Califórnia e precisa enfrentar situações aterrorizantes.

 

A Casa da Colina

Lançado em 1999, esse longa-metragem nos mostra um homem que oferece uma quantia em dinheiro para que algumas pessoas que conseguirem passar a noite inteira dentro de um hospício abandonado onde ocorreu uma tragédia.

 

A Entidade

Na trama, acompanhamos um escritor que se vê em enorme enrascada, junto de sua família, após encontrar uma caixa com filmagens antigas de alguns crimes.

 

Atividade Paranormal

Em 2007, um longa-metragem com baixo orçamento se tornaria um dos filmes mais rentáveis da história. Escrito e dirigido por Oren Peli, Atividade Paranormal nos mostra um casal que se muda para uma nova casa e percebem que coisas estranhas começam a acontecer.

 

Ilusões Perigosas

Lançado em meados da década de 1990, o suspense Ilusões Perigosas nos leva até a história de David, um professor de parapsicologia (fenômenos não explicados pela ciência) que é chamado para investigar algumas situações que acontecem em uma mansão.

 

O Despertar

Na história, muito bem dirigida pelo estreante em longa-metragem Nick Murphy, uma investigadora de assuntos paranormais e escritora de livros sobre o assunto, é envolvida em um caso misterioso sobre o falecimento de uma criança em um colégio de meninos. O que ela não sabia é que o assunto em questão a fará desacreditar em crenças e mudará para sempre sua vida.

 

A Mulher de Preto

Na trama, um jovem advogado chamado Arthur Kipps, após o ultimato da firma onde trabalha, parte em busca de uma vila para tratar dos assuntos jurídicos de um falecido dono de uma mansão. Assim, é forçado a deixar o filho pequeno na responsabilidade de uma babá na cidade onde mora. Chegando nessa vila, logo percebe que todos os moradores parecem assustados com a presença dele e o quadro só piora quando o Sr. Kipps começa a ver uma mulher vestida de preto ao redor da mansão.

 

 

Crítica | Godzilla Vs Kong – Um maravilhoso Open Bar de porrada de monstros

Em meio a tanto caos, morte e destruição que vivemos nos tempos de pandemia, nada como escapar do mundo real prestigiando caos, morte e destruição nos cinemas. Ou, neste caso, no streaming. Estreou hoje nos cinemas e no HBO Max, nos países em que a plataforma já chegou, Godzilla Vs Kong, um dos filmes mais aguardados dos últimos anos e que chega com a missão de subir o nível do MonsterVerse da Warner.

Spoiler: ele consegue!

Mas antes de começar a falar mesmo sobre o filme, é curioso ver como ele acabou sendo impulsionado pela pandemia. Com a ausência de grandes filmes chegando aos cinemas no último ano, a maioria dos estúdios começou a postergar o lançamento de suas maiores produções na expectativa de que a vacina chegasse e chutasse o coronavírus para longe da nossa realidade. Infelizmente, a vacinação ainda não chegou para todos e os cinemas continuam fechados em algumas partes do mundo, enquanto algumas salas até estão abertas, mas funcionando com baixa capacidade. Nesse cenário, o público ficou ansioso por um blockbuster daqueles que faziam a gente pagar caríssimo num ingresso Imax só para prestigiá-lo num telão colossal com som nas alturas e um par de óculos que mais parecia uma máscara de mergulho. Então, na ausência dessa possibilidade, o lançamento de Godzilla Vs Kong no streaming veio como um sopro atômico de esperança para aqueles que não aguentavam mais ver filmes indies, de baixo orçamento ou filmes repetidos na televisão. Nada disso! Agora é um filmaço inédito de centenas de milhões de dólares de orçamento chegando direto na sua casa, o que é incrível. Juntamente a isso, a campanha #TeamGodzilla Vs #TeamKong movimentou o Twitter, criando debates e memes divertidíssimos, e elevando nossas expectativas ao máximo.

E a melhor parte disso tudo é que eles conseguem entregar aos fãs um filme do tamanho exato da expectativa criada por esse contexto louco em que vivemos hoje. Sim, Godzilla Vs Kong é puro suco de entretenimento, uma obra de arte do cinema de pancadaria e uma ode aos monstros gigantes das telonas. O roteiro é simples como deve ser. Kong estava sendo observado por uma organização especializada em Kaijus, quando o Godzilla, até então um herói para a humanidade, começa a realizar ataques pelo mundo de forma descontrolada. Então, quando um empresário ricaço convence um geólogo decadente (Alexander Skarsgård) a trabalhar para ele em uma exploração que vai provar ao mundo que a Terra é oca e cheia de túneis que se conectam, o grupo entende que precisam de uma criatura capaz de atravessar essas passagens para seguirem ela e atravessarem junto. Quem é essa criatura? O Godzilla. Como fazer para atraí-lo? Chamando ele para enfrentar um Titã a sua altura. Quem é esse Titã? Isso mesmo, o King Kong. Porrada vai, porrada vem, a história vai se desenvolvendo em um ritmo maravilhoso, repleto de ação e sem perder tanto tempo com o elenco humano.

E isso é um feito e tanto. Nos dois filmes do Godzilla, os momentos em que os monstros apareciam eram fantásticos, mas eles eram meio que pareciam uma recompensa pelo público aturar duas horas de dramas humanos chatos e sem sentido. Aprendendo com os erros do passado, o longa é todo construído em torno dos encontros cheios de ódio dos dois Titãs, que não se gostam, então não se importam de acabarem eventualmente matando o adversário. Com isso, o drama acaba ficando bem dosado, sendo focado na relação entre Kong e a garotinha Jia (Kaylee Hottle), que se comunicam por meio da linguagem de sinais. Mesmo sem falar uma só palavra, a dupla transmite emoções nos gestos e nos olhares. É bem interessante e não ocupa tanto tempo. Fora isso, os humanos estão ali para apenas duas coisas: agilizar a trama com uma piadinha ou ameaça, e para serem esmagados pelos dois gigantes.

Jia e Kong roubam a cena nos momentos de drama.

É realmente importante ressaltar mais uma vez que a decisão do diretor Adam Wingard de botar os humanos como personagens secundários foi a grande chave para o sucesso desse filme. Falando no diretor, ele desempenha um trabalho interessantíssimo ao abordar o Kong tanto como um personagem com camadas, não se restringindo apenas ao lado guerreiro. O gorila gigantesco acaba funcionando como um ponto de conexão humana na trama, fazendo oposição a todo o poder e brutalidade do Godzilla. O uso de câmeras dele é perfeito para quem for assistir ao filme com a expectativa de ver violência à moda antiga. Em outras palavras, a direção não adota aquele esquema de muitos cortes por sequência e também não apela para o plano-sequência. Cada cena dura o suficiente para o público apreciar cada soco, chute, mordida, rajada e machadada sem ser muito extenso ou muito picotado. Fora isso, os confrontos dos monstrões são bem criativos, capazes de extrair o melhor de cada um.

Outro ponto que merece elogios são os efeitos especiais. A tecnologia é tão bem trabalhada que provavelmente vai fazer as crianças acreditarem que o Godzilla e o King Kong existem mesmo, e que a Terra é realmente oca. Toda a ambientação é bem realista, mas sem perder a personalidade, como acontece em O Rei Leão (2019). As expressões faciais do Godzilla, que parece estar gostando mesmo da briga, são maravilhosas, assim como a expressão corporal do Kong traduz com perfeição a saudade de casa e a frustração do gorila. É um trabalho digno de aplausos, ainda mais no embate noturno, que é iluminado pelos neons da cidade, o que rende cenas belíssimas que vão empolgar muita gente. E diferentemente de outros filmes que prometem duelos mirabolantes entre dois personagens icônicos e terminam sem entregar efetivamente um vencedor, Godzilla Vs Kong termina, sim, com um campeão. Mas fiquem tranquilos, fãs do perdedor, vocês também sairão satisfeitos com o final.

Godzilla Vs Kong é um filme que se propõe a mostrar o combate entre os dois monstros mais famosos do cinema para o público curtir a pancadaria, se divertir como nunca, sair enlouquecido para comprar uma camiseta oficial e sair por aí discutindo com seus amigos sobre qual dos dois venceria numa eventual revanche. E gloriosamente é exatamente isso que ele entrega. Não espere ver discussões filosóficas ou diálogos contemplativos sobre a existência humana e como somos o câncer do planeta. Não! É um filme sobre monstros se estapeando e destruindo tudo o que aparece pela frente. Dentro dessa proposta, é uma obra de arte. Dessa forma, seria uma completa injustiça não dar 10 para um longa que entrega com tanta competência exatamente aquilo que prometeu – com direito a uma ou duas surpresas ainda por cima. Porém, essa grande aventura pipoca de ação e ficção tem um único defeito: a duração. Sério, depois de três filmes com duas horas ou mais recheadas de dramalhão besta, justamente o melhor longa do MonsterVerse chega com menos de duas horas. Se mantivessem esse nível altíssimo de ação e pancadaria, poderiam fazer Godzilla Vs Kong ser maior que a versão estendida de O Retorno do Rei que não teria o menor problema. Por conta desse detalhe e considerando toda a ação e diversão proporcionada, a nota para o melhor blockbuster de 2021 até aqui será 9,0.

Godzilla Vs Kong estreia no Brasil em 29 de abril de 2021.

10 Dicas de ÓTIMOS Filmes de até 90 minutos

A minutagem de um filme é uma variável que pouco importa desde que a obra consiga fisgar nossas reflexões. Mas para você que não tem muita paciência e gosta de tramas retas e objetivas, segue abaixo uma lista com 10 ótimos filmes:

 

Fruitvale Station: A Última Parada

O vencedor do importante prêmio Um Certo Olhar, no Festival de Cannes, conta a história de Oscar, um rapaz de 22 anos que busca redenção em sua vida. Demitido do seu honesto emprego, busca forças na sua carinhosa família para não voltar ao mundo das drogas. Mesmo com o passado triste batendo em sua porta muitas vezes, Oscar possui um desejo gigante de ser um melhor pai e um parceiro melhor para sua namorada. No dia 31 de dezembro de 2008, ele e sua família serão protagonistas de uma das cenas mais chocantes, dramáticas e absurdas da história da polícia norte-americana.

 

Loucamente Apaixonados

Na trama uma jovem inglesa vai para os EUA estudar, lá se apaixona por um rapaz. Juntos, vivem uma intensa paixão. Quando tudo está indo muito bem, uma problemática com o visto da jovem coloca em xeque esse forte sentimento. Eles acabam tendo que enfrentar um arriscado relacionamento à distância. Será que esse amor é maior que qualquer obstáculo que a vida impõe?

 

Indomável Sonhadora

Hushpuppy (interpretada pela excepcional atriz mirim Quvenzhané Wallis) é uma menina que vive em um vilarejo com seu pai, aparentemente longe das grandes cidades. Sua vida é monótona e muito simples tendo que viver com as doenças do pai e a falta que sente de sua mãe. Quando uma tempestade chega ao vilarejo, destrói toda aquela comunidade. Após o desastre e quando os habitantes estão todos longe de suas casas (em um abrigo para desabrigados) eles lutam para voltar ao mundo deles e se revoltam contra tudo e todos.

 

Gravidade

Na fantástica aventura acompanhamos o veterano astronauta Matt Kowalski (George Clooney) e a engenheira médica Ryan Stone (Sandra Bullock) em um dia tumultuado no espaço. Enquanto estão consertando alguns probleminhas em uma estação espacial, são surpreendidos por uma chuva de meteoritos que atingem uma outra estação espacial, caminhando rapidamente na direção deles. Do lado de fora da nave, com pouco oxigênio e quase entrando em desespero, precisam unir forças para tentar sobreviver a essa eminente catástrofe.

 

O Palhaço

Na trama, um grupo de artistas circenses se apresenta de cidade em cidade alegrando a todos por onde passam. Ao decorrer da história, seu mais famoso representante, o palhaço Pangaré (Benjamin) entra em uma crise existencial e corre em busca de encontrar a esperança em algum lugar, sem saber que ela estava mais perto do que ele imagina.

 

Culpa

Na trama, conhecemos Asger Holm (Jakob Cedergren) um policial com um passado recente conturbado e que será julgado por suas ações em um episódio não esclarecido que contou com a cobertura de amigos que estavam no local. Designado para atender ligações de emergência da polícia Dinamarquesa, possui um comportamento apreensivo e repleto de tensão, principalmente após receber uma ligação de uma mulher desesperada dando a entender que fora sequestrada por seu marido. A partir dessa informação e entre ligações e cortes de sinal, Asger tenta solucionar essa misteriosa situação e ajudar a quem realmente é a vítima dessa história.

