Em ‘De Pernas pro Ar‘, o diretor Roberto Santucci deu sorte em ter Ingrid Guimarães à vontade em um roteiro divertido, porém cheio de falhas. Nesse ‘Até Que a Sorte nos Separe‘, nem o talento do comedianteLeandro Hassum consegue salvar a produção.
Apesar de tirar alguns risos da plateia, a comédia não consegue decolar em nenhum momento, ficando à mercê de uma direção insegura e excesso de clichês com piadas desgastadas.
Livremente inspirado no best seller ‘Casais Inteligentes Enriquecem Juntos‘, de Gustavo Cerbasi, o filme conta a história de Tino, um pai de família que tem sua rotina transformada ao ganhar na loteria. Em dez anos, o fanfarrão gasta todo o dinheiro com uma vida de ostentação ao lado da mulher, Jane.
Ao descobrir que está falido, Tino, contrariado, é obrigado a aceitar a ajuda de Amauri, seu vizinho, um consultor financeiro nada divertido e extremamente econômico que, ao mesmo tempo, enfrenta uma crise no casamento com Laura. Quando Jane engravida do terceiro filho, Tino faz de tudo para esconder da esposa que estão na lona – a recomendação médica é que a grávida evite fortes emoções. Nessa missão, ele vai contar com ajuda de Adelson, seu melhor amigo, e dos filhos, em uma comédia de erros com situações hilárias.
Leandro Hassumestá divertido como sempre, mas não consegue segurar a comédia sozinho. Nem a cena em que ele dança Flashdance consegue tirar gargalhadas da plateia, e acaba beirando o mal gosto. Danielle Winits cumpre exatamente o papel a que foi submetida, e tem uma atuação acima do normal. O casal demonstra química, mas sofre com o roteiro raso e a direção de Santucci.
‘Até Que a Sorte nos Separe‘ é diversão instantânea, daquelas que te faz rir por alguns segundos e já pode descartada de seu cérebro. No final, a produção passa uma mensagem positiva: Afinal, dinheiro traz ou não traz felicidade?
Se trouxer, não é comprando o ingresso desse filme que vai te fazer mais feliz…
Sinopse: Dr. Tenma é um cientista genial que, durante uma demonstração, perde seu filho em um acidente. Para preencher a lacuna, ele constrói uma réplica robótica perfeita de Astro.
A história contada em As Aventuras de Pinóquio (1883) é fascinante e universal. Além das inúmeras adaptações para outros meios, a vontade de ser aceito como “um menino de verdade” serve de inspiração para outros produtos. Filmes como A.I. – Inteligência Artificial (2001) e o conto “O Homem Bicentenário” dialogam com o boneco italiano.
Astro Boy engorda essa lista de obras que se inspiram emPinóquio, sendo que aqui há uma semelhança a mais: a figura do pai e criador também se confundem. Dr. Tenma pode ser considerado um Gepeto tecnológico.
O anime que inspirou esse filme foi produzido nos anos 60, sendo exibido nas décadas subsequentes. Muitos mangás e séries televisivas depois, a legião de fãs é numerosa e variada, com os mais antigos já ostentando cabelos brancos. Por essa razão, a decisão de lançar somente cópias dubladas no circuito brasileiro é altamente condenável.
Mesmo assim, é preciso ressaltar a qualidade do trabalho dos dubladores. O ator e apresentador Rodrigo Faro merece elogios por conseguir ser convincente ao dar a voz para um personagem que é vinte anos mais novo do que ele.
No final das contas, Astro Boy é uma animação divertida e empolgante para as crianças, podendo arrebanhar um novo público para o menino-robô. Por outro lado, os fãs veteranos podem não receber a produção com bons olhos.
Estreia nessa sexta a animaçãoAstro Boy, da Paris Filmes. Para quem não sabe, o Astro Boyé um famoso mangá criado pela conhecida dupla Osamu Tezuka & Akira Himekawa na década de 50. Fez tanto sucesso na época, que até uma série sobre o personagem foi criada no Japão. Porém, quem dirigiu o filme foi um americano: David Bowers (Por Água Abaixo).
Em inglês, quem faz a voz do Astro Boyé o fofo Freddie Highmore (A Fantástica Fábrica de Chocolate). No Brasil, quem o dublou foi Rodrigo Faro. No começo foi estranho, pois, afinal, Faro já não é um adolescente faz tempo. Mas depois você acaba acostumando. A história do filme já começa triste, com o filho do cientista, Toby, morrendo. E, para não perder o filho por completo, o pai resolve transformá-lo num garoto-robô, sem ele saber. O jovenzinho começa a perceber que existe algo estranho e, sem querer, descobre que é super poderoso.
Seu pai fica infeliz e arrependido do que fez e resolve “desligar” o garoto, depois que ele descobre a verdade. Chateado, Toby foge de casa e assume o codinome Astro Boy. No entanto, sua ingenuidade e desejo de ser aceito do (novo) jeito que é, o leva a ser enganado por pessoas de fora e de repente se vê tendo de enfrentar forças muito maiores das que possui.
Apesar do longa ser para o público infantil, os adultos irão gostar de filme também. É bem feito, divertido e tem uma narrativa inocente mas ao mesmo tempo realista, pois dá algumas indiretas de com o ser humano não cuida da Terra.
Ok… esse assunto para nós, adultos, já está batido. Mas, para crianças, qualquer conscientização, mesmo que indireta, é válida.
Baseado num artigo de Mark O´Brien, “As Sessões” é um dos melhores filme do ano passado, e facilmente poderia ter ocupado a última posição deixada vazia entre os indicados para melhor filme no Oscar 2013. No filme, o fantásticoJohn Hawkesinterpreta O´Brien, um sujeito que contraiu poliomielite, ou paralisia infantil, e passou a vida inteira numa maca com o corpo imóvel.
Mas isso não o impediu de viver, e Mark com a ajuda de uma maca elétrica, similar às cadeiras de rodas elétricas, se formou em jornalismo na faculdade, e se tornou um poeta. Com completa sensibilidade no corpo inteiro, o protagonista apenas não consegue ter o controle sobre seus movimentos. Apesar de viver sozinho, Mark precisa de uma acompanhante para desempenhar algumas funções básicas, como o banho.
Após alguns incidentes envolvendo excitação devido a sua sensibilidade latente, e principalmente após o fascínio do protagonista por sua segunda acompanhante, a jovem e bela Amanda (Annika Marks), o sujeito decide que é hora de ter sua primeira relação sexual, aos quase 40 anos de idade. Usando um padre local (papel de William H. Macy) como espécie de terapeuta, e com seu aval, Mark decide usar os serviços do departamento de psicologia sexual de uma universidade, contratando assim uma profissional conhecida como substituta sexual. E ela vem na forma da veterana Helen Hunt. Como ela trata de explicar logo de início para que não haja confusão da parte de Mark, e da plateia, sua personagem não é uma prostituta.
Acho que a principal diferença é que uma prostituta possui diversos clientes, e embora a substituta sexual de Hunt também esteja sendo paga, Mark será seu único cliente com objetivos de estudo, e só poderão ter um determinado número de encontros, mais ou menos 5, como ela igualmente especifica. O diretor da obra é Ben Lewin, que também adaptou para o cinema o artigo do verdadeiro Mark O´Brien. O cineasta polonês Lewin também é ele mesmo um deficiente físico, por isso essa história é muito pessoal para ele igualmente. Aqui o diretor entrega uma verdadeira história humana, comovente e emotiva, mas também fortemente positiva. Esse é um feel good movie de certa forma mais impactante do que o recente sucesso francês “Intocáveis”, por não se esquivar totalmente dos momentos pesados em nome do humor.
