Querendo colocar mais indagações cinéfilas em sua mente, o jornalistaRaphael Camacho resolveu sonhar o improvável, um eventual longa metragem hollywoodiano do maior sucesso dos animes, “Cavaleiros do Zodíaco”. Imaginaram tal feito? Quantos recordes de bilheterias essa produção bateria mundo à fora? Uma legião de fãs cinéfilos lotando todas as sessões desse clássico de muitas juventudes.
A série exibida na televisão foi uma adaptação do ‘mangá’ homônimo criado por Masami Kurumada (gênio). A primeira exibição ao público foi feita pela Toei Animation no Japão na TV Asahi, no dia 11 de Outubro de 1986. Seu nome original é “Saint Seiya” e teve sua música de abertura gravada em português pela banda Angra, na poderosa voz deEduardo Falaschi.
Para situar os que não conhecem tal saga magistral, basicamente falando, a história conta a trajetória de jovens guerreiros guiados pelas constelações, protetores da deusa da sabedoria, da paz e da guerra. Assim, o grupo de cinco guerreiros místicos, lutam em nome da deusa Atena contra seres maléficos que pretendem dominar o mundo.
Agora que estamos ambientados com a história, vamos sonhar um pouquinho?
Saori Kido
A Jovem grega é adotada pelo milionário Mitsumasa Kido e criada como sua neta. Saori é a reencarnação da deusa Atena no século XX, que sempre retorna à Terra quando a humanidade se encontra ameaçada pelas forças do mal.
Quem deveria interpretá-la nos cinemas: Cate Blanchett
Porque: Para interpretar Saori Kido, uma das personagens emblemáticas da historia precisaríamos de uma atriz com presença de palco e que exale carisma por onde passar. A veterana atriz australiana (ganhadora do Oscar) ‘cairia como uma luva’ nesse papel. E, por favor, sem comparações com a Galadriel, obrigado.
Seiya de Pégaso
Órfão, foi separado de sua irmã Seika e forçado a se tornar um Cavaleiro. Após conseguir cumprir tal missão e muito motivado pela vontade de rever sua irmã, Seiya depois descobre seu destino com um dos soldados de Atena, protegendo-a por vários anos e renascendo cada vez que a deusa reencarna, para apoiá-la na batalha final contra o mal que consume a Terra.
Quem deveria interpretá-lo nos cinemas: Emile Hirsch
Porque: Para o papel de um dos mais adorados cavaleiros dessa história (quem nunca tentou soltar um “me dê sua força Pégaso” ?) o Californiano Emile Hirsch seria uma ótima escolha, já mostrou seu talento no filme “Na Natureza Selvagem”.
Shiryu de Dragão
Shiryu é o mais maduro e sábio entre todos os cavaleiros. Treinou na China para obter a Armadura de Bronze da constelação de Dragão tendo como mentor o Cavaleiro de Ouro de Libra. Sua armadura é conhecida por possuir surpreendentes propriedades ofensivas e defensivas, nas respectivas formas de punho e escudo.
Quem deveria interpretá-lo nos cinemas: Matt Dillon
Porque: Quem dirigiria esse filme tem fama de salvar carreiras de astros que ficaram esquecidos do imaginário cinéfilo. Matt Dillon é um bom ator, porém, volta e meia é esquecido pela memória cinéfila. Esse poderia ser o grande filme dele.
Hyoga de Cisne
Hyoga é o Cavaleiro de Bronze da constelação de Cisne e nasceu na Sibéria, que na época do lançamento do mangá, pertencia à União Soviética. Então, Hyoga é russo na verdade! Sua maestria do Cosmo lhe garante a habilidade de criar gelo e neve em temperaturas de zero absoluto. Calmo por natureza, demonstra um exterior sem emoções.
Quem deveria interpretá-lo nos cinemas: Ewan McGregor
Porque: Toda boa produção em cinema precisa ter a experiência de um grande ator entre os personagens. Ewan McGregor caracterizado poderia parecer muito com o Yoga. Para quem já dançou o Moulin Rouge o que seria soltar uns pós de diamante?
Shun de Andrômeda
Shun é o cavaleiro da constelação de Andrômeda e sua armadura possui correntes, utilizadas tanto para o ataque quanto para sua defesa. Misericordioso e gentil por ser essa a sua natureza, prefere resolver conflitos sem derramar sangue. É o irmão mais novo de Ikki.