 

Às Vezes quero Sumir

Na trama, conhecemos Fran (Daisy Ridley), uma jovem introspectiva que trabalha em um escritório numa cidadezinha norte-americana. Seu cotidiano é pacato, prefiro ficar sozinha na maior parte do tempo, presa em pensamentos quase indecifráveis mas que dizem muito sobre seu estado de espírito. Certo dia, com a chegada do novo funcionário Robert (Dave Merheje), algo desperta nela e começa a perceber que as peças para se encaixarem para algum tipo de final feliz é preciso dedicação e um querer sobrepondo medos e receios.

 

Locke

No inteligente roteiro, somos o ‘carona’ do engenheiro de construção Ivan Locke. Após receber um telefonema, entra em seu carro correndo e dirige até o hospital onde uma mulher está tendo um filho seu. A questão é que não é a esposa dele! Durante o trajeto até o hospital, Locke precisa contar a verdade para sua esposa, lutar para não ser demitido e encarar da melhor maneira possível as consequências de um ato infiel do passado.

 

Estranho Caminho

Na trama, conhecemos um jovem (Lucas Limeira) cineasta que após longos anos volta para o lugar onde nasceu e morou para apresentar o seu mais recente trabalho em um Festival de Cinema. Com a pandemia da Covid batendo na porta, ele busca se encontrar com seu pai (Carlos Francisco) com quem não fala faz mais de uma década. Após uma tentativa quase frustrada, já que o pai se tornou uma pessoa cada vez mais reclusa, algumas situações peculiares começam a atingir seu caminho.

 

Um Pequeno Grande Plano

Na trama, conhecemos Abel (Louis Garrel) e Marianne (Laetitia Casta), um jovem casal que após notarem o sumiço de algumas roupas e objetos pela casa confrontam o filho Joseph de apenas 13 anos. Após esse papo, descobrem que o filho e mais centenas de jovens de todo o mundo estão bolando um projeto secreto para ajudar a África. Tendo isso revelado, o casal embarca em uma jornada de conflitos sobre como pensam em relação ao mundo e o destino do próprio casamento.

Atores que criticaram seus próprios filmes

Hollywood pode ser referência em glamour, riqueza e luxo, mas toda indústria tem seus podres. De vez em quando, um filme não sai como esperado, e até mesmo os astros mais bem pagos do cinema se envergonham de algo em suas carreiras.

Alguns defendem até o fim certos filmes que desagradaram o público, como Eric Bana fez com ‘Hulk’. E outros realmente acham que fizeram parte de produções horríveis. Em meio a tanta elegância, surgem atores decididos a revelar suas opiniões negativas ao público.

Os alvos desses profissionais insatisfeitos são variados, incluindo desde bombas até clássicos do cinema. As críticas vão de comentários cômicos até ofensas violentas.

Cada um pode decidir se essas declarações são amostras de honestidade ou ingratidão, mas uma coisa é certa – os astros listados abaixo odiaram certas experiências em suas carreiras e não guardaram segredo:

 

Ben Affleck

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‘Demolidor – O Homem Sem Medo’:

“Eu fiz um monte de filmes que não funcionaram”, declarou o ator, dando como exemplo o longa do super-herói da Marvel.

Por outro lado, a recepção da crítica e a bilheteria não foram tão ruins. O próprio Affleck estrelou uma bomba muito maior, ‘Contato de Risco’, ao lado de Jennifer Lopez.

 

Nicole Kidman

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‘Austrália’:

“Eu não consigo ver esse filme e ter orgulho do que fiz… Para mim, é simplesmente impossível me conectar emocionalmente com [o filme].”

Kidman afirmou, porém, que adorou o trabalho dos atores Hugh Jackman e Brandon Walters.

 

Sylvester Stallone

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‘Pare, Senão Mamãe Atira!’:

Eu fiz alguns filmes realmente horríveis. ‘Pare, Senão Mamãe Atira!’ foi o pior. Se você quiser que alguém confesse um assassinato, faça essa pessoa assistir àquele filme. Eles vão confessar qualquer coisa em 15 minutos.

 

Arnold Schwarzenegger

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‘Guerreiros de Fogo’: Schwarzenegger também fez um filme que considera um instrumento de tortura.

É o pior filme que eu já fiz. Agora, quando meus filhos aprontam, eles são mandados para o quarto e forçados a ver ‘Guerreiros de Fogo’ 10 vezes. Assim eu nunca tenho problemas com eles.

 

Marlon Brando

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‘O Calouro da Máfia’:

É horrível. Vai ser um fracasso, mas depois desse eu vou me aposentar. Eu estou cansado demais. Esse filme, com exceção da equipe canadense, foi uma experiência extremamente desagradável. Eu preferia não ter terminado com uma bomba.

Co-estrelada por Matthew Broderick, a comédia foi bem nas bilheterias, e Brando voltou atrás em sua decisão de se aposentar.

 

Brad Pitt

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‘Inimigo Íntimo’: Pitt não poupou críticas à produção do thriller.

Nós não tínhamos um roteiro. Bom, nós tínhamos um ótimo roteiro, mas ele foi descartado por várias razões. Ter que inventar as coisas no ato – Jesus, que pressão. Foi ridículo… Eu não sei por que alguém gostaria de continuar fazendo aquele filme. Nós não tínhamos nada. O filme foi vítima desse chefe de estúdio [Mark Canton], que disse, ‘Eu não me importo. Nós vamos fazer [o filme]. Eu não me importo com o que vocês têm. Filmem algo.’ Eu tentei [sair do filme] quando faltava uma semana para as filmagens e nós tínhamos 20 páginas de porcaria. E o roteiro que eu amava não existia mais.

O ator afirma que foi “a mais irresponsável produção cinematográfica – se é que você pode chamar assim – que eu já vi.” Harrison Ford, que também estrelou o filme, concordou com as críticas. No entanto, após a polêmica que os comentários geraram, Pitt tentou voltar atrás. Mas não foi o bastante para impedir que o filme fosse um fracasso de crítica e de bilheteria.

 

Peter O’Toole

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‘Tróia’: O veterano afirmou que o épico do diretor alemão Wolfgang Petersen foi um “desastre… O diretor, aquele chucrute, que palhaço que ele era.”

 

Matthew Goode

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‘Casa Comigo?’: Goode descreveu a má recebida comédia romântica como “inchada” e acrescentou: “Eu sei que muita gente vai dizer que esse é o pior filme de 2010.” O ator deixou claro que não participou do filme por causa do roteiro. Então, por que ele aceitou? “A principal razão para eu pegar [o trabalho foi] a possibilidade de voltar para casa nos fins de semana.” As locações eram próximas de sua residência, na Inglaterra, e a comodidade se provou irresistível.

Se eu sinto que me decepcionei? Não. Se foi um trabalho ruim? Sim, foi. Mas, você sabe, foi divertido e eu fui pago.

 

CLÁSSICOS INTOCÁVEIS?

A situação pode ficar ainda mais desagradável quando a crítica, o público e até mesmo a Academia concordam que o filme foi bom, mas um dos astros discorda.

Richard Gere

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‘Uma Linda Mulher’:

As pessoas me perguntam sobre esse filme, mas eu me esqueci dele… Aquela foi uma comédia romântica boba.

Gere criticou a imagem positiva que o filme pintou dos empresários de Wall Street, como o que ele interpreta. “[O filme] fez esses caras parecerem atraentes, o que é errado. Que bom que, hoje, nós somos mais céticos com esses caras.”

 

Burt Reynolds

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‘Boogie Nights – Prazer Sem Limites’: Reza a lenda que o astro odiou o longa de Paul Thomas Anderson quando o viu pela primeira vez. Sua reação foi tão negativa que ele despediu o agente que o indicou para o trabalho. Ironicamente, o ator foi indicado ao Oscar pelo papel, e, claro, apareceu na cerimônia.

 

Alec Guinness

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‘Guerra nas Estrelas’: Ainda no set do filme, o intérprete de Obi-Wan Kenobi declarou:

Não é um trabalho de ator. Os diálogos – que são lamentáveis – são mudados o tempo todo, e só melhoram um pouco.

 

Matt Damon

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‘O Ultimato Bourne’: Segundo o astro da franquia, a primeira versão do roteiro de Tony Gilroy era “ilegível.” Damon acrescentou:

Isso seria o fim de sua carreira. Digo, eu poderia colocar essa coisa no eBay e seria fim do jogo para aquele cara. Era terrível. Era realmente vergonhoso.

O longa foi um grande sucesso de público e crítica e venceu três Oscars.

CURIOSIDADE: Os créditos do roteiro não foram apenas para Gilroy. A versão final contou com o trabalho de Scott Z. Burns e George Nolfi.

 

ERRAR É HUMANO, PERSISTIR NO ERRO É UM BOM NEGÓCIO

Muitos atores devem ter passado mais de uma vez por más experiências no cinema, mas só alguns deram voz a suas insatisfações tantas vezes.

 

Christopher Plummer

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‘A Noviça Rebelde’: Plummer descreveu o clássico musical como “horrível e sentimental e meloso”, e afirmou que “Você tinha que trabalhar muito duro para tentar colocar um toque minúsculo de humor [no filme].”

‘O Novo Mundo’: 40 anos mais tarde, o veterano teve outra experiência insatisfatória, com o cineasta Terrence Malick.

O problema com Terry [Malick], que eu logo percebi, é que ele precisa de um roteirista, desesperadamente… Ele insiste em escrever, e escrever mais, e mais, até que tudo soa terrivelmente pretensioso, e você tem que trabalhar duro para fazer aquilo parecer real. E então ele edita seus filmes de tal forma que corta todo mundo deles.

O ator veterano fez questão de mandar uma carta para Malick com suas críticas, e inclusive admitiu que admira alguns de seus filmes. Mas ele foi categórico: “Eu nunca mais trabalharei com ele.” Plummer também citou a insatisfação de Colin Farrell, que reclamava que o diretor preferia filmar aves a filmar atores.

CURIOSIDADE: Sean Penn fez críticas semelhantes ao filme seguinte do diretor, ‘A Árvore da Vida’:

Uma narrativa mais clara e convencional teria ajudado o filme sem, na minha opinião, diminuir sua beleza e seu impacto… Francamente, eu ainda estou tentando descobrir o que estou fazendo lá, e o que eu deveria acrescentar naquele contexto! Para piorar, o próprio Terry nunca conseguiu me explicar com clareza…

Edward Norton

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‘Uma Saída de Mestre’:

Meus fãs de verdade deveriam ignorar este [filme].

‘O Incrível Hulk’: Conhecido por ser um ator difícil de se trabalhar, Norton teve discussões com a Marvel para definir a montagem final do filme. O estúdio o descartou de ‘Os Vingadores’ e de qualquer filme centrado no Hulk.

 

Shia LaBeouf

Shia LaBeouf

‘Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal’:

Eu sinto que eu falhei com o legado que as pessoas amavam e estimavam… Você vê os macacos nos cipós e coisas assim e você pode colocar a culpa no roteirista e pode colocar a culpa em Steven [Spielberg]. Mas o trabalho do ator é dar vida [ao filme] e fazê-lo funcionar, e eu não consegui. Então é minha culpa. Simples… Eu acho que o público é bem inteligente. Eu acho que eles sabem quando você fez [um filme ruim].E se você não admitir, então por que eles confiariam em você da próxima vez em que você estiver promovendo um filme?

LaBeouf afirmou que adora Spielberg e nunca o desrespeitaria, mas “ele precisa ouvir isto.”

‘Wall Street – O Dinheiro Nunca Dorme’:

[O diretor Oliver Stone] estava tentando agradar. Mas para um filme como ‘Wall Street’, que tinha tanta acidez da primeira vez, vir sem as presas de fora e pregar uma mensagem de esperança não é o que as pessoas esperam.

‘Transformers: A Vingança dos Derrotados’:

Quando eu vi o segundo filme, eu não fiquei impressionado com o que fizemos. O filme tinha algumas acrobacias incríveis, mas o coração não estava lá. Nós nos perdemos… Perdemos um pouco dos relacionamentos. Se você não tem esses relacionamentos, o filme não importa. São apenas robôs lutando entre si.

LaBeouf fez a declaração enquanto promovia o terceiro filme, desta vez com muita empolgação.

CURIOSIDADE: Megan Fox também fez várias críticas à franquia. Ela afirmou que o primeiro filme “não é um filme focado nas atuações”, e, na continuação, malhou o diretor Michael Bay, dizendo que ele era como Adolf Hitler durante as filmagens. O conflito resultou na saída da atriz da franquia.