O personagem de Hawkes respira por um aparelho conhecido como “pulmão de ferro”, e as consequências disso são mostradas numa cena desesperadora durante uma noite de falta de energia elétrica. Em outra cena “As Sessões” tira sarro de “Intocáveis”, quando o personagem de Hawkes afirma que sua orelha é a pior zona erógena de seu corpo (coisa que era o auge para o personagem tetraplégico do filme francês). A talentosa Helen Hunt, que já tem um Oscar decorando sua casa, recebe sua segunda indicação e representa o filme na noite de maior prestígio para a sétima arte. Hunt aparece na metade de suas cenas, ou quem sabe mais da metade, nua. O trabalho requer muita coragem, principalmente porque Hunt se sentiu à vontade para tal desafio somente aos quase 50 anos.
Igualmente temos que mencionar as performances de Moon Bloodgood, William H. Macy e da citada Annika Marks, todos com ótimos desempenhos. Mas sem dúvidas a alma de “As Sessões” é John Hawkes, o talentoso e subestimado ator, já havia marcado presença com sua indicação dois anos atrás pelo excelente “Inverno da Alma”. Sua performance como Mark O´Brien é simplesmente cativante, e Hawkes desempenha todo um trabalho de voz e físico. Seu trabalho é um dos melhores do ano, e não fica devendo nada para nenhum dos indicados para melhor ator. Mas infelizmente a menos que aumentem o espaço na categoria como fizeram com o melhor filme, sempre irá existir gente muito boa de fora.
Assassino à Preço Fixo (The Mechanic) é um remake de 1972, onde Charles Bronson era o protagonista do longa. Em sua nova versão, o filme vem protagonizado por Jason Statham, que faz o papel de Arthur Bishop, um assassino de aluguel com um grande talento para eliminar seus alvos.
Tudo ia bem até o dia em que é pago para eliminar Harry (Donald Sutherland), seu amigo e mentor. Ao perceber a grande presepada em que entrou, parte para cima daqueles que encomendaram a morte de Harry. Porém, o filho da vítima, Steve (Ben Foster), quer seguir os passos de Bishop para pegar os culpados pela morte do pai. Mas Bishop está acostumado a trabalhar sozinho, e a companhia de Steve passa a ser um estorvo para ele, atrapalhando seus planos e o pondo em risco em suas tarefas.
Vou ser bem sincera: gosto de Statham. Esse é o tipo de filme que ele faz bem feito. Muita ação, tiros e corre-corre, o filme começa lento e vai ficando cada vez mais interessante.
Arthur Bishop é um de assassino frio e calculista, que faz muito bem o seu serviço e não deixa rastros. Sua esperteza será colocada em risco com a companhia de Steve, que na verdade é um jovem problemático que só se preocupa com vingança. Toda essa temática dá um bom resultado em um filme que não é um top, mas garante uma boa tensão e diversão.
Para narrar a lenda do mais famoso fora-da-lei norte-americano Jesse James e de seu admirador e assassino Robert Ford, o cineasta Andrew Dominik criou um belo drama psicológico, abordando os limites do comportamento humano frente a sentimentos tão controversos como a adoração, a inveja, o ressentimento, a desconfiança.
Robert Ford, um jovem membro da Gangue de Jesse James tinha 19 anos, na época em que assassinou friamente seu ídolo. Um misto de medo, de idolatria ou um desejo de reconhecimento, de notoriedade? Um pouco de tudo. São as hipóteses levantadas pelo escritor Ron Hansen, em seu livro de mesmo nome, e filmadas por Dominik.
Com Brad Pitt no papel de Jesse e Casey Affleck como Robert, a história, baseada nos acontecimentos que antecedem ao crime, ganha profundidade e dramaticidade. Pitt encarna o fora-da-lei com sensibilidade, impondo a melancolia, sagacidade e carisma do herói. Jesse era conhecido como um jovem de 34 anos com um estado de espírito imprevisível. Alguém que conseguia impor terror nos homens da lei e em seus próprios comparsas, apenas com sua presença. Nada e ninguém passavam por ele desapercebidos. Atualizado com as notícias que circulavam na época, era um homem que estava sempre interagindo com os moradores de sua localidade e constantemente mudando de casa com sua família.
Quanto a Robert Ford, a história o retrata como um covarde que matou o homem mais procurado do país, dentro de sua própria casa, ao lado de sua família, atirando pelas costas. Um peso que carregou por muitos anos. Arrependimento ou satisfação? Casey Affleck, em uma bela e sensível interpretação como Ford, consegue desvendar esta dúvida. Com seu olhar inocente e triste, mesclado a um ar meio pernóstico, ele nos causa a impressão de ser um homem inseguro, um tolo admirador de Jesse James.
Com um clima vitoriano e de pós-guerra Civil, O Assassinato de Jesse James pelo covarde Robert Ford (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford EUA/2007 Drama – 160 min. Warner Bros.) é visualmente grandioso, assim como suas vastas e inabitadas paisagens que retratam um velho-oeste sob uma perspectiva diferente dos velhos filmes de cowboy a que todos nós estamos acostumados a ver. Um ótimo filme que merece ser visto.
Quando se fala em literatura policial em língua inglesa, os nomes dos autores Agatha Christie e Arthur Conan Doyle são citados constantemente. O filme Assalto em Dose Dupla (Flypaper) mistura fórmulas consagradas por esses dois escritores.
O enredo se passa em um banco que recebe a ilustre visita de dois grupos de assaltantes ao mesmo tempo. Antes que um dólar seja tocado pelos criminosos, um homem misterioso é assassinado no meio do saguão do banco.
Entre funcionários, clientes e ladrões; há treze suspeitos. Tem-se o clássico caso da sala fechada, uma fórmula de trama muito bem explorada na obra de Agatha Christie. Os desdobramentos da história trazem à memória o livro E não Sobrou Nenhum (antes conhecido como O Caso dos Dez Negrinhos).
Assalto em Dose Dupla não nega essa referência e inclui uma fala tirada das páginas escritas por Christie. Essa frase é de Tripp (Patrick Dempsey, de Transformers 3), um cliente do banco com problemas mentais que está determinado a entender o que está verdadeiramente acontecendo no banco.
Para resolver o mistério e conhecer melhor os demais personagens, Tripp faz uso de sua inteligência e de um afinado senso dedutivo. O protagonista é a ligação de Assalto em Dose Dupla com a obra de Arthur Conan Doyle, mais especialmente o detetive Sherlock Holmes.
Com essa receita, os fãs de Christie e Doyle terão bons motivos para assistir ao filme. Já o restante do público pode curtir essa mistura e aproveitar as inserções bem-humoradas do roteiro.
Daria para imaginar dois assaltos acontecendo simultaneamente no mesmo lugar?
Em Assalto em Dose Dupla (Flypaper), é isso o que acontece. Um banco está sendo assaltado por uma dupla de idiotas quando chega uma equipe, essa sim profissional, para assaltar o mesmo banco.
Patrick Dempsey participa do longa como um cara que aparentemente está sacando uma quantia no banco quando a confusão começa. Ele rapidamente tenta defender a moça do caixa, e logo começa a se envolver com ela de uma maneira muito estranha. Bom, na verdade tudo é estranho nesse filme.
Os dois bobocas que entram primeiro para assaltar o banco é a parte engraçada. Onde já se viu querer executar um assalto daquele jeito? Já a turma de assaltantes experiente é muito sinistra, andam só encapuzados e falam sério, não querem saber de brincadeiras em serviço.