Quem deveria interpretá-lo nos cinemas: Paul Dano
Porque: O jovem ator com mais de 18 produções no currículo, mostrou extrema competência em longas como: “O Bom Coração”, “Pequena Miss Sunshine” e “Sangue Negro”. Poderia surpreender os que não acreditam nele e quem sabe até ganhar uma indicação ao Oscar de melhor ator coadjuvante.
Ikki de Fênix
Ikki é completamente o oposto de seu irmão Shun: solitário, frio e agressivo. Treinado na Ilha da Rainha da Morte, o então aspirante a Cavaleiro de Fênix é ensinado a cultivar o ódio e chega até mesmo a desejar matar o irmão, culpando-o pelo destino que teve. Ikki é um antagonista no início da série, mas logo se regenera e passa a proteger Atena e seu irmão dos perigos que o grupo enfrenta contra os seres do mal.
Quem deveria interpretá-lo nos cinemas: Joaquin Phoenix
Porque: O interessante ator Joaquin Phoenix adora surpreender o público com papéis diferentes e com bastante carga emocional envolvida. Daria o tom certo de sofrimento que esse personagem amargurado precisa. Provavelmente seria elogiado pela crítica e pelos fãs da saga.
Quem deveria ser o roteirista:
Robert Rodriguez e Quentin Tarantino
Porque: Com essa dupla não tem erro. Show na telona!
Porque: Nessa caso é preciso manter o que já se consolidou. A abertura brasileira de Cavaleiros do Zodíaco é um marco nos desenhos exibidos por aqui, sendo assim, porque não deixa os roqueiros brasileiros (que fazem um tremendo sucesso no Japão) assinarem a trilha desse filme?! Ia ser show!
Quem deveria ser o diretor:
Quentin Tarantino
Porque: Meu Deus! Já imaginaram isso? Seria o desenho adaptado para a telona com os diálogos mais sensacionais da história do cinema. Um banho de sangue e inteligência na condução das cenas. Nesse caso a classificação do filme teria que ser elevada um pouquinho pois sabemos como o Tarantino adora cenas fortes. Concorreria ao Oscar com certeza.
É triste para o cinéfilo de longa data ver a era das videolocadoras chegando ao fim. Algumas redes de locadoras ainda se seguram no aluguel de DVDs e Blu-Rays, mas o número de locadoras físicas está caindo cada vez mais.
Segundo a UBV – União Brasileira de Vídeo, havia quase 14 mil locadoras no Brasil entre entre 2003 e 2005. Em 2009, esse número caiu para 6 mil. Hoje, são menos de 4 mil locadoras.
Ir alugar um filme em VHS era considerado quase um ritual até o fim da década de 2000, quando surgiu a internet e a pirataria.
Hoje, quase todos baixam filmes ilegalmente ou legalmente – ou compram os filmes por Pay-Per-View. Além disso, também cresceram assustadoramente o número de assinantes de TV à cabo – que já passam lançamentos em sua grade de programação.
Neste ano, o Brasil está em 5º lugar no ranking dos países que mais baixaram filmes ilegalmente: foram 19,7 milhões de downloads, segundo o Musicmetric. Em 2015, o estudo prevê que o Brasil será vice-líder mundial em downloads ilegais, ultrapassando a Inglaterra.
Visando continuar faturando com seus filmes, as distribuidoras iniciaram a venda de seus filmes online, com a qualidade de Blu-Ray e preço similar ao DVD.
O problema no Brasil? Apesar de ser ilegal, baixar filmes gratuítamente é uma opção segura no país, gratuíta e cômoda. Como as distribuidoras irão driblar essa concorrência desleal?
E então, fica a dúvida: Como será o futuro dos filmes em Home Video no Brasil? Até quando você acha que vão durar as videolocadoras? Sentirá saudades de levar multa por ter esquecido de rebobinar o VHS na entrega?
No livro Ironias da Modernidade, o teórico Arthur Nestrovski afirma que uma das características da arte no século XX é a metalinguagem: diversos filmes e livros homenageiam, fazem pastiches e paródias de outros filmes ou obras de artes como a pintura e a música.
EmO Artista, filme mudo e preto-e-branco, dirigido por Michel Hazanavicius, nós viajamos até a década de 20, adentrando no mundo do cinema mudo e os problemas advindos da tecnologia do cinema sonoro.