 

CHUTANDO CACHORRO MORTO

Certos filmes são malhados pela crítica, odiados pelo público ou fracassam nas bilheterias, e às vezes naufragam nas três categorias, mas mesmo assim um ator pode se pronunciar e jogar uma pá de cal no desastre.

George Clooney

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‘Batman & Robin’:

Era um daqueles filmes em que era difícil atuar bem. Pensando bem, é fácil olhar para trás e dizer ‘Uau, esse [filme] foi uma merda e eu estava muito ruim nele’.

O filme foi (e continua sendo) tão criticado que até Clooney imaginou que o dano era irreparável: “Eu acho que nós matamos a franquia”, disse, na época do lançamento.

 

Mark Wahlberg

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‘Fim dos Tempos’:

Foi um filme muito ruim. Foda-se. [O filme] é o que é. Malditas árvores, cara. As plantas. Foda-se. Vocês não podem me culpar por não querer interpretar um professor de ciências.

Fracasso de crítica, o terror foi mais um passo do cineasta M. Night Shyamalan na direção do descrédito popular. Seus longas seguintes não foram menos achincalhados.

 

James Franco

James Franco

‘Sua Alteza?’: Direto e resolvido, Franco disse sobre a malfadada comédia medieval: “Aquele filme é uma droga. Não tem como ignorar.”

 

Sean Connery

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‘A Liga Extraordinária’:

Eu estou cansado dos idiotas… [Existe] um abismo cada vez maior entre as pessoas que sabem fazer filmes e as pessoas que aprovam a produção dos filmes.

Connery odiou tanto seu papel que ele se aposentou logo em seguida.

 

Halle Berry

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‘Mulher-Gato’: Mais do que admitir que o filme era ruim, a atriz fez isso em público. Ela foi uma das poucas a subir ao palco do Framboesa de Ouro, que “premia” os piores filmes do ano. Em seu discurso, Berry disse:

Eu gostaria de agradecer a Warner Bros. por me escalar nessa merda, nesse filme horroroso… “Era exatamente disso que a minha carreira precisava – eu estava no topo, agora estou no fundo do poço.

CURIOSIDADE: Sandra Bullock também teve uma participação memorável na cerimônia de entrega do Framboesa de Ouro. Apenas um dia antes de receber o Oscar por ‘Um Sonho Possível’, ela foi nomeada Pior Atriz do ano por ‘Maluca Paixão’. Porém, ela teve uma postura bem diferente da de Berry: ela levou um carrinho cheio de cópias do filme para a plateia, pois queria que todos reconsiderassem sua opinião.

 

CONSERTANDO ERROS

Nem sempre é tarde para corrigir um comentário desastroso ou uma parceria profissional que não deu certo. Estes astros conseguiram, ou pelo menos tentaram, retratar os erros que cometeram em relação a seus filmes.

 

Mel Gibson

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‘O Hotel de um Milhão de Dólares’: Tudo começou com um comentário bizarro de Gibson sobre o longa de Wim Wenders: “Eu achei [o filme] chato como a bunda de um cachorro.” Algum tempo depois, o astro tentou se retratar:

Eu pensei, ‘Deus, por que eu disse aquilo? Eu sou um idiota! Eu produzi o filme. Eu estou distribuindo o filme!’ Foi muito imprudente da minha parte, porque muitas pessoas trabalharam duro naquele filme… Então eu realmente me arrependo de dizer aquilo. Eu escrevi muitas cartas de desculpas por conta daquilo.

O astro disse que o comentário desastroso foi resultado de um dia lotado de entrevistas.

 

Sean Penn

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‘Jogo de Poder’: O problema de Penn não foi com o filme, mas com o diretor, Doug Liman, com quem tinha uma relação conflituosa. Em represália, o ator se negou a participar da campanha de divulgação do longa.

 

Jim Carrey

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‘Kick-Ass 2’: Num dos casos mais recentes, Carrey criticou o excesso de violência no filme de heróis, e também não quis participar de sua divulgação.

Eu gostaria de pedir desculpas aos outros envolvidos com o filme. Eu não tenho vergonha de tê-lo feito, mas eventos recentes me fizeram mudar de opinião.

O ator explicou que mudou de ideia após o massacre na escola Sandy Hook, em dezembro de 2012. “Eu fiz ‘Kick-Ass’ um mês antes de Sandy Hook, e agora eu não posso suportar em sã consciência esse nível de violência”, declarou.

10 filmes pra ficarmos de olho no segundo semestre de 2025!

2025 chegou com tudo quando o assunto é cinema! Até o final do ano várias aguardadas obras cinematográficas vão encher as salas de cinema de todo o planeta. Para relembrarmos a vocês algumas dessas – para você já ir marcando em sua agenda – segue abaixo uma lista com filmes imperdíveis que chegam no segundo semestre desse novo ano:

 

Jurassic World: O Recomeço

Aguardado novo filme da conhecida franquia, Jurassic World: O Recomeço vai nos mostrar uma expedição com o objetivo de extrair DNA de algumas criaturas pré-históricas. O projeto é dirigido por Gareth Edwards e tem Scarlett Johansson, Mahershala Ali e Rupert Friend no elenco.

 

Superman

Um dos mais aguardados filmes desse ano é sem dúvidas nenhuma Superman. Dirigido por James Gunn e baseado na série de quadrinhos All-Star Superman – ainda sem sinopse oficial – voltaremos a encontrar o inesquecível herói, seus conflitos e dilemas.

 

Quarteto Fantástico: Primeiros Passos

Dirigido por Matt Shakman, um aguardado retorno de queridos super-heróis será visto em Quarteto Fantástico: Primeiros Passos. Na trama acompanharemos pontos chaves da trajetória da família mais conhecida da Marvel, seus poderes, as responsabilidades de serem heróis e a luta para proteger a terra contra ameaças terríveis.

 

Michael

Com direção de Antoine Fuqua e roteiro de John Logan, acompanharemos uma cinebiografia repleta de recortes de momentos importantes da vida pessoal e profissional de um dos maiores artistas que esse mundo já viu: Michael Jackson.

 

Avatar 3: Fogo e Cinzas

Terceiro filme de uma das mais famosas franquias da história recente do cinema, Avatar 3: Fogo e Cinzas – ainda sem sinopse oficial – será a continuação da saga iniciada em 2009, novamente dirigida por James Cameron.

 

Wicked Para Sempre

Segundo filme, que fecha a adaptação cinematográfica adaptada da peça homônima da Broadway, Wicked Para Sempre nos guiará para os acontecimentos finais desse prelúdio de O Mágico de Oz.

 

Eu Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado (2025)

E tem clássico do cinema de terror adolescente ganhando nova vida em 2025? Tem sim! Eu Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado , uma provável continuação baseada nos acontecimentos do filme original deve contar com a presença de Jennifer Love Hewitt e Freddie Prinze Jr.

 

Uma Sexta-Feira Mais Louca Ainda

Nessa aguardada continuação de um filme que fez muito sucesso no Brasil 20 anos atrás, vamos voltar a acompanhar Tess (Jamie Lee Curtis) e Anna (Lindsey Lohan). De acordo com a sinopse oficial: Nesse novo filme, Anna tem uma filha e uma futura enteada. Enquanto elas enfrentam os desafios que surgem quando duas famílias se unem, Tess e Anna descobrem que um raio pode, sim, cair duas vezes no mesmo lugar.

 

Silvio Santos vem aí

Crédito: Fernando Pastorelli

Trazendo um olhar para os bastidores do Programa Silvio Santos, Silvio Santos vem aí é mais um filme sobre o maior apresentador da história da televisão brasileira. No papel principal, o ótimo Leandro Hassum.

 

A Empregada

Baseado no livro da médica e escritora norte-americana Freida McFadden, nesse aguardado suspense que promete muitas reviravoltas, acompanharemos uma jovem que vai trabalhar como emprega doméstica para a família de um casal rico. Logo, segredos começam a aparecer pelo seu caminho.

 

Crítica – Americano

Como superar a perda de uma pessoa que marcou a sua vida? Dirigido e escritor por Mathieu Demy (que também interpreta o papel principal na trama), “O Americano” fala sobre a dor de uma perda e as conturbações que ocorrem com a mente de um homem viajando atrás de respostas. O argumento era muito interessante mas a história é arrastada e se distancia do espectador a todo segundo.

O filme foi exibido no último Festival de Cinema do Rio, o diretor é filho dos grandes diretores franceses, Jacques Demy e Agnès Varda.

O filme tende ao depressivo. Na trama, um homem fica abalado ao saber da morte da mãe que mora nos EUA, quando voltas à sua antiga casa para resolver toda a burocracia dos bens de sua mãe, descobre que ela deixou um apartamento para uma outra mulher muito ligada a ela. Nesse retorno à América, flashbacks envolvem a mente do personagem, quando o mesmo chega na casa da mãe se depara com momentos de sua infância americana: roupas, desenhos, fotos… é um momento tenso na trama, o personagem tem um espécie de surto que leva dali pra frente até o desfecho da história.

É um longa que demora a envolver o público, muito por conta de não sabermos o porquê daquele grande sofrimento que o protagonista despeja na tela. A relação que Martin (protagonista) teve com sua mãe é contada apenas com lembranças. É tudo muito superficial, o que caracteriza uma tristeza que não dá para entender sua origem. O personagem, assim como o filme, andam sem rumo, viajando por Tijuana (México) sem dinheiro, sem carro e sem história. Quando a personagem Lola (Salma Hayek) entra na trama, o longa parece que pegará no tranco mas não é isso que acontece.

Alguns personagens coadjuvantes não são bem aproveitados e conseguiriam, talvez, dar o ritmo que a trama precisava para se tornar interessante. Linda (Geraldine Chaplin) e Claire (Chiara Mastroianni) deveriam ter papéis mais preponderantes na história, isso poderia enriquecer o espectador com informações necessárias para entendermos melhor o porquê daquela dor.

É difícil ficar acordado vendo esse filme, o olho parece querer sair correndo do cinema a todo instante. É quase um alívio quando a fita acaba. Mathieu Demy tenta, mas não consegue dirigir, roteirizar e atuar bem.

 

 

Crítica | ‘Alvo Primário’ – Aulão de matemática e espionagem na Apple TV+ que deixaria Pitágoras com uma enorme preguiça!

Intrigas no mundo da espionagem é algo de certa forma bastante corriqueiro quando pensamos em filmes e séries. Trazer algo novo e que chame a atenção dentro desse contexto não é uma missão fácil. Lançado nesse início de 2025 no ótimo streaming Apple TV+, Alvo Primário segue a cartilha dessas produções trazendo em sua primeira temporada um recheio considerável de clichês que se amontoam em oito episódios que flertam com o previsível. Criada por Steve Thompson, podemos bater o martelo de que essa é umas das grandes decepções do ano até aqui.

Edward Brooks (Leo Woodall) é um jovem matemático, orgulho do corpo docente da prestigiada Universidade de Cambridge, que está produzindo uma pesquisa para seu doutorado numa análise profunda e bastante complexa sobre teorias no padrão dos números primos. Quando seu trabalho é apresentado a um dos professores mais prestigiados da universidade, uma série de situações o colocam de frente para o perigo. Para ajudá-lo em busca de respostas, entra em sua vida a analista da NSA, Taylah Sanders (Quintessa Swindell).

Quando o foco é criar o terreno para eventuais reviravoltas, a qualquer custo, geralmente não sai conforme o pensado. Em sua tentativa de criar camadas para seu nada carismático protagonista, o roteiro esbarra na ingenuidade da superfície, não tirando o pé do acelerador em nenhum momento. O quebra-cabeça emocional que vive o personagem acaba sendo pouco explorado por uma narrativa se construindo de forma atabalhoada com subtramas desinteressantes que forçadamente ganham elos com a trama principal.

O matematiquês está contido mas aqui fica em segundo plano, então calma você que odeia matemática! Os dramas pessoais buscam um respiro mas acabam confundindo mais do que adicionando. As relações interpessoais que se apresentam são cheias de lacunas, parece um abre alas para futuros desenrolares (algumas produções seriadas cismam em pensar numa segunda temporada), um deslize que transformam os cerca de 60 minutos por episódio em uma sequência de achismos por parte do público.

Na sua busca por conexões interessantes ao apresentar personificações (leia-se as já mencionadas relações interpessoais) em forma de paralelos para brincar de ficção com teorias que circulam sobre os mistérios ainda indecifráveis de números naturais que possuem somente dois divisores: 1 e eles mesmos, Alvo Primário e seu aulão de espionagem deixariam Pitágoras com uma enorme preguiça.