O filme todo é uma confusão só, muita trapalhada e pouco sentido. Conforme as coisas vão acontecendo você vai percebendo que nada é o que parece ser. Os personagens são estranhos, mas é preciso prestar atenção em cada um para entender depois o quem de fato são.
Resumindo: o filme não é lá grandes coisas, você consegue dar algumas risadas, mas é só isso.
Inocência pura a minha ao achar que Cilada.com seria uma das piores surpresas do ano. Estreia na próxima sexta-feira Assalto ao Banco Central, de Marcos Paulo, um filme repleto de cenas de ação e montagem eficiente. Mas também uma produção adornada pelos mais pífios clichês do cinema estadunidense e com uma trama romantizada, baseada em fatos reais, ocorridos no Brasil há alguns anos.
Sempre soubemos que o cinema brasileiro esteve alguns passos atrás em relação a cinematografia estadunidense. Desde os primórdios, lá no cinema mudo, estávamos sempre em desvantagem. Quando o Brasil desponta para o sucesso tecnológico com as narrativas do cinema mudo, os Estados Unidos divertem os cinemas com as suas primeiras produções sonoras. A desvantagem do Brasil se torna algo muito irrelevante esteticamente com o Cinema novo no interior da conturbada década de 60 e financeiramente com o Cinema da Retomada, iniciado por volta de 1994. Cidade de Deus, Tropa de Elite, diretores como Walter Salles e Fernando Meirelles, mais indicações ao Oscar e outros importantes prêmios estrangeiros. Tudo parecia lindo e belo até a chegada de algumas pérolas com desejo de regressão: em 2011, Cilada.come este Assalto ao Banco Central são os representantes da ruindade no que tange à representação da linguagem do cinema na produção cultural brasileira.
Na sinopse oficial, temos a seguinte informação: Barão (Milhem Cortaz, mediano) teve a grande ideia de ganhar muito dinheiro em pouco tempo ao cometer o crime perfeito, sem violência. Para isso, basta arrumar as pessoas certas, dispostas a receber R$ 2 milhões, botar o plano em prática e executar a façanha. Após cerca de três meses de operação, R$ 164,7 milhões foram roubados do Banco Central, em Fortaleza, no Ceará. Sem dar um único tiro, sem disparar um alarme, os bandidos entraram e saíram por um túnel de 84 metros cavado sob o cofre, carregando três toneladas de dinheiro. Foi o segundo maior assalto a banco do mundo.
Nada contra a inspiração na cinematografia internacional. Este não é o grande problema de Assalto ao Banco Central, é apenas um deles. Na trama, temos os clichês mais óbvios e o desejo de repetir a fórmula dos sucessos do cinema hollywoodiano. O primeiro ângulo a iluminar está na construção das personagens: a policial interpretada por Giulia Gam, divide a sua investigação policial com alguns problemas pessoais, com o celular que não para de tocar, com alguém do outro lado da linha exigindo atenção. Nada mais óbvio: Sandra Bullock e Jodie Foster já fizeram algo parecido em Cálculo Mortal e O Silêncio dos Inocentes, respectivamente. Lima Duarte faz um delegado que investiga e implica boa parte do tempo com a personagem de Giulia Gam. Próximo do fim acaba aposentado contra a sua vontade. Quer mais clichês? O que dizer do parceiro do vilão, aqui chamado de Barão, que logo no começo percebemos que vai utilizar a sua forma física e essência machista para traçar a mulher do chefe, uma vulgar e durona secretária do namorado, que o ajuda na organização do crime e presta alguns favores na cama? Dois parceiros já maduros da equipe, que nunca se entendem e discutem o tempo inteiro no desenrolar da ação criminosa?
Se a construção de personagens é problemática, imagina-se que o roteiro também faz a narrativa afundar como uma bigorna: quem pensou assim, acertou. Repleto de flashbacks, o roteiro tinha tudo para disponibilizar uma intrigante história. Aqui, nada acontece: há personagens que desaparecem sem deixar vestígios, intensos buracos na narrativa que às vezes nos confundimos se estamos realmente numa sessão de cinema de ação nacional ou num enredo de feitiços e bruxarias como na sala de cinema ao lado, exibindo Harry Potter, onde coisas desaparecem de forma enigmática, sem deixar vestígios.
Todo este aparato crítico não é para deixar o leitor com pena dos envolvidos. Longe disso. Apesar de ser sofrível, a campanha de marketing do filme é excepcional e o trailer interessante, provavelmente garantindo o retorno do investimento na produção e a possibilidade de novos papéis para os envolvidos no elenco.
O maior assalto a um banco na história do Brasil, ocorreu faz alguns anos, e até hoje não conseguiram recuperar a quantia total roubada (160 milhões de reais). Essa história real, que nos lembra o filme de Woody Allen (Trapaceiros), onde a trupe woodialiana monta uma loja de cookies e embaixo do estabelecimento, cavam um túnel em direção ao banco.
Na vida real foi mais ou menos assim; inspirado neste fato, Marcos Paulo (o diretor de novelas) decidiu rodar um filme.
Esta é a estreia do diretor nos cinemas e isto é perceptível em sua narrativa. Motivos: escalação de atores globais no elenco (tudo bem, ele também convidou atores de cinema como Juliano Cazarré, Gero Camilo e Hermila Guedes); diálogos televisivos e over; e a tentativa frustrada de contar uma história não linear. Esta última é a pior. Pois o diretor não tem a sagacidade de um Tarantino para contar uma história fora da ordem, mas o faz a fim de aparentar inovação.
Iniciando pelo primeiro problema no longa: o elenco. Parte do elenco , acostumado com a linguagem televisa, ficou presa à tal. Com exceção de Lima Duarte, Juliano Cazarré, Gero Camiloe Tonico Pereira – cujos personagens são de longe os mais interessantes e bem interpretados -; o restante se conteve com atuações caricaturais ou por vezes expressivas demais – o caso de Eriberto Leão, Milhem Cortaz, Daniel Filho e Antonia Fontenelle (participação desnecessária). E por falar em Antonia Fontenelle, sua entrada é desesperada e didática demais.
Já Milhem Cortaz, não exibe aqui sua malvadeza e timming de Tropa de Elite; seu vilão/protagonista é over e canastra em demasio. O ator não conseguiu segurar a onda de protagonizar um filme, e nem tem porte para tal. Tonico Pereira exibe sua boa forma, e é por ter uma extensa bagagem cinematográfica que, juntamente com Gero Camilo, fornecem aos espectadores boas cenas de humor – que não aconteceriam se fosse outros atores -.
O segundo problema, é inevitável: os diálogos e situações televisivas. O excesso de frases de efeito tiram a dinâmica do filme. Tornando-o cansativo. A evasividade dos personagens contribui também para a falta de jogo entre os atores. O terceiro problema é o mais grave: a edição. Marcos Paulo tenta fazer algo diferente e atraente pro longa, em vão. A história é contada em dois momentos: a gangue planejando o roubo e a polícia investigando o crime. Simultaneamente. E quando a ação é finalizada, eles continuam a ação investigativa. Talvez se o caríssimo editor, exibisse primeiro as ações decorrentes da investigação,e aí depois narrasse como aconteceu tudo; o longa pudesse ter mais agilidade e pudesse despertar o interesse dos espectadores.