Talvez um dos melhores filmes de 2011, O Artista abarca as problemáticas que outros filmes clássicos já fizeram muito bem, como Cantando na Chuva e Crepúsculo dos Deuses, mas com toques especiais, sem apelar para o mais do mesmo: aqui, as performances são brilhantes, a direção de arte e fotografia impecáveis, a trilha sonora mágica e o roteiro bem elaborado.
O filme nos leva aos anos 20. George Valentin (o ótimo e sedutor Jean Dujardin) é um dos mais representativos atores do cinema mudo, estrelando diversos sucessos ao lado do seu cachorro Jack Russel. Queridinho das plateias, invejado por muitos, entra numa seara de depressão e cai no ostracismo ao não se adaptar aos ditames do cinema falado, tornando a sua vida um desastre.
No lançamento do seu último filme, George conhece Peppy Miller, que ao sair nos jornais abraçando o ator, ganha notoriedade e é convidada a estrelar filmes sonoros, enquanto Valentin começar a decair. Peppy é uma jovem dançarina e aspirante a atriz que ganha toda a notoriedade da mídia. Ele até tenta produzir algumas coisas, insistindo no formato mudo, já desgastado e indesejado pelo público afoito por novidades. Desta forma, é ai que entra a sacada da direção e do roteiro, metaforizando com a contemporaneidade e o culto das celebridades vazias e tecnologias que sobrepõem umas as outras de maneira avassaladora. Tudo que não é novidade é descartado assim que uma novidade está preste a dar seu primeiro sinal.
Algumas cenas nos remetem diretamente ao clássico Cantando na Chuva, brilhantemente atuado por Genny Kelly e Debby Reynolds: são as coreografias e estilo. Em outros momentos, somos remetidos a Crepúsculo dos Deuses, de Billy Wilder. A não adaptação da estrela de cinema ao mundo do cinema sonoro leva o artista a um denso estado de depressão e desespero. No bojo dos problemas, os Estados Unidos enfrentavam a celeuma do crash da bolsa de Nova York em 1929.
Jean Juardin consegue expressar cada palavra que não podemos escutar, num filme ambientado nos anos 20, mas contemporâneo em sua excelente execução, motivos que lhe concederam 10 indicações ao Oscar deste ano. O cachorrinho utilizado como amigo do personagem George era comum naquele período, basta lembrar de Charles Chaplin, que por sinal, tem um filme intitulado O Cachorro.
O ritmo de O Artistaé fluente graças a edição de Anne-Sophie Bion e a beleza das cenas ficam por conta da direção de arte de Gregory S. Hooper.
Para os que adoram curiosidades, o diretor faz uma homenagem ao clássico Cidadão Kane: nas cenas de café-da-manhã de George e sua esposa, as expressões de amor, vão se transformando em indiferença ao passar do tempo. A história faz referencia a dupla John Gilbert e Greta Garbo, que foram um casal na vida real. Ele era a estrela do cinema mudo, mas na transição para o cinema sonoro, Greta Garboconseguiu maior espaço e expressão. No sonoro Rainha Christina, Garbo solicitou a presença de Gilbert. Muito similar ao enredo de O Artista.
O Artista levou para casa 5 Oscars, incluindo o de Melhor Filme. Com 100 minutos de duração, é magnético e merece ser visto por todo mundo que deseja conhecer um pouco mais da história do cinema mundial. Guillaume Schiffman assina a fotografia,Ludovic Bource assume a trilha sonora e Michel Hazanavicius é o responsável pelo roteiro e direção desta singular obra de arte.
E a família mais amarela do mundo completa 22 anos de histórias. Nem consigo imaginar quantas horas da minha vida passei assistindo à família mais famosa dos Estados Unidos. São mais de 450 episódios, um filme, centenas de participações inesquecíveis e uma cidade completa.
Já houve ameaças de fim da série, com o protesto dos fãs; já tiveram prêmios, polêmicas, tudo que um seriado histórico merece.
Bart foi culpado pela violência dos adolescentes da América. Marge posou nua. Até oD’ho do Homer foi parar no dicionário. Não há quem questione a importância da série.
Já sua vitalidade…
É inegável que os episódios, ao menos desde a 18ª temporada, são menos mordazes, irônicos, provocativos. Menos inteligente não! Apesar de alguns acharem os atuais episódios fracos, é difícil não reconhecer inteligência. Talvez todos concordem que o seriado é uma visão privilegiada da sociedade (não só da norte-americana). Mesmo assim, quando assisto episódios constrangedores de tão ruins, me pergunto, o porquê sento para ver essa família amarela?