10 Filmes para assistir e espantar a tristeza

Existem dias que estamos tristes, sem vontade de sair de casa e muitos problemas nos cercam de maneira tão profunda que só queremos ficar deitadinhos debaixo daquele aconchegante cobertor. A vida é dura (ninguém disse que era fácil), nossa rotina as vezes cansa, chegamos a um limite onde não sabemos ao certo a direção que devemos seguir. Mas, em vez de ficar deprimido (a), porque você não assiste a um filme que pode mudar o seu dia, sua semana, sua vida?

O escritor francês Romain Rolland já dizia: “A vida não é triste. Tem horas tristes.” Certos filmes nos fazem sonhar, nos fazem acreditar, nos tiram da realidade que em certos momentos pode ser muito dura. Produções de diversos países, inúmeros diretores , atores diversos produziram determinadas obras que podem ajudar você a sair desse desalento. Pensando nisso e pesquisando em nossa vasta memória cinéfila, resolvi criar uma lista de 10 filmes que possuem ingredientes mágicos que tiram qualquer pessoa da tristeza.

 

Topam o desafio? Vamos animar!? Abaixo nossa lista:

 

10. The Go-Getter (The Go-Getter, 2007)

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Para começar nossa lista, um filme cult, indie, classificado em todas as peculiaridades e subgêneros que o cinema pode ter. The Go-Getter (sem tradução para o português) é um filme que poucos conhecem. Dirigido pelo cineasta Martin Hynes, a produção conta com uma das atrizes mais queridinhas do cinema norte-americano, Zooey Deschanel (Sua Alteza?). O filme é basicamente a história de Mercer White (Lou Taylor Pucci), um jovem de 19 anos que rouba um carro e sai em busca de seu meio irmão mais velho. Quando deixa a cidade um celular deixado dentro do carro toca e ele se acha falando com sua dona, Kate (Zooey Deschanel). Daí em diante, surpresas, amor e descobertas comandam o roteiro.

 

09. A Vida Começa aos 40 (Heartbreak Hotel, 2006)

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Nosso nono lugar vem das terras geladas da Suécia. A hilária comédia A Vida Começa aos 40 tinha tudo para ser uma cópia de todos os filmes fúteis Hollywoodiano. Porém, com duas atuações sensacionais e um roteiro ultramente envolvente, o filme acaba se tornando uma experiência maravilhosa. Na excelente história, conhecemos Elisabeth (Helena Bergström), que está se divorciando do marido Henrik (Johan Rabaeus) e tem uma grande discussão com a policial de trânsito Gudrun (Maria Lundqvist). Gudrun vive com a filha adolescente Liselotte (Erica Braun), que tenta convencer a mãe a sair da frente da TV, do ataque à geladeira e procurar viver a vida. Quando Gudrun se queixa de dores no estômago, Liselotte marca uma consulta com sua ginecologista. Que, no caso, é Elisabeth. Esse encontro vai mudar a vida delas e levar o espectador uma história onde a grande graça é recomeçar.

 

08. O Closet (Le Placard, 2000)

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Vem diretamente da terra de Truffaut o nosso oitavo lugar! Considerada uma das mais divertidas comédias do cinema francês, O Closet conta a história de François Pignon (Daniel Auteuil), um homem desprezado pelos colegas de trabalho, divorciado e com um filho que não gosta dele. Tudo muda em sua vida quando, à beira do desemprego, resolve ‘sair do armário’ de mentirinha transformando sua vida e a de todos os outros ao seu redor. O longa-metragem conta com a participação especial do grande ator Gérard Depardieu (As Aventuras de Pi).

 

07. Sideways – Entre Umas e Outras (Sideways, 2004)

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Quem diria que uma grande bebedeira daria uma rica história? Vencedor do Oscar de melhor roteiro adaptado e dirigido pelo excelente diretor Alexander Payne (Nebraska), Sideways – Entre Umas e Outras é uma grande viagem de auto descobrimento de um homem de meia idade cheio de conflitos internos. Na trama, viajamos juntos com uma dupla de amigos, um homem fascinado por vinhos e seu melhor amigo que saem para uma viagem de uma semana, de despedida de solteiro, pelas vinícolas da Califórnia e acabam conhecendo duas mulheres que mudam suas vidas para sempre.

 

06. A Solidão dos Números Primos (La Solitudine Dei Numeri Primi, 2010)

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Indicado ao Leão de Ouro no Festival de Veneza no ano de 2010, vem da Itália o nosso sexto lugar. A Solidão dos Números Primos não é um filme fácil de assistir mas se você conseguir entrar na história, será uma experiência revigorante. Alice (Alba Rohrwacher) e Mattia (Luca Marinelli) desde crianças, lidam com traumas que os tornam indivíduos singulares. Ao se encontrarem na adolescência, se reconhecem na dor um do outro e desenvolvem um forte laço. Eles crescem e, apesar de levarem vidas paralelas, seus destinos sempre se cruzam levando a um filme emocionante e surpreendente.

 

05. Os Amantes do Círculo Polar (Los Amantes Del Círculo Polar, 1998)

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Amor, destino, tragédias, natureza e o círculo da vida. Elementos jogados no liquidificador criativo do excelente diretor espanhol Julio Medem (7 Dias em Havana) , transformam Os Amantes do Círculo Polar em uma experiência rica para qualquer espectador. Na romântica história, somos apresentados a Ana (Najwa Nimri) e Otto (Fele Martínez), que se conhecem a partir de um ocasional encontro ao saírem da escola, quando tinham oito anos de idade, desde aquele momento começa a ser desenhado um círculo que se completa quando eles se reencontram muitos anos depois na Lapônia. Os elementos e o lirismo adotados pelo diretor transformam esse filme em uma experiência avassaladora. Esse é um daqueles filmes que jamais sairá de sua memória.

 

04. Gigantesco (Gigantic, 2008)

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Protagonizado por uma das mais queridinha de Hollywood (Zooey Deschanel), Gigatesco conta a história de Brian Weathersby (Paul Dano), um tímido e atrapalhado vendedor de colchões que planeja adotar uma criança chinesa. Certo dia, ele se depara com uma bela jovem, que inusitadamente adormeceu em um dos seus colchões e por quem ele acaba se apaixonando. Com isso, o desejo anterior que ele tinha de adotar uma criança aumenta. O final é interpretativo e diz muito sobre os personagens.

 

03. O Fabuloso Destino de Amélie Poulain (Le fabuleux destin d’Amélie Poulain, 2001)

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Para sair da tristeza, Amélie é uma grande amiga para tal. Em um dos maiores clássicos dos últimos tempos do cinema francês, embarcamos em um mundo de fantasia e realidade comandado pela Srta. Poulain (Audrey Tautou). Na curiosa trama, Amelie Poulain muda-se para um novo lugar e lá encontra uma caixa escondida no banheiro de sua casa e assim decide procurar o antigo morador. Ao encontrar esse emocionado novo personagem e ver que ele chora de alegria ao reaver o seu objeto, a moça fica impressionada e adquire uma nova visão do mundo. A partir deste fato, passa a ajudar as pessoas que a rodeiam, vendo nisto um novo sentido para sua existência. Um filme lindo que merece estar na sua escrivaninha.

 

02. A Felicidade não se Compra (It’s a Wonderful Life, 1946)

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Para sair da tristeza, precisamos nos borbulhar em lágrimas de felicidade. Pensando assim, nosso segundo colocado é um dos clássicos do genial Frank Capra (Aconteceu Naquela Noite) e protagonizado pelo eterno James Stewart (Um Corpo que Cai). Em, A Felicidade não se Compra conhecemos um empresário que está a ponto de se suicidar quando um anjo o encontra com a missão de ajudar e mostrar para esse homem de negócios como seria o mundo sem ele. Uma história linda, natalina e que fará você acreditar cada vez mais na felicidade.

 

01. Peixe Grande e Suas Maravilhosas Histórias (Big Fish, 2003)

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Quem diria que depois de sombrios, frios, personagens caricatos e roteiros mirabolantes o eterno cabeludo despenteado Tim Burton (Sombras da Noite) nos brindaria com uma história cativante onde nunca sabemos se estamos na realidade ou na fantasia. Baseado no livro de Daniel Wallace (Big Fish: A Novel of Mythic Proportions), o filme conta a trajetória mágica de Ed Bloom (Albert Finney/Ewan Mcgregor), uma espécie de Forrest Gump dos tempos modernos. Quando jovem, Ed saiu de sua pequena cidade para realizar uma volta ao mundo cheia de descobertas. A diversão predileta de Ed, sempre foi contar sobre as aventuras que viveu neste período, mesclando realidade com fantasia. As histórias fascinam todos que as ouvem, menos seu filho Will (Billy Crudup). Quando Ed descobre estar perto da morte, sua mulher Sandra (Jessica Lange) faz de tudo para reconciliar pai e filho. O final do filme é algo que faz tão bem ao coração que só de lembrar, esse mero cinéfilo que vos escreve se emociona nessas linhas finais.

Esse filme não é o número um dessa lista por acaso, um livro de Burton que dei recentemente para um certo alguém me fez acreditar que sonhos na vida real também e ainda são possíveis. Sem medo, com saudade, amando, sonhando… isso e um pouquinho de cinema, sempre!

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Espero que tenham gostado. Sugestões para os próximos artigos? Críticas sobre meus textos esquisitos? Rs. Mandem e-mail e/ou comentem no post. Saudações Cinéfilas!

10 Dicas de Filmes ATERRORIZANTES sobre stalkers e suas obsessões

Uma das sensações mais angustiantes é descobrir ser alvo de algum stalker. Muitas vezes com vítimas em momentos conflituosos de suas vidas, criminosos deixam qualquer sequência do viver dessas pessoas em total instabilidade. Algumas obras já abordaram esse tema. Abaixo segue 10 filmes para você conferir:

 

Invasão de Privacidade

Lançado no início da década de 90, dirigido pelo cineasta Phillip Noyce, baseado na obra Sliver, de Ira Levin, Invasão de Privacidade gira em torno de uma mulher que se muda para um prédio em Nova Iorque que é monitorado por um misterioso homem. Lá ela parte em busca da verdade após descobrir alguns assassinatos.

 

Assédio Mortal

Na trama acompanhamos os desenrolares conflituosos quando um ex-funcionário de uma empresa passa a nutrir uma obsessão por uma colega de trabalho e as consequências são trágicas.

 

O Lobo Atrás da Porta

Na trama, conhecemos Bernardo (Milhem Cortaz), um fiscal de uma empresa de ônibus, casado com Sylvia (Fabiula Nascimento) com quem tem uma filha. Quando a garota desaparece misteriosamente após ser pega por alguém na creche em que estava, Bernardo e Sylvia vão até a polícia onde um tenso interrogatório acontece. O delegado de plantão (Juliano Cazarré) começa a desconfiar de algumas versões da história e logo se descobre que Bernardo tem uma amante chamada Rosa (Leandra Leal) que também é convocada para prestar depoimento. O tempo passa e as verdades começam a aparecer.

 

O Homem Invisível

Na trama, somos apresentados a arquiteta Cecília Kass (Elisabeth Moss), uma mulher que está em plena fuga de seu casamento obsessivo com Adrian (Oliver Jackson-Cohen) e busca refúgio em sua irmã Emily (Harriet Dyer) e na casa do amigo policial James (Aldis Hodge). Tudo ia indo bem até que após ser anunciado o suicídio de Adrian, Cecília passa a ser perturbada por situações inusitadas como se um homem invisível estivesse a perseguindo, fato que se mostra verdade quando descobrimos que seu ex-marido, um bilionário do ramo da tecnologia, vinha desenvolvendo um trajeto inovador que transformava a pessoa em um ser invisível. Lutando para provar seus argumentos, a protagonista embarca em uma perigosa jornada rumo novamente à liberdade.

 

Atração Fatal

Dirigido pelo cineasta britânico Adrian Lyne, em Atração Fatal acompanhamos a história de um advogado casado que acaba traindo sua esposa com uma mulher. Quando resolve terminar de vez esse caso, a mulher não aceita ser rejeitada e passa a infernizar sua vida e a de sua família. O projeto é baseado no curta-metragem Diversion de James Dearden.

 

Louca Obsessão

Na trama, acompanhamos um pacato escritor de sucesso chamado Paul Sheldon (James Caan) que está prestes a entregar a primeira e única cópia de seu mais novo livro. No seu processo de escrever, ele sempre vai para uma cabana numa região gelada do estado do Colorado. Saindo desse lugar rumo ao encontro com sua editora, ele acaba sofrendo um grave acidente. Ele acorda em uma casa onde mora Annie (Kathy Bates) uma enfermeira super fã do escritor que viu o acidente e o ajudou. Nos primeiros dias de recuperação Paul acha que tirou a sorte grande mas aos poucos vai entendendo que se meteu em uma grande enrascada e precisa encontrar soluções para fugir daquele lugar.