E ele se enrola em sua própria narrativa, acontecimentos são descritos muito antes de acontecerem. Como filme de ação, este não decola e como longa policial é brochante. Mas Marcos Paulo merece uma salva de palmas, esta é sua estreia cinematográfica e ele consegue resultados na sua obra de igual teor às produções dispensáveis de seu ator Daniel Filho, há anos produzindo/dirigindo/atuando no cinema brasileiro.
O cinema brasileiro está crescendo rapidamente, e com isso o número de filmes estreando aumentou drasticamente nos últimos anos, o que nos traz ótimas produções (‘Tropa de Elite 2’), bombas terríveis (‘Cilada.com’) e filmes despretensiosos, que divertem (‘De Pernas pro Ar’, ‘Bruna Surfistinha’).
‘Assalto ao Banco Central’ se encaixa na última citação, é entretenimento puro, divertido e descartável.
Inspirado em uma história real, que deixou a população brasileira boque aberta há seis anos, o longa tem erros e acertos visíveis, mas deixará grande parte do público satisfeito, com uma trama leve, cheia de boas risadas. ‘Assalto ao Banco Central’ é, na verdade, uma comédia.
Em Agosto de 2005, 164.7 milhões de reais foram roubados do Banco Central em Fortaleza, Ceará. Sem dar um único tiro, sem disparar um alarme, os bandidos entraram e saíram por um túnel de 84 metros cavado sob o cofre, carregando 3 toneladas de dinheiro. Foram mais de três meses de operação. Milhares de reais foram gastos no planejamento. Foi o segundo maior assalto a banco do mundo. Um dos crimes mais sofisticados e bem planejados de que já se teve notícia no Brasil. Quem eram essas pessoas? E o que aconteceu com elas depois?
O roteirista Renê Belmonte optou por usar a história real como base para uma trama fictícia, tendo a liberdade de trabalhar os personagens de maneira diferente da realidade, deixando os bandidos com cara de mocinhos.
E o problema é justamente esse: se Belmonte teve a liberdade de adicionar ficção à trama, ele poderia ter criado uma história muito mais realista e interessante, além de dar um fim digno a uma trama tão mirabolante, fato que não ocorreu – o final é o mais clichê possível.
A edição opta por adicionar os depoimentos dos bandidos enquanto a trama desenrola, para assim tentar criar um suspense sobre como eles conseguiram executar um golpe tão elaborado.
O grande acerto da produção está em seu elenco, muito esforçado e bem preparado. Milhem Cortaz é quem rouba a cena, como o vilão Barão. O veterano Lima Duarte também demonstra todo seu talento, na pele do delegado Chico Amorim. O destaque ainda vai para Hermila Guedes, que entrega uma grande atuação como a sensual Carla, e Giulia Gam, interessante como a delegada Telma. Eriberto Leão, o protagonista Mineiro, entrega uma atuação mediana e contida.
‘Assalto ao Banco Central’ é visivelmente baseado nas produções de assalto norte-americanas, e assim como as mesmas, diverte sem grandes pretensões. Filme pipoca.
Muito já se falou dos desafios de balancear tramas paralelas: alguma delas pode ficar interessante demais e ofuscar as demais, outra pode ficar esquecida por tempo demais… No caso de As Palavras (The Words), as tramas são interligadas, mas sua convivência não é pacífica.
Um autor (Dennis Quaid, de O que Esperar quando Você Está Esperando) está em um evento de promoção de seu novo livro. Ele lê trechos do romance para uma plateia ávida pela história. No meio do público destaca-se uma bela fã do escritor (Olivia Wilde, de O Preço do Amanhã).
O livro narra os conflitos de Rory (Bradley Cooper, de Sem Limites), um aspirante a autor que não consegue uma editora interessada em seus escritos. Um dia, compra uma antiga bolsa em Paris e encontra dentro dela um original inédito. Ele decide passar a limpo no computador aquele antigo texto cheio de talento.
Sua esposa (Zoe Saldana, de Colombiana: Em Busca de Vingança) lê a transcrição e acredita que aquela bela história de amor foi composta por seu marido. Ela o convence a apresentar o original para uma editora, onde o livro é publicado e trona-se um best-seller.
O verdadeiro autor (Jeremy Irons, de Margin Call) está vivo e entra em contato com Rory para contar sua história de vida em uma terceira narrativa de As Palavras. As três linhas dramáticas se entrelaçam no decorrer do filme, mas a confusão que criam desperdiça energia dos temas abordados.
O longa poderia tratar da ética dos protagonistas, da dificuldade de ser bem-sucedido no meio cultural, das histórias de amor de seus personagens; mas é tanta coisa acontecendo ao mesmo tempo que a concentração fica comprometida.
O espectador perde tempo demais para manter o entendimento das três tramas e não consegue se identificar com os personagens ou seus conflitos. A trilha musical de Marcelo Zarvos (Solteiros com Filhos) exagera em uma tentativa de injetar emotividade no conjunto, mas o roteiro impede a empreitada de ser bem-feita.
Anunciado como um dos melhores filmes do ano, e forte concorrente a diversas indicações no Oscar, “As Aventuras de Pi” é um feito impressionante da sétima arte, e demonstra que ainda existe criatividade na hora de se contar histórias.
Baseado numa obra literária escrita pelo espanhol Yann Martel, tida como inadaptável ao cinema, “As Aventuras de Pi” ganhou forma quando o extraordinário Ang Lee aceitou o desafio de peito aberto. Na trama, toda contada em forma de flashback pelo protagonista para um escritor, somos apresentados a Pi (cujo apelido vem do nome Piscine, Piscina em português, grande paixão de seu tio), um jovem indiano criado ao lado do irmão num zoológico, ambição de seu pai negociante. Quando sua família decide se mudar para outro continente a fim de uma vida mais próspera, a trama verdadeiramente tem início após uma cena-espetáculo do naufrágio de um grande encouraçado. O rapaz é deixado à deriva num bote com alguns animais sobreviventes, e logo após somente com um tigre, o qual recebeu o singelo nome Richard Parker. Durante a maior parte, “As Aventuras de Pi” é um rapaz, um barco e um tigre. Elementos simples para uma grande história, emocionante para cativar qualquer espírito.
O cineasta Ang Lee é sem dúvidas um dos nomes mais expressivos do cinema atual. Natural de Taiwan, Lee conquistou o mundo e quebrou as barreiras da língua demonstrando ser um dos diretores mais globais de todos os tempos. Após alguns filmes feitos na sua terra, em seu idioma, Lee surpreendeu ao adaptar o conto clássico, e super inglês, de Jane Austen, “Razão e Sensibilidade”. Afinal o que um cineasta asiático saberia sobre uma obra de época de um outro continente. O diretor entregou um dos melhores filmes dos anos 90, impecável em sua estética e narrativa, ainda conquistando indicações no Oscar. De lá para cá, Ang Lee ficou entre erros e acertos, mas nunca se domesticou pela comodidade, sempre encarando desafios. O cineasta pode ser considerado o mais corajoso e ousado contador de histórias da atualidade, mesmo que não acerte sempre, o que conta na carreira de Lee é o gosto pela mudança. Lee já se aventurou em desmascarar a classe média americana dos anos 70 em “Tempestade de Gelo” (antes de Sam Mendes fazer o mesmo em “Beleza Americana”), desmistificar o gênero do faroeste e a imagem do cowboy americano por duas vezes, em “Cavalgada com o Diabo” e “O Segredo de Brokeback Mountain“, além de investir em filmes de artes marciais, e até mesmo no subgênero dos super-heróis.