Meus primeiro episódios foram na Globo. Depois, inventaram TV por assinatura na minha casa eOs Simpsons se tornaram diários. Houve épocas que todo dia assistia; em outras, só aos fins de semana; mais adiante, apenas os inéditos aos domingos; rola mais o calendário, eles voltavam a me acompanhar todos os dias. Atualmente, assisto mais aos fins de semana. E foi acompanhando a estréia da 22ª temporada, em meio a piadas fraquinhas e alguns lances geniais, me perguntei: por que continuo na frente da TV?
Nas listas de melhores episódios, a maioria, ou todos, foram produzidos até idos da 12ª temporada, e já estou sendo generoso. Clássicos como a viagem de Homer ao espaço, a tentativa de Bart de saltar a Garganta de Springfield, o Moe Flamegante, a prisão de Krusty, o assassinato de Burns pela Meggie (por favor, isso não é mais spoiler!). Para mim, um dos incríveis é a história do nascimento da Meggie, que termina com a frase “faça isso por ela”. Obras-primas do humor e da animação, mistura perfeita de ironia e emoção.
Também podemos fazer com tranquilidade a lista dos 10 episódios esquecíveis, como aquele no qual o Diretor Skinner revela não ser o verdadeiro Direito Skinner. Tão ruim que no fim do episódio o juiz decretou que ele era o verdadeiro Diretor Skinner!
As últimas 5 temporadas não tem vulgaridades como essas. O que se vê são enredos ora absurdos, ora simplórios, a mesma estrutura dos episódios e histórias menos ácidas e mais sentimentais. Há episódios com uma profundidade que não se via no começo do programa. Ao invés dos finais irônicos, são recorrentes os fechos sentimentais, com exaltação da família e do amor/carinho. Não há pieguice. Parece que estamos diante daquela pessoa de meia idade que na juventude foi radical e hoje olha as coisas com serenidade. É isso! “Os Simpsons” se tornaram aquele tio de meia idade que adoramos conversar!
Mas não é só por isso que continuo a assisti-los.
Por pior que sejam as histórias, elas continuam a serem inteligentes, com texto bem escrito, animação impecável e sempre com uma perola de humor e ironia para nós. Em temporada recente, Homer pergunta à Marge: “mas, por que não posso julgar as pessoas pela sua religião?!?!?!”
A evolução das personagens é um bom motivo para sintonizar no programa. É incrível como até o mais secundário morador de Springfield ganhou complexidade. Caso a parte é da Lisa: de perfeitinha, tornou-se ambiciosa, com fobia do fracasso e capaz de fazer coisas erradas, sem deixar de bancar a chata voz moral da família.
Mas será que ainda acompanhamos os Simpsonspor hábito? Eles são exibidos todos os dias e aos domingos têm novidade. Não podemos deixar de fora a última máxima deHomer. E os especiais do Dia das Bruxas são aquela porção extra de morango. Ou será a capacidade de, mesmo os piores enredos, ficarem acima da média? Ou, porque mesmo após 22 temporadas, eles ainda nos surpreendem?
Duas décadas e a criação de Matt Groening é símbolo de uma época na qual as bandeiras são tecidas com deboche e sem-vergonhice, mas nunca sem sentimentalidade. “Os Simpsons” criaram um gênero, lançaram moda e foram absorvidos pelo imaginário popular. Basta dizer que, mesmo sem terem visto um único programa, meus pais sabem quem é Homer!
Em homenagem ao enorme sucesso de “Homem de Ferro 3”, cuja qualidade vem sendo discutida por todos desde que estreou há duas semanas, resolvi formular uma lista com os melhor e piores filmes produzidos sob a tutela da Marvel, nos últimos 15 anos (desde que realmente emplacou no cinema). Veja abaixo:
Piores:
4. Elektra (2005)
Derivado de “Demolidor – O Homem Sem Medo”, esse é o filme solo da personagem interpretada por Jennifer Garner. Muitos apontam “Demolidor” como um filme dispensável, no mínimo, mas até mesmo seus detratores dão o braço a torcer de que o filme protagonizado pelo herói cego é superior a essa escapada solo da guerreira ninja vivida por Garner. O dano não foi maior por se tratar de uma personagem não muito conhecida do universo dos quadrinhos, fazendo com que muita gente não tenha visto ou tomado conhecimento da produção.