 

Na Palma da Mão

Na trama, conhecemos Lee Na Mi (Woo-hee Chun) uma jovem super alegre que conseguiu uma oportunidade numa empresa de geleias e ainda ajuda seu pai no bem frequentado café da família. Certo dia, após uma noitada daquelas, ela deixa seu celular cair no ônibus. Uma misteriosa pessoa encontra o aparelho e a partir daí um jogo maquiavélico é imposto por um obsessivo criminoso. Ela precisara lutar com todas as forças quando seu mundo desaba completamente.

 

Cabo do Medo

Mais uma dobradinha entre dois gênios do cinema, Martin Scorsese e Robert de Niro, Cabo do Medo nos apresenta a história de um ex-presidiário, psicopata, Max Cady que após passar mais de uma década na prisão, consegue a liberdade e vai atrás do seu ex-advogado que reteve provas que poderiam aliviar sua sentença. O projeto é baseado no romance The Executioners, escritor por John D. MacDonald no final da década de 50 e também é um remake do filme Círculo do Medo dirigido por J. Lee Thompson.

 

A Mão que Balança o Berço

Na trama, conhecemos o casal Claire (Annabella Sciorra) e Michael (Matt McCoy), ela uma dona de casa, ele um engenheiro genético. A dupla percorre seus dias felizes e com a recente chegada do novo filho resolvem ir procurar uma babá para ajudá-los, assim encontram Peyton (Rebecca De Mornay). Só que a nova babá não é quem diz ser e aos poucos emplaca um plano de vingança. O título do filme veio inspirado em uma frase escrita pelo poeta William Ross Wallace que relaciona a maternidade com as mudanças no mundo.

 

Ata-me!

Na trama, conhecemos Ricky (Antonio Banderas) um jovem sedutor que passou grande parte do seu tempo em vida em instituições psiquiátricas. Quando enfim consegue a liberdade, não pensa duas vezes e vai atrás de sua atual obsessão, Marina (Victoria Abril) uma ex-atriz pornô que está atualmente rodando um longa-metragem. A perseguição começa e logo Ricky consegue prender Marina em seu próprio prédio buscando durante dias fazer com que ela o aceite como seu amado.

 

10 filmes para inspirar você a buscar um novo amor

Olá pessoal! Nessa semana, tive o saudável exercício cinéfilo de encontrar 10 filmes para inspirar você a buscar um novo amor. Aí, as pessoas me perguntam: “Rapha, mas porquê?” Pessoal, recebi muitos e-mails, mensagens, inboxs no facebook pedindo uma lista com filmes que falam sobre amor e que foram exibidos rapidamente em nosso circuito. Além de tudo, tentei fugir ao máximo dos clássicos do gênero Antes do Amanhecer, Apenas uma Vez, 500 Dias com Ela , pois são filmes que todo mundo já conhece e que estão em dezenas de listas espalhadas pela Web.

Assim, coloquei minha mente cinéfila para processar e sugerir a vocês filmes que realmente vão inspirá-los a seguir em frente e acreditar que sempre é possível encontrar um grande amor.

 

Abaixo, a lista com os 10 filmes para inspirar você a buscar um novo amor:

 

10. A Filha do Pai (La Fille du Puisatier, 2011)

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A beleza das sequências iniciais acoplada a uma belíssima trilha de Alexandre Desplat ao fundo já enche o espectador de entusiasmo para conferir o primeiro filme do argelino Daniel Auteuil como diretor, A Filha do Pai. Com ótimos diálogos, personagens cativantes, o longa conquista o público de maneira instantânea. Há risadas e mais risadas do público que se diverte muito ao longo da fita. Mas o filme não é apenas cômico, tem a essência voltada ao drama da protagonista por isso também comove e deixa a plateia com um prato cheio para se emocionar também. A delicadeza e a ingenuidade da jovem protagonista (interpretada pela bela Astrid Bergès-Frisbey) entram em conflito com a maturidade que há dentro da mesma. É um embate injusto: a guerra entre os homens separam a jovem de seu primeiro e grande amor, seu pai que tanto ama a expulsa de casa e seus sogros não reconhecem seu primeiro filho. O longa prova uma grande lição de moral em relação a muitos aspectos.

 

09. Românticos Anônimos (Les émotifs anonymes, 2010)

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A apresentação do sentimento mais puro que temos, para duas pessoas longe da normalidade, é feita de maneira bem recheada com açúcar, nessa simpática fita francesa. Na emocional história dirigida por Jean-Pierre Améris, que promete agradar a muitos cinéfilos, o mundo dos doces volta a ser tema de uma comédia romântica. O amor vai nascendo da maneira mais singela. As neuroses, por serem semelhantes, vão encurtando os obstáculos do amor. Simplesmente inesquecível esse belo trabalho.

 

08. Celeste e Jesse – Para Sempre (Celeste & Jesse Forever, 2012)

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Com uma abertura trivial mas criativa Celeste e Jesse – Para Sempre dava a entender que seria mais um filminho bobinho sobre casais e seus problemas amorosos afetivos. Bem, se enganará quem pensar assim. O novo trabalho do cineasta Lee Toland Krieger é um drama com pitadas de humor mais profundo do que parece a princípio. Existem histórias de amor ‘cult’ comuns e outras apenas ‘light’, essa fita se encaixa eu todas essas características pois tem um roteiro maduro que transforma os personagens ao longo da fita. Esse longa é mais profundo, tem diálogos mais inteligentes e maduros. Afinal, que não gosta de uma boa comédia dramática romântica? Fica a dica!

 

07. Juan e a Bailarina (La Sublevación, 2011)

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Eram pouco mais de 19:00 horas, no primeiro domingo do Festival do Rio de Cinema de 2011 (na época o filme em questão ainda era intitulado como “O Levante”). Vestindo uma camisa roxa e com um discurso emocionado, o diretor Raphael Aguinaga comove a plateia antes do filme começar. Suas palavras interagem tão bem que torcíamos para que o longa tivesse ao menos metade daquela qualidade. Após a sessão, a certeza dessa produção Argentina, com pitadas brasileiras, ser a grande surpresa do festival não restava dúvidas. Um sentido à vida é a busca constante, às vezes inconsciente, desses cidadãos abandonados que se sustentam na amizade. A empolgação do público é a prova da incrível simpatia que o longa transpira da telona até poltrona mais próxima. Certamente agradará muitos cinéfilos. A mensagem que filme de Raphael Aguinaga deixa é a de que sempre brotará uma esperança dentro de nós. Se emocione, divirta-se e surpreende-se! Juan e a Bailarina é garantia de qualidade! Fuja dos vampiros, veja filmes com elegância!

 

06. Entre o Amor e a Paixão (Take this Waltz, 2011)

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Como não gostar de um casal que comemora o aniversário de casamento indo ao cinema? Com uma abertura detalhista, a rainha do drama Sarah Polley une a ex-Marilyn Monroe, Michelle Williams e o ator de comédias Seth Rogen em um filme profundo em busca da verdadeira essência da felicidade, assim começamos falando do ótimo Entre o Amor e a Paixão. Será que um olhar vale mais que mil palavras? Somos testemunhas de uma grande direção. Cenas belíssimas vão compondo o longa. A cena da piscina é ótima, praticamente coloca o espectador em um novo capítulo. Isso é um fator positivo, pois, é como se uma mágica é quebrada ao toque daqueles pés molhados. Só mesmo vendo para entender. O estilo meio paradão pode afastar alguns cinéfilos. Por isso o aviso: não corram! Dê uma chance dessa história chegar até você. Cenas de sexo em panoramas 360 graus, pensamentos que se esbarram em metáforas, o desfecho se constrói com base na premissa: entre amores e paixões faça a escolha certa! Confira esse filme.

 

05. A Vida de Outra Mulher (La vie d’une autre, 2012)

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“..não importa para onde vão ou se serão felizes, o que importa é você sonhar..” Em seu primeiro longa metragem, como diretora, Sylvie Testud explora a mágica do universo da viagem no tempo, com toda a trama sendo executada por personagens carismáticos, porém, bastante complexos, que às vezes se perdem nas composições e direcionamentos que a história vai rumando. A musa francesa Juliette Binoche mais uma vez exala talento e se torna um dos destaques da fita. O roteiro ganha o público pelos excelentes (e profundos) diálogos. A ato final, a declaração, a exposição do sentimento de maneira viva, nua e crua é algo primoroso e leva às lágrimas os cinéfilos que conseguem se identificar, de alguma maneira, com aquela história. É impressionante como Binoche se transforma nos personagens, mesmo o filme ser longe de ser um espetáculo, a artista francesa precisa de poucos minutos para ganhar a confiança e simpatia do público. Em seu desfecho, as opiniões serão diversas. Na cena final, não importa para onde vão ou se serão felizes, o que importa é você sonhar! Veja esse filme!

 

04. À Beira do Caminho (idem, 2012)

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Até onde o destino te dá uma segunda chance para apagar o passado e criar um novo futuro, a partir dos seus atos no presente? O novo longa nacional, À Beira do Caminho, lançado estrategicamente no fim de semana do Dia dos Pais, é um trabalho com emoção à flor da pele embutida na trajetória de um homem em busca de redenção e um menino à procura de seu pai. O filme faz questão de ser comovente, onde muitos dos méritos são oriundos da boa condução da fita pelo diretor Breno Silveira. Mesmo sendo muito longo e com algumas cenas desnecessárias, esconder a verdadeira história, por trás do passado do personagem principal, é uma sacada brilhante desse belo filme nacional. O elenco consegue passar ao público muita verdade, emoção e comove em muitas sequências. João Miguel é um dos melhores atores que temos em nosso cinema. Dira Paes ilumina quando em cena. Quer se emocionar? Dê uma chance ao nosso cinema, filmes como esse você deve assistir.

 

03. A Vida dos Peixes  (La Vida de los Peces, 2010)

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É difícil pensar que um filme chileno, país de pouca expressão no mundo do cinema, possa mexer tanto com o espectador em menos de uma hora e meia de fita. Em A Vida dos Peixes, a simplicidade que sempre devemos levar em consideração em qualquer produção de orçamento baixo, é o pontapé inicial positivo desse trivial/genial longa. Pegaram poucos recursos (até mesmo locações, só tem uma) mas com muita mão-de-obra qualificada (sim, os atores) e colocaram no liquidificador, deu certo. Matías Bize (que dirigiu o intenso Na Cama) é o comandante desse grande filme. O diretor enriquece a fita com detalhes e ótima movimentação da sua inteligente câmera. No elenco dois atores que se completam muito bem em cena: Santiago Cabrera e Blanca Lewin dão vida aos personagens que comovem o público com suas incertezas e desejos evidentes um pelo outro. A trilha sonora é uma crítica à parte. Algo maravilhoso, preenche cada lacuna daquele especial momento na vida dos corações apaixonados. Extremamente recomendado! E você que não gosta de cinema sem ser o “americano”, larga esse preconceito bobo e vá ver filme latinos, sempre achamos bons trabalhos, está cada dia melhor!

 

02. O Lado Bom da Vida (Silver Linings Playbook, 2012)

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Partindo da premissa: Você não pode ser feliz o tempo todo, foram moldados personagens nus e crus, cada um com sua loucura. Esse é o grande achado dessa ótima fita O Lado Bom da Vida. O ritmo dançante transforma o filme em uma deliciosa história de amor, louco como qualquer romance do lado de cá da telona. A trilha sonora é muito boa, vai se encaixando com as sequências como uma moeda entrando num cofrinho. Há algumas previsibilidades mas nada que atrapalhe a interação com o público. Ótimas atuações, roteiro afiado e direção perto do impecável. Já viveu um louco amor? Não perca O Lado Bom da Vida.

 

01. Ferrugem e Osso (De rouille et d’os, 2012)

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Quantas formas de amor existem? Escrito e dirigido pelo cineasta francês Jacques Audiard (O Profeta), Ferrugem e Osso é um drama que consegue tocar a alma de todos os espectadores de maneiro bruta, intensa, deixando um rastro de emoção em cada sequência. Estrelado pela ganhadora do Oscar Marion Cotillard (Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge) o filme é adaptado de uma história do autor Craig Davidson que mais parece o encontro da era moderna entre a bela e a fera. Com locações na França e na Bélgica e estimado em mais de U$$ 15 milhões de dólares Ferrugem e Osso é um filme marcante que vai fazer você refletir.

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Gostaram? Odiaram?  Comentem! É muito legal quando vocês participam! Agora, deixa eu me arrumar pois vou para o cinema ver um filme!  Abraços, Rapha!