Agora, Lee apresenta mais um filme único e inusitado em sua carreira. Um espanhol e um taiwanês contando a história de personagens indianos. Como se não bastasse a mistura globalizada, “As Aventuras de Pi” é um filme onde muito poderia dar errado. Foi necessário um diretor com a sensibilidade de Ang Lee para capturar cada nuance dessa obra, que não possui muitos diálogos, mas tem muito a dizer sobre a natureza humana, e seu espírito resistente. Os efeitos visuais aqui são simplesmente fantásticos, em muitos momentos, ou em sua grande maioria, são usados animais virtuais, ou seja, criados por efeitos especiais, e o grande êxito do filme é nos fazer não conseguir diferenciar tais momentos. O tigre Richard Parker é sem dúvidas um dos personagens mais icônicos do cinema no ano. As cenas em que o tigre olha para o nada, para a imensidão que os cerca, onde não conseguimos diferenciar o céu do mar, é de uma beleza poética emocionante. Os efeitos em 3D são magníficos, esse é o filme que merecia ter sido rodado em 48 quadros por segundo e não “O Hobbit”, para termos toda a vantagem dos efeitos em 3D, e não ficarem escurecidos pelo óculos, esse filme precisava ser mais claro. De qualquer forma, a única maneira de ver “As Aventuras de Pi” é em 3D, você perderá grande parte do impacto se optar pela versão normal (que nem sei se existe).
O filme é pura poesia e um deleite visual. Infelizmente, “As Aventuras de Pi” tem sim seus problemas. O primeiro deles sendo tudo o que envolve a trama central, ou seja, o começo e o fim. “As Aventuras de Pi” é sobre um náufrago e um tigre, e caso fosse apenas isso seria uma obra-prima, coisa que por pouco escapa de ser. Para termos conhecimento das origens e crenças do protagonista Pi, os realizados optam por todo um início onde isso é mostrado (sem necessidade de fato). A obra demora a engatar e a dizer sobre o que verdadeiramente irá falar. Isso causa confusão para as pessoas que não sabem do que o filme se trata, e podem achar que mudou totalmente a sua trama, quando a história central é justamente o que é mostrado por grande parte.
Digamos que o filme começa como uma história sobre um jovem indiano em busca de sua verdadeira fé, ao lado da família num zoológico, e inclusive temos acrescentado um interesse amoroso que não nos leva a nada, e cenas que mostram a infância de Pi sendo hostilizado pelos coleguinhas no colégio devido a seu exótico nome. Tudo isso se formos parar para pensar é completamente descartável e não soma nada na trama central, assim como o tio apaixonado por piscinas que simplesmente é eliminado sem cerimônia se tornando apenas uma pequena nota no filme. Seja como for, “As Aventuras de Pi” é uma obra quase perfeita, digna dos maiores épicos de Hollywood, que conta uma história diferente e inusitada, e ganha muitos pontos por ser um filme família com conteúdo. O filme fará você verdadeiramente pensar, sentir e refletir, e deverá merecidamente ser lembrado no próximo Oscar.
“Existem alguns truques clássicos dentro de um filme: Nunca trabalhar com animais, crianças, água e 3D. Ignoramos tudo isso!” Essas foram às escarnecidas palavras do oscarizado diretor, americano de origem taiwanesa, Ang Lee (O Segredo de Brokeback Mountain), sobre a adaptação do romance ‘A Vida de Pi’, do escritor Yann Martel.
O best-seller que encantou o mundo, vendendo mais de 1,5 milhões de exemplares, foi imediatamente cogitado no orbe da sétima arte.
Justamente por tratar-se de uma aventura épica, que nos leva a refletir sobre o valor da vida e o conceito da presumível importância da fé – sendo assim necessária na existência de algumas pessoas –, fazendo uma intrigante comparativa, do fundamental papel da imaginação, quando você se depara com a crua e real verdade da nossa história. De como é mais fácil e adequado enxergar os fatos, de uma forma não ordinária ou prosaica. Essa é uma obra que está longe de querer insultar os não existencialistas (como quem vos escreve), mas de fazer com que os mesmos observem, de uma outra maneira, a visão do seu semelhante. Para assim respeitá-la, sem precisar, de fato, aceitá-la.
O conto traz um relato sobre o combate travado entre cinco criaturas, no Oceano Pacífico, narrado pelo indiano Piscine Molitor Patel, mais conhecido como Pi. Quando menino, ele e sua família, embarcaram num navio cargueiro, rumo ao Canadá, para escapar da inconstância política da Índia, nos anos 70. Um inesperado naufrágio deixa vivo apenas: O garoto, uma zebra, uma hiena, um orangotango e um tigre de Bengala. Salvos pelo único barco salva-vidas restante. Existindo, assim, uma verdadeira odisseia, repleta de inúmeras batalhas e caçadas, numa constante luta pela sobrevivência. Uma mágica aventura marinha de tirar o folego.
Inspirado, talvez, pela magnitude artística, residente no livro, Lee concretiza um dos filmes mais incríveis de sua carreira. Criando uma narrativa extremamente orgânica, que faz seus 127 minutos serem poucos ou exatos, para quem o assiste. Logo nos planos iniciais, passados no Zoológico, o impacto visual é estrondoso. Feito para se ver em 3D. Justamente por criar uma função junto à narrativa, e ter fator essencial dentro dela. Fazendo com que o espectador sinta todo o poder que emana de cada criatura, da chuva, das plantas, enfim, de todo o local aludido. Da mais forma palpável possível. Por muito utilizar profundidade de campo, algo crucial dentro do artifício, mas pouco empregado pelos diretores, à película é junto ao ‘A Invenção de Hugo Cabret’ e ‘Avatar’, um dos que melhores utilizaram a tecnologia.
Tudo isso muito bem auxiliado pela belíssima trilha sonora de Mychael Danna (A Pequena Miss Sunshine), que tem êxito, ao tentar imprimir variadas sensações, durante toda trama. Ou pelo chileno cinematografo Claudio Miranda (Clube da Luta), que alcança aqui, talvez, a conquista de perpetrar uma das aquilates fotografias do ano. Com lentes claras, vividas, fazendo uma pontual rima com as águas do oceano. Não podemos esquecer também do sempre parceiro de Lee, Tim Squyres, montador oficial do cineasta. Que também não passa despercebido. Já que a narrativa fílmica é toda em cima de flashforwards, algo que geralmente tende a comprometer o trabalho de montagem, Squyres mescla bem todos os momentos, sem nunca criar confusões.
Já no quesito de atuações, o filme conta com um elenco quase que totalmente novo. Intencionalmente planejado pelo próprio diretor. Que afirmou querer dar maior destaque para toda amplitude da estória. Um exemplo disso foi ator Tobey Maguire, que tinha sido praticamente contratado pela produção, para ser o entrevistador.
Porém, teve de ser sacado, de última hora, pois, segundo Lee, o fato do mesmo ter muita fama, por causa da franquia ‘Homem-Aranha’, poderia desviar o foco da fita. Entretanto, os inexperientes atores dão bem conta do recado. Com destaque para o jovem e estreante, Suraj Sharma. Que, praticamente, sozinho em cena, já que o tigre foi feito totalmente em CGI – sendo que um tigre verdadeiro foi usado apenas em sequências que apareceria sozinho, como quando ele nada no oceano -, Sharma demonstra muita força e confiança em tela. Uma atuação ao nível de Dev Patel em ‘Quem Quer Ser o Milionário?’.