Mesmo assim são muitos os problemas aqui. O principal deles é a descaracterização da personagem, inicialmente apresentada no filme como uma assassina fria e implacável, ela é transformada de uma hora para outra numa humanista de bom coração. Junte a isso a mania dos estúdios de quererem criar simpatia adicionando o relacionamento do herói com alguma criança genérica trazida pelo roteiro (erro contido em “Superman – O Retorno” e no recente “Homem de Ferro 3”). A lenda prega que a própria Jennifer Garner teria dito a um repórter que achava o filme terrível, mas precisou protagoniza-lo devido a obrigações contratuais.
3. Homem-Aranha 3 (2007)
Execrado pelos fãs como um dos piores filmes baseados em quadrinhos, a terceira parte da trilogia criada por Sam Raimi sofre principalmente pelos excessos. As discordâncias entre o diretor e os produtores da Sony foram crescendo de tal forma, quanto ao controle criativo da obra, que rendeu uma das produções mais problemáticas da época (embora o cineasta hoje desminta). O principal fator aqui é que Raimi não queria nenhum dos antagonistas apresentados no filme, e preferia uma história centrada no alado Abutre, que seria vivido por John Malkovich, e na Gata Negra (Anne Hathaway chegou a fazer o teste para o elenco).
Por uma questão de estética a preferência foi dada ao vilão arenoso vivido porThomas Haden Church. Inicialmente Raimi foi estritamente contra a presença do segundo vilão no filme, Venon, a criatura gelatinosa vinda do espaço. Raimideclaradamente disse detestar o personagem por sua falta de humanidade. O produtorAvi Arad eventualmente conseguiu convencê-lo já que o vilão possui grande apelo junto a fãs mais novos. O personagem, no entanto, parece ter sido maltratado por Raimi no filme, com pouco espaço em cena e descaracterizado. Mas nada nos prepararia para o horror que foi o “emo Peter”…. Infelizmente o filme termina com uma clara abertura para uma continuação, que nunca viria.
2. Motoqueiro Fantasma (2007) e Motoqueiro Fantasma: Espírito de Vingança (2012)
Sinceramente não consigo decidir qual dos dois filmes do personagem demoníaco protagonizado pelo infame Nicolas Cage é o pior. O primeiro é dirigido pelo mesmoMark Steven Johnson de “Demolidor”, e trazia um tom cômico e cartunesco para um personagem que pedia seriedade e terror. O personagem foi criado na linha da Marvelmirada ao público um pouco mais velho, justamente por fazer uso de material impróprio para crianças, em sua maioria grande violência. Já o filme foi diluído e muito para acomodar o grande público pagante, os adolescentes. Então, ao invés de desmembramentos, sangue e citações barra-pesada sobre o inferno e demônios (tema da história), ganhávamos piadinhas disparadas por Cage a cada minuto, e muito efeito de computador que passavam o sentimento de realmente estarmos assistindo ao desenho animado do personagem.
Cage até se esforça e nas entrevistas para promover o filme antes de seu lançamento, jurava que esse era um filme de monstros. Alguns anos depois, e o personagem ganhava uma segunda chance, junto com Cage, que o personificava de novo. A esperança era grande já que na direção tínhamos os frenéticos Mark Neveldine eBrian Taylor, prontos para cair de pau na ação, e efeitos muito mais legais, crus, sujos e realistas, que realmente pareciam colocar o personagem em nosso mundo. Tudo parecia no lugar para o filme marcar um gol. O problema do segundo “Motoqueiro Fantasma” é seu roteiro. Com uma história genérica e desinteressante, esse é um filme enfadonho, que novamente cai na armadilha de focar a trama numa criança (parece sempre um escape fácil), além de personagens mal desenvolvidos (como o próprio protagonista).
1. X-Men Origens: Wolverine (2009)
O fato de ter vazado na internet (com os efeitos inacabados) antes de seu lançamento nos cinemas foi o menor dos problemas desse primeiro filme solo do mutante mais cultuado pelos fãs. Não há dúvidas de que Hugh Jackman continua perfeito no papel, e aqui ele é a melhor coisa dessa obra desavergonhada. Depois do sucesso dos filmes anteriores, os produtores da Fox erram feio na mão com esse filme, que claramente é apenas uma desculpa para vender brinquedos e videogames. Algo como o diretor Joel Schumacher já admitiu em relação ao péssimo “Batman e Robin”. “Wolverine” igualmente é um produto que não tem nenhum apego a uma obra cinematográfica, uma pena para o talentoso Gavin Hood (diretor do filme).