10 Filmes de Animação que valem a pena conferir MAIS de uma vez

As técnicas de animação aplicadas nos mais diversos gêneros cinematográficos já nos trouxeram histórias inesquecíveis, muitas dessas realizadas por brilhantes artistas. Pensando em algumas dessas obras e pra você que ama esse universo, segue abaixo uma lista com ótimas produções:

 

Röckët Stähr’s Death of a Rockstar

Na trama, vemos o início de uma nova revolução no mundo. Estamos no ano de 2164 e movimento rock and roll não existe e ainda é calado por autoridades de personalidades duvidosas. Mas um excêntrico cientista imerso em suas ideias e loucuras resolve criar um rockstar clonado para fazer uma enorme turnê global e assim buscar resgatar a voz individual de cada um de nós. Mas nem todo o plano feito com boas intenções acaba dando 100% certo e obstáculos vão aparecer nessa jornada.

 

Soul

Na trama, conhecemos o músico e professor de música no colégio Joe (Jamie Foxx – dubla na versão original), um homem solitário que tem a paixão pela música e mais especificamente o Jazz como motores de sua felicidade. Certo dia, consegue a grande chance de sua vida e tocar em um quarteto de uma grande diva do Jazz. Só que Joe acaba sofrendo um acidente e acaba indo parar em uma espécie de pré-paraíso, um mundo das almas, onde conhece 22 (Tina Fey – dubla na versão original) uma alma descrente sobre a vida. Enquanto seu corpo está respirando por aparelhos no hospital, Joe e 22 embarcarão em uma aventura para tentar levar Joe de volta a seu corpo e também fazer com que 22 muda suas ideias pré conceituais do mundo.

 

A Canção do Oceano

Na trama, conhecemos o jovem Ben, um menino meio tristonho que mora com seu deprimido pai e sua irmã Saoirse, em uma região isolada, cercada por águas para tudo que é lado. Ben sente muita falta de sua mãe que certo dia, nãos atrás, foi embora e nunca mais voltou. Certo dia, após uma série de acontecimentos se envolve em uma aventura com sua irmã para salvar o mundo dos espíritos e outros seres mágicos.

 

Vidas ao Vento

Em uma época de afirmação militar buscada por todas as grandes potências do planeta, toda a esperança da aviação japonesa se encontra nas mãos do sonhador engenheiro Jirô Horikoshi. O jovem míope sempre sonhou em ser um grande piloto mas por não ter todas as qualidades para tal se forma na universidade entre os primeiros da turma e se torna uma referência como designer de aviões. Quando consegue uma chance para trabalhar em uma grande fábrica, Jirô precisará sonhar cada vez mais para realizar seu feito mais marcante. Ao mesmo tempo, encontra o grande amor que sofre com uma doença maligna.

 

A Viagem de Chihiro

Uma das mais aclamadas animações japonesas, lançada há 20 anos atrás no Brasil, com direção do genial Hayao Miyazaki nos mostra a saga de uma jovem que precisa buscar soluções quando em uma viagem de mudanças certas situações acontecem.

 

O Menino e a Garça

Na trama, ambientada no Japão em tempos de Segunda Guerra Mundial, conhecemos Mahito, um jovem que perde a mãe muito cedo em uma tragédia por conta dessa terrível guerra. Tempos depois ele se muda com o pai para uma enorme propriedade na zona rural japonesa onde tem o primeiro contato com a nova madrasta. Essa última de quem não consegue se aproximar por achar que ela está roubando o lugar de sua mãe. Desbravando a extensa propriedade que é seu novo lar, acaba descobrindo um lugar que logo se mostra uma espécie de portal. Quando sua madrasta some, o protagonista embarca na sua aventura indo até esse lugar mágico junto com uma curiosa garça e lá o confronto com um universo de situações que ele jamais imaginaria encontrar se mostra à sua frente.

 

Orion e o Escuro

Na trama, acompanhamos Orion (Jacob Tremblay), um menino de 11 anos desconfiado de tudo, cursando a 5ª série, que vive pensando sempre nas coisas negativas que podem acontecer, vivendo seus dias em constante aflição e com a mente repleta de imaginação. Dentro esse leque de medos, o escuro é o número um. Certo dia, durante a noite, acaba conhecendo o próprio escuro (Paul Walter Hauser), uma criatura gigante que o leva para um tour fazendo o protagonista descobrir uma visão diferente de muitos medos que tinha.

 

O Despertar de Aurora

Na trama, voltamos em uma extensa linha temporal, até a Primavera de 1925 onde conhecemos Aurora, uma jovem até então com 14 anos que travou uma enorme luta para fugir dos horrores do genocídio armênio e anos depois conseguiu chegar em Nova York onde conheceu as várias facetas da fama em meio a uma Hollywood na era do cinema mudo. Contando sua história ao mundo, no forte mercado de cinema, interpretou a si mesma no filme Auction of Souls (Leilão de Almas, 1919), um filme que se perdeu com o tempo, caindo no esquecimento.

 

Apollo 10 e meio: Aventura na era Espacial

Na trama, ambientada no final da década de 60, conhecemos Stan, um jovem que mora com sua grande família numa região de Houston, próximo de onde são feitos os lançamentos dos foguetes da NASA. Certo dia, o jovem é selecionado para uma missão secreta da NASA com objetivo de testar o módulo lunar dias antes de Neil Armstrong e Cia irem dar um passeio na lua. Assim, vamos conhecendo mais a visão desse jovem e todas as referências que o cercavam naquele momento.

 

O Túmulo dos Vagalumes

Produzido pelo Studio Ghibli, baseado no conto Hotaru no Haka, de Akiyuki Nosaka, em O Túmulo dos Vagalumes conhecemos a luta pela sobrevivência de dois irmãos durante a Segunda Guerra Mundial.

 

 

A Grande Beleza

Um dos diretores mais fantásticos do cinema atual Paolo Sorrentino (que dirigiu a ótima atuação de Sean Penn no filme Aqui é o Meu Lugar) chega novamente aos cinemas brasileiros apresentando um personagem e seu conflito. Dessa vez, criticando assiduamente a alta sociedade europeia, seus altos e baixos, coloca um recheio de exuberância, luxo, dança e glamour através do olhar do amadurecimento de um homem e seus passeios nas memórias.

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Jep Gambardella – interpretado pelo excelente ator italiano Toni Servillo (A Bela que Dorme) – anda e contempla sua cidade, Roma. Sempre muito elegante, com seus ternos caros e seus sapatos de grife, o jornalista (famoso por ter escrito um best-seller) vive diariamente em festas na alta sociedade italiana. Cercado de pessoas e contatos importantes, somos testemunhas de diálogos maravilhosos, repletos de sarcasmo, sentimento e verdades proibidas. Levando sua vida entre um deboche e outro, Jep começa a repensar sua vida quando abordado insistentemente sobre suas próximas publicações.

Coreografias remexendo os quadris, quase um flashmob no melhor estilo macarena, além de um coral afinado anunciam que estamos prestes a entrar em um mundo exclusivo, onde só os poderosos possuem acesso. Conhecemos essa história pelo olhar amadurecido de seu protagonista. Somos jogados para um delicioso passeio dentro da alta sociedade italiana pelo olhar e conhecimento do grande personagem principal, que não deixa de ser um fantástico contador de histórias.

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Muitos vão achar que o filme não deixa de ser um resumo de contos de um excêntrico jornalista, acomodado, que começa a ter pequenos lapsos de uma grande mudança em sua vida, oriunda de lembranças de seu primeiro amor. As reflexões e conclusões geniais do Bon Vivant moldam a história escrita por Sorrentino. A perereca soviética, as confissões de um padre quase papa, as girafas que somem, poderiam muito bem ser modelados como contos que juntos formam esse belo filme.

Aos amantes de obras de arte, A Grande Beleza permite um grande tour, exclusivo para príncipes e princesas, por dentro de corredores memoráveis lembrando muito – nestas sequências – o clássico filme do russo Aleksander Sokurov, A Arca Russa. O protagonista fascina pois conhece tudo e todos. Molda seus raciocínios através da larga experiência que possui dentro dessa burguesia dominadora em que vive. O único defeito do filme é o fato de se prolongar muito no seus últimos atos. Diversas conclusões são repetidas deixando o longa-metragem repleto de densidade. O público quase cansa com toda essa repetição que chega aos nossos olhos em forma de realidade que beliscam as fábulas mais bem contadas. Por sorte, a direção é impecável e a história seduz, dando créditos.

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O amor muda destinos, modifica vidas, são dessas escolhas que vivem um ser humano, não há como negar. Sua trajetória só tem um guia, você. Seja quais forem suas escolhas daqui para frente, uma escolha certa é assistir a essa grande história.

Crítica | ‘Congonhas: Tragédia Anunciada’ – Minissérie da NETFLIX apresenta detalhes impressionantes do maior acidente aéreo da América Latina

Vida, verdade, justiça. Trazendo ao público detalhes impressionantes da trágica história do maior acidente aéreo da América Latina, a minissérie documental investigativa Congonhas: Tragédia Anunciada parte da dor das famílias – com muitos depoimentos de cortar o coração – rumo a uma análise bem apurada sobre responsabilidades pelo ocorrido, chegando em fatores políticos e econômicos de um setor que vinha de uma série de instabilidades e incertezas.

O fato, de repercussão internacional, se desenrolou da seguinte forma: na tarde de 17 de julho de 2007 um avião Airbus A320 da TAM decolava do aeroporto Salgado Filho em Porto Alegre rumo a um outro que fica no meio da cidade de São Paulo, Congonhas. Ao se aproximar para pouso, com chuva e tempo instável, não consegue frear a tempo e atravessa a pista se chocando em alta velocidade com um prédio da própria companhia aérea. A vida de quase 200 pessoas seriam perdidas nesse momento.

(Créditos: Divulgação/Netflix)

 

Após o ocorrido, uma série de situações transformaram esse acontecimento em um tabuleiro de muitas perguntas e respostas, inclusive com o circo midiático a todo vapor em cima de personagens que de alguma forma estavam no raio do contexto do que as investigações viriam a descobrir. A proposta dessa minissérie documental – feita com uma impressionante pesquisa – é exatamente, ao longo dos seus três impactantes capítulos, acompanharmos pontos de vistas, reportagens, depoimentos, situações e ações que fizeram parte dessa tragédia anunciada.

(Créditos: Divulgação/Netflix)

No seu capítulo inicial somos apresentados a história de familiares e o início de suas lutas por justiça pela morte de seus parentes. A partir do segundo capítulo, o projeto encontra um caminho detalhista para traduzir em uma narrativa imersiva a fatos e situações que circularam meses próximos da data do ocorrido. Confusões, ‘Apagão Aéreo’, e um certo caos no setor ganham argumentos em amplo contexto que vai de encontro a fatores políticos, escolhas e decisões da companhia aérea, da Infraero e no centro dos holofotes a Agência Nacional de Aviação Civil (Anac).

(Créditos: Divulgação/Netflix)

Criada e roteirizada por Angelo Defanti (que em seu trabalho anterior, Veríssimo, nos brindou com um documentário belíssimo sobre o escritor Luís Fernando Veríssimo), Congonhas: Tragédia Anunciada apresenta a dor e a insensibilidade, um contraste marcante que não deixa de representar os fatos reais de uma tragédia que nunca será esquecida.

Até o Fim

O que fazer quando tudo está perdido, exceto a alma e o corpo? Depois de dirigir o excelente Margin Call – O Dia Antes do Fim, o diretor norte americano J.C. Chandor chega aos cinemas com um drama que lembra muito outros filmes de sobrevivência mas com o pecado de não ter uma apresentação decente sobre a história de seu protagonista. Até o Fim conta apenas com Robert Redford na frente das câmeras e isso infelizmente é muito pouco para agradar ao público.

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Na trama, acompanhamos um experiente velejado que precisa enfrentar o maior desafio de sua vida quando, em alto mar e sozinho, em seu barco atingido por um container gigante e repleto de sapatos. Com sérias avarias em seu barco, precisa lutar dia e noite para sobreviver. Não sabemos a história do protagonista, nem ao menos seu nome. Isso atrapalha a interação com o público. Uma breve introdução ajudaria muito a criar laços de empatia, até mesmo para aumentar a torcida para um desfecho feliz e suporte para aguentar as maçantes cenas de aventura em alto mar.