Ao final da projeção, com os “reais” esclarecimentos dos fatos, a impressão obtida é a mesma que tivemos no excepcional ‘Peixe Grande’. De que é melhor aceitarmos a vida de uma maneira extraordinária, dentro de uma aventura épica, ala ‘Náufrago’ de Robert Zemeckis, ao lado de animais selvagens, enfrentando todos os medos, passando por ilhas misteriosas e, no final, descrever algo que transmita orgulho. Do que, simplesmente, relatar uma acriançada tragédia, cercada de assassinatos, evidenciando a podridão e escoria da alma humana. Concluo então, sem vergonha, junto ao entrevistador, ateu como sou, concordando com a proposta existencialista, deixada por Pi, sobre tal ponto de vista.
As comparações entre Melancolia e A Árvore da Vida são inevitáveis. Os dois filmes têm muito em comum, tanto que ao sair da sessão do primeiro, julgava ter visto o melhor do ano, até presenciar o segundo. A Árvore da Vidaé uma película para ser apreciada, contemplada, já que é construída em cima de imagens e diálogos esparsos.
Numa viagem que se inicia na origem do universo e segue até o fim de tudo, Terrence Malicktraça um paralelo com a família do jovem Jack O’Brien (Hunter McCracken / Sean Penn), desde o seu nascimento, passando pelas relações conturbadas com seu pai (Brad Pitt) e sua mãe (Jessica Chastain), até suas conclusões em um futuro insípido e sem sentido.
Ele está nas mãos de Deus agora, diz uma senhora amiga da família de Jack diante da perda de um filho, enquanto a Sra. O’Brien responde com pesar, denotando a essência com a qual se comporá a fita dali em diante: Ele esteve nas mãos de Deus o tempo todo.
Com interações profundamente concisas e impactantes quanto essa, A Árvore da Vidavai construindo uma teia de poucas palavras, normalmente narradas em off para que o espectador faça uso de sua própria inteligência e julgue as cenas sem alterações expositivas, e imagens intensamente trabalhadas para encantar a percepção. Quando as passagens quase bucólicas de um Texas dos anos 50 entram em contraste com os arranha-céus dos dias atuais, é possível perceber o excelente trabalho de uma direção de arte que consegue chocar e tornar desprezíveis todos os avanços da nossa sociedade. Enquanto a casa dos O’Brien é recheada de cores vivas das quais emanam calor, o escritório do Jack adulto, bem como sua residência, é vazio – praticamente não há com o que interagir, exceto as cores mortas retratadas num contraste entre o preto e o branco. Havia maneira melhor de revelar o que o crescimento daquele rapaz acumulou em seu futuro? Certamente, não.
Uma carta que a câmera acompanha como se essa fosse um personagem. Um violão abandonado num quarto. O outono que se destaca nas árvores locais. Com mensagens tão precisas, Terrence Malick e equipe revelam a dor da morte que principia a obra de forma eficaz. Quase nada é dito, e muito pode ser extraído dessas passagens que só uma mente preparada e um olho treinado como do seu diretor seriam capazes de concatenar. Mesmo uma cena aparentemente sem qualquer efeito, demonstra estar imbuída de significado, quando a Sra. O’Brien é enquadrada e o terreno declina atrás de si – uma representação singular de que seu mundo afundou. E é interessante notar como naquela família provinciana, mesmo o cuidado da maquiagem ao trazê-los o mais próximos da realidade possíveis é extremamente funcional. Em momento algum duvidamos que Brad Pitt e Jessica Chastain façam parte daquele universo, já que até mesmo suas rugas são esquadrinhadas pelas lentes da câmera. Até mesmo um plano-detalhe da alça quebrada de uma maleta no terceiro ato da produção é brilhante, já que nos revela, sem exposição, o momento frugal pelo qual passam os protagonistas.
Então, a cidade da atualidade é vista de baixo para cima, com os prédios e os transeuntes se alongado para o céu em mais uma mensagem interessante do cineasta: o que os aguarda senão o retorno de onde vieram? Enquanto compõe essa visão de que tudo que julgamos importante é fútil, Malick nos leva a presenciar uma dança de pássaros entre o mar de concreto, costurando brilhantemente o próximo passo da projeção que nos levará a um vislumbre da origem do universo, a mais iluminada composição já feita para o cinema nesse sentido. Com todo o olhar distinto de Douglas Trumbull, supervisor de efeitos especiais que estava há trinta anos longe da sétima arte, Malick recria uma viagem que ultrapassa até os memoráveis instantes similares de 2001: Uma Odisséia no Espaço. É complicado crer que tudo foi elaborado à moda antiga, sem CGI. Trumbull faz uso de pinturas, líquidos, luzes e um sem-número de materiais para recriar toda a jornada de bilhões de anos pela qual o universo passou. Em um dos momentos mais contemplativos do cinema, chegamos, inclusive, a seguir a formação da Terra e o surgimento das primeiras formas de vida. É para ser aplaudida de pé a criação dos dinossauros presentes em A Árvore da Vida. Se tantos se impressionaram com o que Spielberg fez no passado, aqui, de forma muito mais singela, Malick nos dá um momento tocante dos antigos habitantes do mundo. E quando o já aguardado ponto em que a biodiversidade que conhecemos surgiria, incluindo a vida humana, o filme nos surpreende novamente ao traçar um paralelo entre uma casa afundada da qual o jovem Jack tenta se libertar e o nascimento de um bebê, nesse caso, o próprio rapaz. Que sintonia esplêndida!
Tudo o que acompanhamos até então é hipnótico, amparado extensamente pela fantástica trilha sonora de Alexandre Desplat, que compôs também para as duas partes finais de Harry Potter. Se nesse ponto Desplat cria canções dignas dos grandes maestros da nossa história, mais a frente trabalha apenas batidas tensas e profundas, quando as relações entre marido e mulher se complicam, e perceber como o compositor é capaz de migrar facilmente entre gêneros chega a ser absurdo de tão perfeito.
Você terá crescido antes desta árvore ficar grande, pensa a mãe enquanto encara os primeiros passos de Jack. Os consequentes movimentos. O ciúme do irmão quando esse nasce. As prímevas percepções do mundo. O desenvolvimento de Jack toma conta da tela. Através de cenas que falam por si e elipses excepcionalmente executadas, como o desligamento de um abajur, nos envolvemos na história que tecerá toda a mentalidade do garoto que Sean Penn intercala aqui e ali em seu futuro. As personificações dos atores são um elemento a parte. Pitt soa eficiente e intimidador como um pai duro que já apanhou demais da vida e não quer que seus filhos passem pelo mesmo. Suas exaltações são como o suor que parece ultrapassar a pele do ator e carregar sua interpretação, mas mesmo tão rígido, não deixam de ser tocantes os instantes em que se percebe todo seu protecionismo e amor para com seus pequenos. Jessica Chastain é a representação da esposa provinciana de décadas atrás. Normalmente resguardada aos seus pensamentos, carrega toda a emoção que uma mãe sente por seus filhos em gestos e nas já citadas narrações em off. Quando a liberdade da casa vem à tona, sua consternação e alívio são pesados e distribuídos uniformemente em vários trechos da projeção. Pena que Sean Penn tenha pouco tempo em tela para se entregar ao seu papel como de costume, mas ainda assim, com pouquíssimas frases ditas, deixa transparecer o peso que carrega nas costas e sua abominação pelo futuro-presente ao dizer, por exemplo, nós destruímos a Terra, numa constatação triste que jamais passa por nossas cabeças. Porém, o grande peso de A Árvore da Vida está nas mãos e expressões da jovem revelação Hunter McCracken, que acompanhamos quase integralmente através das descobertas por um mundo estranho que é o nosso. Como não temer pela vida de Sr. O’Brien num determinado minuto ou não correr com o próprio Jack numa fuga desesperada se esses momentos são conduzidos com maestria pelo promissor ator? Eis alguém que espero ver muitas vezes projetado numa tela de cinema. Simplesmente fabuloso!