A estrutura do filme funciona assim: Wolverine encontra um personagem e luta com ele, encontra outro personagem exótico e outra luta, outro encontro e outra luta, e por assim vai. O filme também sofre com o excesso de personagens, todos mal desenvolvidos, essa parece ser a maldição de muitos filmes baseados em quadrinhos. Os produtores precisam aprender que às vezes menos é mais. “Wolverine” é meu eleito como o pior filme recente já produzido com o selo da Marvel porque vem de produções boas, que já haviam mostrado como fazer. O mesmo pode ser dito de “Homem-Aranha 3”, mas ao menos o filme não mudou em seu tom, cenas ou até mesmo o protagonista. Já “Wolverine” retrocede o que Bryan Singer havia criado originalmente, que era colocar os mutantes em nosso mundo, com poderes e tudo. “Wolverine” é tão irreal e desprovido de humanidade que realmente parecemos estar assistindo a um desenho.
MELHORES:
4. Blade II (2002)
Deixe para Guillermo del Toro criar um baita filme de terror, e colocar como protagonista um personagem saído de quadrinhos, mesmo que seja um quadrinho desconhecido. Blade vinha do time C da Marvel, ou seria D, com uma caracterização original totalmente saída da década de 1970 (o que incluía golas altas e calça boca-de-sino no melhor estilo John Travolta). Os envolvidos com o filme original já haviam realizado um ótimo trabalho em caracterizar o personagem de forma mais séria, num eficiente thriller de ação.
Sem dúvidas o primeiro Blade também entraria numa lista dos melhores, já que criatividade no filme é o que não falta. Mas o segundo filme, dirigido por del Toro, é mais cru, violento, e muito mais assustador. Para começar o cineasta subverte totalmente o que havia sido apresentado no filme anterior em relação aos vampiros, com a criação dos Reapers, transformando assim os predadores do filme original, em vítimas na continuação. Com uma estrutura que lembra um faroeste, del Toro monta seu bando de protagonistas comandados por Blade (Wesley Snipes), que irão cair um a um no combate com os antagonistas.
Para completar, o diretor ainda forja algumas reviravoltas, como o ressurgimento do velho mentor do protagonista, a traição de um aliado, e a mudança sobre quem de fato era o vilão aqui. A empolgação de Snipes era tanta em viver o personagem, que na época do lançamento do filme original o ator aparecia caracterizado como Blade em programas de entrevistas como o de David Letterman, para promover o filme. Empolgação que podemos sentir na tela nesse segundo filme. Já no terceiro, dirigido pelo roteirista dos filmes originais David Goyer, o clima era tenso, e a produção foi problemática com Snipes tentando esganar literalmente o diretor. O resultado também vemos na tela.
3. Homem de Ferro (2008)
O que falar sobre o primeiro “Homem de Ferro” que já não tenha sido muito dito. Talvez o mais importante seja que a franquia não existiria sem Robert Downey Jr., ou pelo menos não dessa forma que temos. E pensar que por anos o astro Tom Cruise esteve vinculado ao filme para viver Tony Stark. A Marvel foi sábia em não fechar contrato com o ator, a menos que quisesse o Homem de Ferro de Tom Cruise, e não oHomem de Ferro da Marvel. Downey Jr. foi escalado, e salvou o dia. Mas igualmente o filme salvou sua carreira, transformando-o num dos atores mais rentáveis de Hollywood.
O interessante aqui é que o Homem de Ferro sempre foi um personagem do time B daMarvel, e o que vemos nas telas do novo Tony Stark é tudo Downey Jr.. Mas “Homem de Ferro” não é só Downey Jr., fosse o caso, o subestimado segundo filme e o superestimado recente terceiro episódio seriam igualmente elogiados. O que contou aqui foi uma superprodução que tinha tudo no lugar certo, e equilibrava momentos sérios e diversão descontraída, tratando o público com respeito, e os atores entrando no projeto como se estivessem mirando prêmios.
2. X-Men 2 (2003)
O impacto causado ao assistir a continuação orquestrada por Bryan Singer de seu filme anterior foi tão grande, que até hoje ressoa comigo. O primeiro “X-Men” pode se gabar de ter sido o primeiro filme mainstream da Marvel a fazer de maneira correta. Mas na época filmes de super-heróis de quadrinhos eram uma grande incógnita, e por mais que Singer viesse de filmes prestigiados, sua verba foi curta e seu filme podado para encaixar em apenas 90 minutos de projeção. Tudo poderia sair muito errado. Tudo saiu muito certo.