O veleiro é moderno e conta com toda a tecnologia disponível nos dias de hoje. Mesmo assim, não é páreo para a força da natureza e aos acasos que o destino coloca em nossa frente. Por conta do acidente, se transforma em uma jangada pouco operante. Mesmo tendo completo domínio sobre a embarcação, o protagonista precisa tomar rápidas e difíceis decisões. O personagem demonstra uma frieza muito grande ao enfrentar esse contratempo. Parece que assim que ocorre a fatalidade, liga o seu botão da razão e esquece a emoção.

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Respiração, transpiração e expressões de tensão são alguns dos poucos movimentos que percebemos do protagonista. Se Tom Hanks tinha o Wilson como companhia (no ótimo filme O Náufrago), o veterano Robert Redford tem apenas o esforço e talento de tentar passar toda a agonia e desespero de seu protagonista. Mesmo o filme tendo uma duração aceitável para trabalhos do gênero, falta muita coisa para agradar aos cinéfilos.

 

 

Crítica | ‘O Eternauta’ – NETFLIX brinda o público com uma competente adaptação de uma famosa história em quadrinhos

O silêncio e o estrondo nas relações humanas. Enfim chegou na Netflix a tão aguardada série argentina O Eternauta, protagonizada por Ricardo Darín, baseada na clássica história em quadrinhos de ficção científica criada por Héctor Germán Oesterheld (em colaboração com o desenhista Francisco Solano López), crítico ferrenho aos golpes de estado que marcaram o cotidiano dos nossos vizinhos. Tem invasão alienígena, dilemas dilacerantes, viagem no tempo, várias surpresas e muito mais!

Com uma veia crítica afiada e apontada para os deslizes da sociedade em momentos de crise, essa releitura da criação de Oesterheld nos joga para uma gangorra de paranoia aliada ao medo concreto onde um novo sentido do confiar cria barreiras e dilemas, escancarando em camadas sutis as relação familiares e de amizade. Irmãos, pais e filhos, amigos de longa data se veem na necessidade de ativar o instinto de sobrevivência, colocando qualquer laço à prova.

Sempre renovando uma amizade de quase 40 anos, quatro amigos se reúnem toda sexta-feira para jogar truco. Num desses dias, algo estranho acontece. Ao perceberem estar sob uma misteriosa e mortal nevasca, Juan Salvo (Ricardo Darín) e o restante do grupo precisarão encontrar soluções para sobreviver quando os perigos se mostram presentes. Conforme os dias passam começam a entender que uma invasão aconteceu e nada será como antes.

Ao longo dos seis episódios dessa primeira temporada, que começa com um piloto morno mas que apara o terreno para os cinco restantes deixarem nossos olhares não saírem de perto da televisão, buscamos decifrar um enorme contexto – ainda pouco explicado – através de um pai em busca da sua única filha.

Entre caminhadas solitárias e ações em grupo percebemos ao longo dessa primeira temporada a essência do que está nos quadrinhos. Trazendo as prováveis uniões e a ação conjunta a favor de um objetivo, esse espírito do ‘herói coletivo’ está nítido desde os primeiros minutos. As linhas tênues entre a moral e a ignorância também se mostra presente quase numa espécie de investigação sobre o comportamento humano em momentos decisivos.

Como tudo mudou é capaz de você mudar também. Com os pés no chão sem deixar se levar pelas infinitas possibilidades mirabolantes de caminhos para se reconstruir essa emblemática história, o criador e roteirista da série Bruno Stagnaro explora os conflitos de seus personagens de forma inteligente nos levando para embates que tem como base a: superação vs limitação.

Para criar essa distopia, de invasão do mundo que conhecemos, é importante mencionarmos a impecável direção de arte que com muita criatividade consegue ser um importante elemento. Realmente nos sentimos passeando pelas famosas ruas de Buenos Aires. As filmagens duraram cerca de 5 meses na capital argentina, e se espalharam em cerca de 50 locações. Além disso, contou com quase 3.000 artistas entre elenco e figurantes.

Com ainda muitas pontas soltas e apresentando apenas um pequeno pedaço de toda uma enorme história cheia de reviravoltas, O Eternauta chegou com sua primeira parte buscando explorar cada cantinho dessa distopia que traça pelas entrelinhas vários paralelos com a realidade. E atenção: logo nos créditos do último episódio dessa jornada de seis episódios, a confirmação: teremos uma segunda temporada! Aguardaremos!

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Se apaixonar é uma forma socialmente existencial de insanidade? Depois de apresentar ao mundo uma versão peculiar da tristeza por meio de metáforas e universos inimagináveis, no longa-metragem Onde Vivem os Monstros, o diretor norte-americano Spike Jonze volta aos cinemas, quatro anos depois, com um projeto audacioso que fala sobre o diferente relacionamento no futuro entre um homem e uma máquina, Ela. Com muita suscetibilidade aplicada nas ações dos personagens, o famoso diretor precisava de um ator completo para executar o complexo protagonista. E acreditem, não havia escolha melhor do que Joaquin Phoenix. O porto-riquenho de 39 anos conquista o público, já nos primeiros segundos, com um maravilhoso monólogo.

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Na trama, conhecemos Theodore Twombly (Joaquin Phoenix), um escritor de cartas melancólico sem muitos amigos e que vive pacatamente sua rotina de trabalho. Sua restrição social é provocada pelo rompimento com sua ex-mulher Catherine (Rooney Mara), de quem não consegue se libertar. Certo dia, caminhando pelas ruas vê o anúncio do primeiro sistema operacional com inteligência artificial e resolve levar para casa. Para sua surpresa, esse sistema é uma entidade intuitiva que entende Theodore por completo. Em uma rápida busca, um nome entre 180 mil encontrados foi o escolhido, e a dona desse nome vai mudar sua visão do mundo para sempre, e a dos cinéfilos também já que quem faz a voz do tal sistema operacional é a musa Scarlett Johansson.

É muito difícil perder alguém que a gente gosta. Aos poucos Theodore começa a entender que amar também é deixar ir embora. A melancolia do personagem é maravilhosamente bem interpretada pelo ótimo ator Joaquin Phoenix. Conseguimos sentir toda a tristeza, sentimentos e em certos pontos nos identificamos com Theodore. Muitas vezes com sua emblemática camisa de cor salmão, o inteligente personagem, escrito por Jonze, tem um pensamento triste e constante de que já sentiu tudo que deveria sentir na vida e não sentirá nada de novo, só versões menores do que um dia já viveu. Sair dessa melancolia, sem a ajuda do Lars Von Trier, é uma caminhada muito bonita que acompanhamos atentos em cada detalhe, cada atitude do personagem.

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A esquisita relação de amor entre um homem e uma máquina é brilhantemente bem explorada ao longo de todo o filme. Uma coisa nunca antes imaginada, se torna para Theodore uma experiência grandiosa de auto-descoberta, renovação de seus sentimentos e da sua vida. A visão que todos os outros ao seu redor possuem sobre essa relação também é um ponto interessante, existem muitos apoios para que ele continue, principalmente por conta das mudanças positivas que o personagem passa ao longo desse relacionamento.

Ela é um filme sobre momentos, experiências, atitudes, formas de viver. Um projeto diferente, inovador e deveras inteligente. Esse é um daqueles filmes que pode fazer você realmente mudar sua visão sobre o mundo em que vive. Abra seu coração. Você, ela e todo mundo precisam conferir essa fita e deixar de vez viva uma das premissas mais verdadeira que existem, a de que o passado é só uma história que nós contamos. Bravo!

Crítica | ‘Monsieur Aznavour’ – Um quebra-cabeça emocional do lendário cantor francês Charles Aznavour

A incessante busca pelos aplausos. Com o enorme desafio de contar em cerca de duas horas momentos marcantes de um dos mais populares e longevos cantores franceses da história, a dupla Mehdi Idir e Grand Corps Malade opta pelas pinceladas em atos bem divididos trazendo ao público fragmentos da vida de Shahnour Vaghinagh Aznavourian, também conhecido como Charles Aznavour. E para dar vida a esse ícone musical, o escolhido foi o ator Tahar Rahim que brilha com uma atuação maravilhosa e uma intensidade nítida do início ao fim. Não há dúvidas que esse era o nome certo para o papel.

Em Monsieur Aznavour somos testemunhas da reunião de um apanhado de histórias reais que moldaram a vida pessoal e carreira do conhecido artista das multidões. Passando por inúmeros anos, desde a infância com a instabilidade financeira do pais refugiados, percorrendo os horrores da guerra e também seu lado mulherengo, no longa-metragem selecionado para a 1ª edição do Festival de Cinema Europeu Imovision vemos uma história com altos e baixos de uma trajetória guiada pela força de canções românticas imortalizadas.

O roteiro busca um retrato amplo mas com poucos contextos, fato que deixa lacunas com a falta de profundidade. Mesmo com uma narrativa impulsionada por um dinamismo que funciona, derrapa no bumerangue de informações que envolvem ambições conflitantes e dilemas. Ao apresentar uma personalidade melancólica, um eterno insatisfeito e até certo ponto distante dos laços familiares, vemos de maneira simplória um homem atrás dos seus sonhos, vivendo intensamente a boemia e aproveitando cada lição dos encontros que o destino lhe reservou.

Para os amantes da música europeia, momentos marcantes são reservados. O convívio e aprendizagem com Edith Piaf (Marie-Julie Baup) ganham ótimas cenas dentro do projeto. Ela foi um elemento impulsionador de sua carreira ao levá-lo para abrir seus shows na França e em outros lugares do mundo. Junto a esse ponto, seu convívio e conflitos com o pianista Pierre Roche (Bastien Bouillon) se tornam os momentos de maior destaque. Sobre esse último citado, formou um duo com o protagonista que foi praticamente o início de tudo para Aznavour.

O processo criativo, fator importante dessa caminhada do cantor e compositor que escreveu mais de 800 canções e vendeu cerca de 200 milhões de álbum em todo o mundo, é aqui aliado a sua eterna luta para provar seu talento. Não passando a mão na cabeça do elemento central dessa cinebiografia, é apresentado visões de fatos que culminam numa personalidade workholic e muitas vezes insensível. Será isso algo que possa chocar os fãs?

Monsieur Aznavour teve quatro indicações ao Prêmio César (o Oscar Francês) e deve chegar ao cinemas brasileiros ainda em 2025.

Oldboy – Dias de Vingança

Quando se encontra a liberdade, o resto é silêncio. Com a difícil missão de criar um remake de um dos filmes orientais mais aclamados por crítica e público em toda a história do cinema, o diretor norte-americano Spike Lee tenta mas não consegue muito êxito na sua versão de Oldboy. Com a mesma chuva, o mesmo porre e uma introdução mais comprida e detalhada o filme até que começa muito bem só que acaba caindo na armadilha de tentar ser melhor que o original, e aí caros amigos, vai tudo por água abaixo. Um rápido exemplo: a aguardada cena do martelinho contra milhões frustra os cinéfilos. Do modo norte-americano de reproduzir tal sequência, vira uma espécie de jogo Arcade: Cadilac Dinossauro ou Street of Rage para citar dois apenas. Somente Tarantino saberia igualar ou melhorar tal cena, histórica para o cinema.

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Na trama, conhecemos o alcoólatra e cafajeste Joe Doucett (Josh Brolin). Um homem odiado por muitos que após uma reunião imperfeita em um chique restaurante, resolve afogar sua mágoas e beber além da conta, acabando acordando em um misterioso quarto de hotel. Aos poucos, Joe vai descobrindo que está sendo na verdade mantido como refém e isso continua por intermináveis 20 anos. Até que um dia, após uma tentativa frustrada de fuga, é largado dentro de uma mala no meio de um vasto campo verde e assim inicia sua busca pela filha abandonada e por vingança.

A virada do século, o escândalo de Clinton, o atentado as Torres Gêmeas e outras tragédias norte-americanos são vistas sob a mesma ótica pelo seqüestrado. Se Tom Hanks tinha Wilson, Josh Brolin ganha um amigo hamster para dividir um pouco da dor de seu sofrido personagem. Esse momento, o dos 20 anos em cárcere privado, é mal explorado e acaba ficando muito corrido o que provoca uma falsa empatia do público com o protagonista da história. Assistindo Xena, Telequete e algumas outras bobagens na Tv, o personagem vê sua barba crescer, malha todo dia e incrivelmente não envelhece.

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O Oh Dae-su norte-americano ganha um Iphone e utiliza o Google para buscar os possíveis responsáveis pelo seu seqüestro. Esse uso da tecnologia, na verdade uma nova ferramenta de ambientação da história, até certo ponto descaracteriza um pouco a trama original. Não adianta colocar caixinhas de comida chinesas, guarda costas orientais que isso nem um pouco transfere toda aquela atmosfera conseguida por Chan-wook Park e Cia no filme sul-coreano. E pra piorar, as refeições do sequestrado tornam-se oportunidades para diversas marcas de comida famosas terem na vitrine da telona o seu produto escancarado. Nem ao menos delicado foi feito isso, lamentável.