Até o fim dos tempos, é o que escutamos num determinado trecho que conduz ao derradeiro fim quando os créditos sobem e as luzes se acendem. Mesmo o extremado, mas não desnecessário, cunho religioso com o qual Terrence Malickconstrói seu poema é emocionante. A Árvore da Vida tem aproximadamente duas horas e vinte minutos de projeção, mas caso se estendesse até as seis horas almejadas por seu diretor, certamente se manteria como uma experiência única, ímpar, dessas que a arte só cria de tempos em tempos e jamais é esquecida.
Hollywood é a maneira genérica que a mídia encontrou para taxar o cinema feito nos Estados Unidos. Obviamente existem outros polos cinematográficos no país e nem todos os filmes se tratam de Blockbusters, mas ainda assim a associação é inevitável – pensou cinema norte-americano, pensou em Hollywood.
Em “A Árvore da Vida”, o diretor e roteirista Terrence Malick faz um trabalho tão não ortodoxo que mesmo sabendo da pluralidade da produção estadunidense é difícil chamá-lo de hollywoodiano.
Muito similar aos trabalhos recentes de Lars Von Trier, “A Árvore da Vida” se inicia com uma série de imagens de uma plasticidade invejável acompanhada de uma trilha sonora composta por grandes obras clássicas (são 37 peças ao todo), uma constante durante todo o filme. A sucessão de imagens desconexas busca uma espécie de efeito não narrativo: elas no máximo insinuam, muito mais do que contam. São momentos felizes de uma típica família americana vivendo no típico subúrbio norte-americano das casinhas de cerca branca na década de 1950 mesclados a cenas do que seria a evolução do planeta desde o Big Bang passando pelos dinossauros.
Malick convida o espectador para uma viagem através de sua câmera privilegiada que retrata da mesma maneira intimista o drama familiar e as explosões cósmicas. É inegável a qualidade e o impacto causado pela mesma em grande parte devido à fotografia de Emmanuel Lubezki.
É difícil fazer uma sinopse do longa, uma vez que fica claro desde os primeiras sequências que a intenção do diretor é descrever “A Vida”, em todas as nuances, detalhes e subjetividade. Em seus momentos mais narrativos, “A Árvore da Vida” fala das relações conturbadas dentro da família suburbana – o único indício de que se trata de filme um made in USA – a morte de um dos membros, o nascimento dos filhos, a criação rígida do pai (Brad Pitt) etc. Na outra ponta da história, já no presente, Sean Penn, como Jack, é um dos filhos do casal que em meio a uma aparente crise de meia-idade pondera sobre a vida e a forma como lida com a morte.
Embora as atuações sejam consistentes, inclusive o elenco-mirim, o roteiro – escrito pelo próprio Malick –, com sua falta de um direcionamento prejudica o andamento do longa.
Em seu pretensioso intento, Malick cria uma obra bastante hermética e um tanto quanto excessiva. Esquecendo talvez de uma das grandes qualidades do cinema de seu país – mesmo naqueles filmes mais autorais –, o diretor opta por excluir a narratividade em favor da plasticidade e ao longo das mais de duas horas de projeção a constante abstração se torna maçante. “A Árvore da Vida” não vai a lugar nenhum, não diz nada, é apenas um experimento cinematográfico sobre sensações, sentimentos e a condição humana.
Como reflexão sobre a existência talvez seja válido, mas como filme é sofrível.
Filosofia e religião. Altruísmo e perdão. Alicerçado nesses quatro dogmas do ser humano, Terrence Malickressurge com um filme surpreendentemente belo e reflexivo que nos da a sensação de que duas horas e vinte dentro do cinema passam voando.
Depois do fiasco de bilheteria de seu último longa, o pretensioso Novo Mundo, de 2005, Malick finalmente parece ter feito as pazes consigo mesmo e se calçou num tema aparentemente simples para, dentro do seu singelo estilo peculiar, se encaixar perfeitamente com sua direção magistral e, claro, com suas famosas marcas registradas: solilóquios, 90% de externas e takes precisos da natureza.
Num tom nostálgico, a história se passa no núcleo de uma família de classe média americana da década de 50 com foco na relação de um pai (Brad Pitt) com seu filho mais velho (Sean Penn, na fase adulta). Na trama, digamos assim, essa relação é desconstruída de forma que podemos ver o seu antes, o durante e o depois. Do Big Bang até o fim dos tempos.
Com uma escassez de diálogos que, quando são ditos, aparecem apenas para pontuar ou salientar uma situação já pré-estabelecida apenas com imagens, o longa é de uma beleza ímpar e com interpretações dignas de reverências. Pitt e Penn estão tirando de letra – com destaque maior para o primeiro. Jessica Chastain, que interpreta a mãe, e os atores mirins que fazem os filhos do casal estão excelentes.
Malick consegue com essa Ávore da Vida (Tree of Life) nos sensibilizar nos levando a questionar com esmero os detalhes de cada ação nossa, seja ela física ou emocional, e sua reverberação que disseca nossa fragilidade como seres humanos.
A Árvore da Vida aproxima o foco na relação entre pai e filho de uma família comum, e expande a ótica desta rica relação, ao longo dos séculos, desde o Big Bang até o fim dos tempos, em uma fabulosa viagem pela história da vida e seus mistérios, que culmina na busca pelo amor altruísta e o perdão.
O ganhador da Palma de Ouro em Cannes, chega aos cinemas brasileiros e se alia à boa fase de estreias. Árvore da Vida mostra o início, a criação do mundo e em paralelo (uma analogia) a criação dos filhos. Com Brad Pitt e Sean Penn no elenco, o longa de Terrence Malick explora alguns dos recursos utilizados pelo diretor, em seu último longa O Novo Mundo e de cineastas como Eisenstein, para contar sua história.
A começar pela narrativa, que apesar de fragmentada é linear. A história da família, contada através de imagens (de sua formação e da criação do mundo: como o Big Bang, dinossauros, vulcões…), offs do casal O’Brien e de seus filhos (sussurros, depoimentos, pensamentos e diálogos), fragmentos de acontecimentos na família e ações sem palavras.
O filme inicia com belas imagens apocalípticas, com um telefonema. A mãe recebe uma notícia ruim, logo depois o quadro é do pai, Sr. O’Brien (Brad Pitt) atendendo um telefonema. A notícia também é ruim. Entende-se que é Sra. O’brien telefonando para o marido, e dando a notícia da morte do filho. E é assim que o longa funciona. Nada é explicado, apenas mostrado, como um quebra-cabeça, os espectadores ligam as imagens às ações e aí a história é contada.
E é à partir desta morte, que Malick, utilizando o recurso do flashback, narra a história da criação dos filhos, neste caso, a família O’Brien. Para os que viram Novo Mundo, de mesmo diretor, devem se lembrar das narrações em off e depoimentos, enquanto a imagem visualizada era outra. Como por exemplo, John falando sobre Pocahontas (com voz em off) e a imagem dela nos campos. Pois este recurso faz parte também desta narrativa, aprimorada. Além das narrativas, os fragmentos. São eles que, mesmo que rápidos e diretos, mostram aos espectadores o caráter de cada personagem. Em momentos decisivos.