E Singer recebeu sinal verde para um filme maior e melhor. “X-Men 2” elevou o jogo em todos os quesitos; pôde desenvolver melhor seus personagens num filme mais longo, e Singer teve recursos suficientes para nos tirar o fôlego com suas grandes cenas de ação. Preferindo sempre usar o mínimo de efeitos de computador possíveis, o diretor se mostra da velha guarda criando tudo de maneira prática durante as filmagens, e adicionando o mínimo na pós produção. “X-Men 2” ainda reina como o melhor filme dos mutantes no cinema, e possui algumas das cenas mais antológicas já criadas para um filme do subgênero, como a discussão sobre deixar de ser um mutante, com os país do personagem Homem de Gelo.
1. Os Vingadores (2012)
Não tem jeito, o mais lucrativo filme da Marvel é também seu melhor e mais completo. É raro lucro e qualidade casarem, mas no caso de “Os Vingadores” seu sucesso é justificável. Em parte por uma sacada de gênio da Marvel que desenvolveu todos os personagens do filme, em projetos solo anteriores, dessa forma não precisávamos adentrar nenhuma de suas histórias de origenm, e o diretor Joss Whedon pôde se concentrar apenas no desenvolvimento dos personagens, seu relacionamento, e é claro, nas empolgantes cenas de ação. Uma aposta arriscada que poderia muito bem ter resultado numa verdadeira bomba (era o que achava o seu terrivelmente equivocado locutor), cujos medos foram limados ao chegar ao conhecimento geral que a obra teria duas horas e meia de projeção. Whedon, vindo da TV, mostra como fazer malabarismo com diversos personagens num único filme de forma satisfatória. Uma verdadeira aula.
Dinheiro, glamour, fama… é quase impossível não ter sua aparência alterada para melhor quando você leva uma vida de celebridade, com direito a assessores, tratamentos, cabelereiros particulares e uma equipe à seus pés.
As grandes celebridades de Hollywood gastam fortunas para parecerem perfeitas:Botox, extensões de cabelos, treinadores pessoais para musculação, personal stylists…
Com exceção de um ou outro jogador brasileiro de futebol, cujo nome não citaremos para evitar processo, a maioria das celebridades são endeusadas pelo poder dinheiro e benefícios da fama.
Sendo assim, separamos várias imagens dessas gracinhas antes e depois da fama.
Roberto Bermudez é um especialista em Direito criminal cuja vida se torna um caos quando ele se convence de que Gonzalo, um de seus melhores alunos, cometeu um assassinato brutal em frente à Faculdade de Direito. Determinado a descobrir a verdade ele começa uma investigação pessoal que logo vira uma obsessão e o leva inevitavelmente a lugares sombrios. A verdade está próxima, mas a que custo?
O novo filme de Marco Bellocchio faz uma exploração multifacetada da complexa questão da eutanásia, em resposta ao famoso e controverso caso de Eluana Englaro na Itália. Um senador tem de decidir se quer aprovar uma lei que vai contra a sua consciência e a linha de seu partido, enquanto sua filha Maria, uma ativista de um movimento pró-vida, protesta na porta da clínica na qual Eluana está sendo tratada. Ao lado de seu irmão, Roberto é um militante laico, um opositor por quem Maria se apaixona. Em outra parte, uma grande atriz procura por sua fé e um milagre para salvar a filha, que está em coma irreversível há anos, e por quem ela sacrificou sua relação com o outro filho. Por fim, a desesperada Rossa quer morrer, mas um jovem médico chamado Pallido opõe-se radicalmente ao seu suicídio. Essas histórias convergentes são conectadas por uma reflexão sobre o sentido da vida.
Elenco: Bete Dorgam, Pierre Santos, Cida Almeida, Maria Manoella, Tatiana Thomé, Regina França, Lourenço Mutarelli, Paula Pretta, Marat Descartes e Guti Fraga.
Sinopse: Filme psicológico, thriller, road movie, drama social, “Chamada a Cobrar” narra as desventuras de uma senhora de classe alta paulistana, Clarinha, quando atende um telefonema qualquer e descobre que sua filha foi sequestrada.