Josh Brolin se esforça e tanta dar sua cara ao protagonista deste remake. Gritando muito, com cara de carrancudo em todas as sequências as vezes parece não dominar seu personagem por completo. Já, a mais competente artista da família Olsen, Elisabeth, consegue suavizar a sua personagem-chave adicionando muito à trama. A atriz de 24 anos tem uma cena com Brolin bem caliente, o que deve elevar mais ainda a faixa etária do filme. Mas o destaque mesmo nas atuações vai para o sul-africano Sharlto Copley (Distrito 9 / Elysium) que interpreta com eficácia o grande vilão da história.

Resumindo, o que todo cinéfilo temia acontece, mais um remake que não dá certo. Salvo Fincher e seu Millenium primoroso, recentemente falando, é muito difícil reproduzir um clássico do cinema, em outros moldes, em outros tempos, com outra leitura da mesma história. E não adianta vir com o papo de que cada filme é único e que não deve-se  comparação. No caso de Oldboy – Dias de Vingança (que subtítulo mais horroroso), por tentar ser um filme para americano ver, acaba perdendo toda a essência de uma incrível aventura em busca de vingança.

10 filmes tão CHATOS que explodem nossa paciência!

Tem algumas obras cinematográficas que são um verdadeiro teste de paciência! Como nunca sabemos o que esperar ao assistir um filme, muitas vezes seduzidos por sinopses que chamam a atenção, volta e meia caímos em verdadeiras ciladas! Pensando sobre esse curioso recorte do mundo cinéfilo, listamos abaixo 10 filmes tão CHATOS que explodem nossa paciência!

 

O Melhor do Mundo

Gallo (Michel Brown) é um workholic clássico. Produtor de um programa sensacionalista, vive 24 horas para seu trabalho fato que deixa sua relação com a família muito distante. Quando sua ex-esposa Alicia (Fernanda Castillo) entrega um segredo guardado a sete chaves ele embarca em uma autorreflexão com muitas descobertas, ao lado do único filho, Benito (Martino Leonardi).

 

GTMAX

Ao longo de 100 minutos de projeção acompanhamos a história de Soélie (Ava Baya), uma ex-campeã de Motocross que se depara com complicados problemas financeiros que sua família se meteu. Buscando salvar a pista de corrida que são donos, pagar dívidas imensas com um banco e salvar o irmão Michael (Riadh Belaïche) de uma enrascada, resolve aceitar um trabalho criminoso organizado pelo violento Elyas (Jalil Lespert).

 

Meio Grávida

A vida de Lainy (Amy Schumer), uma professora do ensino fundamental, parece estar em um total desequilíbrio. Seu sonho em ser mãe nunca se realizou e sua melhor amiga Kate (Jillian Bell) acaba de ficar grávida. Sem saber como lidar com a situação resolve fingir que está grávida e assim, se jogando na mentira descarada, acaba conhecendo novos amigos e acaba se apaixonando Josh (Will Forte). A questão é que uma hora a verdade sempre aparece.

 

Frankie

Na trama, conhecemos a famosa atriz francesa Françoise Crémont, para os amigos íntimos Frankie (Isabelle Huppert), que resolve se refugiar na belíssima cidade de Sintra, em Portugal, chamando amigos e conhecidos de seu ciclo mais próximo para passar com ela seus últimos momentos, já que a protagonista está com uma doença que avança diariamente. Assim, conhecemos, entre outros, seu atual marido, o ex-marido, seu filho, sua enteada e uma velha amiga que ela tenta de todas as formas que fique com seu filho. Conforme os dias vão passando Frankie possui momentos de diálogos sobre a situação dela com a maioria desses personagens.

 

Pequena Sibéria

O acreditar naquilo que querem. Um cobiçado objeto vindo do espaço se torna o estopim de uma série de situações fora da curva. Assim, podemos começar a definição do novo longa-metragem finlandês da Netflix – que logo alcançou o top 10 – Pequena Sibéria. Dirigido por Dome Karukoski, o projeto é um drama existencial camuflado de comédia de erros com subtramas inconsistentes em forma de fragmentos pouco convincentes. São 105 minutos de situações incongruentes que logo viram um verdadeiro teste de paciência.

 

Cascavel

Na trama, conhecemos a história de Katrina (Carmen Ejogo), uma mulher que está de mudança para algum lugar e dirige durante quilômetros tendo a bordo de seu carro somente sua filha pequena. Quando fura o pneu em uma estrada isolada de população, sua filha acaba sendo picada por uma cobra cascavel que aparece no meio do deserto lugar onde estão. Desesperada e sem saber o que fazer, ela olha para o lado e enxerga um trailer onde lá dentro, uma senhora bastante esquisita, diz que salvará a menina mas que ela seria procurada para dar uma outra vida em troca. Assim, Katrina embarca em um universo do achismo e loucura e fará tudo que precisa para proteger sua família.

 

Com Você no Futuro

Carlos (Michel Brown) e Elena (Sandra Echeverría), antes muito apaixonados, hoje vivem as tristezas de um divórcio. Certo dia, ele um advogado estressado e ela uma musicista, se deparam com uma situação inusitada, uma pessoa que diz ser o cupido (Mauricio Barrientos) entrega a eles uma chance de reviver sua história de amor numa volta ao passado no ponto onde tudo começou. Assim, guiados pelas músicas do famoso grupo musical mexicano embarcarão em dilemas e reflexões sobre a relação.

 

O Som do Caos

Na trama, conhecemos Matthias (Ward Kerremans) um empreendedor digital que parece a todo instante forçar uma rotina em torno de ser um super pai para ganhar likes no seu instagram. O pai dele, um ex-administrador e dono de uma fábrica química, mora em um asilo próximo do lugar que o protagonista volta a morar (e que não visitava desde a infância), dessa vez com a esposa Liv (Sallie Harmsen) e o filho recém-nascido. Aos poucos, algumas informações sobre essa tal fábrica começam a aparecer na frente de Matthias e o mesmo acaba embarcando em uma investigação solo que o leva à uma obsessão profunda. Nesse caminho, acompanhamos um pouco da visão da esposa em relação a tudo isso, em uma luta para trazer de volta à realidade seu companheiro.

 

Feliz Aniversário

Na trama, conhecemos Andréa (Catherine Deneuve) e sua família formado por netos, amigos e seus filhos Romain (Vincent Macaigne), Vincent (Cédric Kahn) que se reúnem para o seu aniversário na aconchegante casa da família na França. A surpresa de todos para a mãe, a presença da filha que morava fora do país Claire (Emmanuelle Bercot), aos poucos vai deixando essa comemoração com tons dramáticos.

 

Ilha de Segredos

Na trama, conhecemos Jonas (Philip Froissant) um jovem atormentado por sequentes tragédias em sua vida que o faz morar com seu avô que teve pouquíssimo contato durante toda sua vida onde nasceu, uma ilha pertencente a Alemanha. Ele sempre conta com a ajuda da amiga Nina (Mercedes Müller). Certo dia, após alguns meses das mencionadas tragédias que se seguiram em sua vida, chega à escola a nova professora de alemão Helena (Alice Dwyer), uma mulher misteriosa que em pouco tempo na ilha já se relaciona com Jonas e apresenta misteriosos olhares que escondem segredos sobre seu passado.

Eles Voltam

Os pés imaturos queimando o asfalto, os carros passam vem e vão. O que fazer com o instinto despreparado da solidão? Escrito e dirigido pelo cineasta Marcelo Lordello, Eles Voltam é uma simples história de uma jornada incrível de descobertas. A direção se esforça para ser detalhada, a lente inteligente do diretor mostra o mundo nebuloso do abandono (seja ele pessoal, social…) pelos olhos inocentes de uma jovem largada pela família na beira de uma estrada. O filme tem cara de curta, jeitão de média e acaba convencendo como longa.

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Na trama, desse belo trabalho made in Brasil, somos jogados na história de Cris (Maria Luiza Tavares), uma adolescente de 12 anos que após uma briga dentro do carro de seus pais, é deixada na estrada ao lado de seu irmão mais velho. Confusa e sem saber quando os pais vão voltar para buscá-los, ainda é rejeitada pelo próprio irmão que a deixa sozinha. Assim, sem direção e com medo do que poderia enfrentar pelo caminho, Cris consegue ajuda de um simpático morador da região onde está, uma família que vive da renda da mãe comerciante e de uma antiga vizinha que não via Cris fazia anos. A jovem viverá dias intensos, reunidos em uma experiência que a transformará completamente, vendo o mundo de outra forma.

Eles Voltam marca o encontra da imaturidade com o selvagem mundo real. As histórias vividas nessa aventura vão ser refletidas nos bons diálogos com a família da protagonista, já no final da trama. A superficialidade em alguns assuntos polêmicos são completamente entendidos, já que estamos vendo um filme aos olhos de uma jovem. Mesmo assim, o diretor poderia ter ido à fundo, ou até mesmo ter dado mais destaque, em embates sobre a nova visão do mundo da personagem.

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Esse bonito projeto possui uma narrativa leve, quase estática. A fuga do dinamismo é uma fórmula que, neste caso, dá certo. Encher o filme com lindas paisagens não transforma um filme em um bom trabalho, ainda bem que o diretor estava atento a isso. De negativo mesmo, vem o fato de que os coadjuvantes que vemos nas sequências poderiam ter contribuído mais com a história, o que pode transformar esse filme fraco e ingênuo para alguns espectadores.

Com estreia marcada para o próximo dia 07 de março nos cinemas brasileiros, Eles Voltam entrará no concorrido mercado de exibição brasileiro que está repleto de cópias dos filmes que foram indicados ao Oscar deste ano. É um peixinho especial em meio aos grandes tubarões. Coloque em seu aquário! Você precisa conhecer, refletir, pensar e argumentar sobre essa experiência.

Crítica | ‘Étoile: A Dança das Estrelas’ – Amy Sherman-Palladino acerta mais uma vez em nova série da PRIME VIDEO !

A californiana Amy Sherman-Palladino já é um nome bastante conhecido dos amantes das séries. Mente criativa por trás de sucessos como: Gilmore Girls e Maravilhosa Sra. Maisel, em 2025 chega com seu novo trabalho: Étoile: A Dança das Estrelas. Percorrendo os bastidores de duas companhias de balé de forma sarcástica e com muito humor, trazendo problemas atuais para uma arte centenária – além de um ótimo elenco – o projeto se consolida como uma obra-prima de oito episódios que emociona e faz rir na mesma intensidade tendo a cultura como força motriz.

Com um texto inteligente e empolgante – que nunca escapa de seu discurso afiado – conhecemos os conflitos de bailarinos, administradores, mães e filhas, pessoas influentes querendo se impor, além de trazer para debates questões sociais importantes quando o assunto é contemplar em vez de postar. Cheio de críticas pelas suas entrelinhas, essa nova série da Prime Video é viciante, daquelas para maratonar em um único dia!

Jack (Luke Kirby) é o administrador de uma renomada companhia de balé norte-americana que passa por grandes sufocos na tentativa de renovar o interesse do público para os espetáculos. Sofrendo do mesmo problema, Geneviève (Charlotte Gainsbourg) se encontra numa forte pressão dos patrocinadores da sua companhia, também famosa, na França. Quando surge uma mirabolante ideia, trocar os talentos para um intercâmbio durante um período, a vida desses dois administradores trará conflitos que vão do céu o inferno.

O desenvolvimento dos personagens é algo que chama a atenção. Nossos olhares se desdobram para acompanhar subtramas profundas que logo atingem os epicentros dos sentimentos. Como não amar Geneviève – interpretada pela fabulosa atriz Charlotte Gainsbourg – uma mulher na casa dos 40 anos que vive um furacão no seu presente, tendo que lidar com o problemas de seu trabalho e ainda se entendendo no momento atual da vida pessoal. Outra personagem que chama a atenção é Cheyenne (Lou de Laâge), um ponto de encontro de muitos dos conflitos que aos poucos vai ganhando camadas para a entendermos melhor.

Mas o ‘pulo do gato’ aqui é conseguir chegar ao interessante por meio de bastidores de uma espécie de empresa. As vertentes administrativas aqui ganham desdobramentos hilários, é um show de sofrimentos recompensadores que saltam aos nossos olhos. O roteiro consegue adaptar o contemporâneo com uma arte cultural centenária por meio dos deslizes das emoções e também do lado moral. Mesmo quem não conhece o universo do balé vai se deliciar com os ótimos debates que ganham tons provocativos através do sarcasmo em cada um dos episódios.

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