Nos depoimentos, também pode-se perceber diferenças nos pensamentos, enquanto o pai tem um discurso de ensinamentos aos filhos , que se baseiam na formação deles e são profundamente rígidas, típicas de um pai tentando ensinar e configurar uma hombridade aos filhos; a mãe é mais delicada, e exibe um discurso esperançoso e amoroso (como ensinando aos filhos a amarem os próximos); já o filho mais velho, o rebelde, afirma o repúdio ao pai (rigoroso com ele) e sua revolta contra a família, suas dúvidas quanto à formação imposta pelo pai. No futuro, Jack (Sean Penn) continua com suas contestações e tenta entender como os pais conseguiram viver após a perda do primogênito.
Tudo isso, intercalado com takes do planeta terra em sua formação. Malick utiliza também o recurso da dialética na montagem de seu filme, onde as imagens sobrepostas às sequências de ações (com ou sem diálogos) proporcionam aos espectadores o poder da tese, antítese e síntese. E que se somada às imagens e sequências fragmentadas, bastam para a narrativa; é assim que o diretor se comunica com seus espectadores.
As atuações também adicionam ao longa qualidade. Brad Pitt mais uma vez interpretando um pai de família, faz com que os espectadores se esqueçam que um dia ele já foi um galã. O pai, sempre rigoroso e com ensinamentos rígidos e brutos; causando nos filhos revolta e ódio a ele. Mesmo com estas características, Pitt, conseguiu adicionar à interpretação cuidado com o personagem, causando nos espectadores empatia. Pois quem é pai, deve saber que se deve ter cuidados na criação. Mesmo ríspido, seco e violento (por vezes); pode-se perceber que isto faz parte da educação e que ao mesmo tempo ele os ama muito. Diretor e ator conseguiram imprimir tal preocupação.
Já a mãe é a parte frágil, e dúbia. O porto seguro dos filhos e a intermediária entre eles e o pai. Os filhos a todo tempo mostram suas dúvidas e medos. Que são consolados pela rispidez do pai e proteção da mãe. Sean Penn, o filho do meio, mesmo adulto, imprime os medos que quando jovem assolavam seus pensamentos e a falta do irmão.
Para alguns espectadores, Árvore da Vida pode parecer monótomo e incompreensível; mas para os acostumados com o cinema europeu e fascinados pela técnica de montagem terão uma bela experiência com esta preciosidade cinematográfica. Uma viagem à criação do mundo e dos filhos, realizado de forma poética e cruel.
O hypado diretor Terrence Malick estreou em Cannes o seu (apenas) quinto longa, em mais de três décadas de carreira. Conhecido pelas excentricidades, por ser antissocial e genioso, não compareceu ao festival, que mesmo assim não deixou de agraciá-lo com a Palma de Ouro. Mas desta vez o diretor não foi unanimidade. Agraciado fervorosamente por uns e depredado por outros, levou o prêmio na base da polêmica.
Ou talvez pelo medo do júri em dizer que o filme é simplesmente ininteligível. Sim, porque é de duvidar que todos tenham entendido a mensagem.
Feito para poucos, frustará aqueles que irão ao cinema por se tratar de um filme com Brad Pitt. Estes sairão logo no início da sessão. Talvez felizmente, porque são os primeiros trinta minutos os melhores do filme. É quando Malick explora imagens em alusão ao Big Bang e ao paraíso ou à dor dos pais pela perda de um filho.
Os pais, no caso, são interpretados por Brad Pitte Jessica Chastain. Jessica é uma revelação, além de ser dona de uma beleza ímpar. Pitt é regular, como um pai extremamente autoritário, que dá aos filhos uma educação calcada em dois princípios: o religioso e o machista. Sua mulher e seus filhos têm para com ele uma relação de submissão, que beira a humilhação, nos padrões de um império do medo. Assim, os filhos têm no aconchego da mãe (e só durante a ausência do pai) a sua válvula de escape.
Além deste tempo e da atemporalidade das imagens abstratas, acompanhamos, por mais que infimamente, um dos filhos do casal, já mais velho, vivido por Sean Penn, ainda tentando cicatrizar as feridas do passado. O que pode frustrar a maioria é que os três tempos não tem, na verdade, amarras. São independentes entre si e podem ser interpretadas ao gosto do espectador. Isto pode ser bom, para quem não se incomode com o fato.
A cinematografia do sublime, dotado de um experimentalismo calculado e as visões apocalípticas plásticas e conceituais são o grande trunfo do longa. Um espetáculo que só poderá ser realmente apreciado numa (boa) sala de cinema. A câmera, nas sequências que acompanham a família, é completamente livre, quase desgovernada e o que impressiona é que nem por isso são menos belas.
Confesso que pelo menos através destas cenas pude sentir – mais do que refletir sobre – esta angústia dos pais. Pensando assim, tive uma ótima experiência sensitiva. Não tão impactante quanto o Koyaanisqatsi de Godfrey Regio, mas ainda assim válida. Só agradeceria se uns tais sussuros fossem retirados, pois os mesmos têm o efeito de um arranhar de quadronegro, com umas unhas bem compridas. E, apesar de ser a favor de histórias abertas, desta vez eu senti falta de uma explicação. Com um espírito filosófico talvez eu pudesse encontrar a mesma.
O diretor de fotografia Émmanuel Lubezki declarou à Cahiers du Cinema que a versão em blu-ray pode trazer um corte do diretor, com seis horas de duração. Isso porque Malick tinha inicialmente oito horas de filmagens nas mãos e teve que cortar seis delas para a versão dos cinemas. Com elas foi-se também a história do personagem deSean Penn, que originalmente teria a mesma atenção que a do personagem deBrad Pitt, mas que no fim ficou com cerca de dez minutos. Das duas uma: ou as partes que faltaram para entender qual era a intenção do diretor estarão nesta nova versão ou confirmar-se-á que o projeto não tem realmente um nexo. Agora é pensar se ainda valerá a pena pagar para tirar a prova.
Sinopse: Dawn perde seu marido repentinamente, por causa de um ataque cardíaco, e tem de cuidar sozinha dos filhos. Simone, a única menina na família, acredita que o espírito do pai agora habita a árvore que fica na frente da casa deles.
A produção franco-australiana A Árvore (The Tree) tinha tudo para passar despercebida pelos olhos do público, mas dois fatores concederam ao filme certo destaque. A presença de Charlotte Gainsbourg (Anticristo) encabeçando o elenco por si só já é um atrativo, mas o longa também foi muito bem cotado durante sua passagem pela Mostra de Cinema de São Paulo.
Todo esse alarde em torno do título pareceu, pelo menos para esse crítico, descabido. O filme realmente tem suas qualidades, mas é mediano, em geral. É esperado que uma produção que ganha tanta falação positiva durante um dos festivais de cinema mais conceituados do Brasil seja realmente uma obra singular – o que não é o caso.
A Árvore merece elogios pela forma como sua história é conduzida, como somos convidados a ver a dinâmica de uma família que tem de mudar muito de sua rotina por causa de uma tragédia repentina. Entretanto, o enredo desenvolve-se e termina sem grandes sobressaltos, sem emoção à flor da pele.
Outro ponto positivo do filme está na ambiguidade que permeia a questão central de sua história. Se a árvore realmente abriga o espírito do finado esposo/pai não parece importar, mas não há como negar que indícios de que isso tenha acontecido não faltam. O que é mais interessante nesse sentido é a forma como esse aspecto mágico consegue encaixar-se com perfeição em um roteiro que, no demais, é bem realista.
