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Dores de Amores

(Dores de Amores)

Elenco:

Milhem Cortaz, Fabiula Nascimento, Walderez de Barros, Ricardo Pereira, Nilton Bicudo, Gustavo Novaes, Gabriel Moura.

Direção: Raphael Vieira

Gênero: Drama

Duração: 77 min.

Distribuidora: Coqueirão Pictures

Orçamento: US$ — milhões

Estreia: 27 de Setembro de 2013 (São Paulo)

Sinopse:

Dores de Amores é uma adaptação da peça escrita por Léo Lama, que fez enorme sucesso nos palcos do Rio entre 1989 e 1994, quando foi encenada por Malu Mader e Taumaturgo Ferreira. Na versão para o cinema, Fabíula e Milhem vivem o jovem casal em crise que busca uma solução inusitada para os seus problemas.

Curiosidades:

» Primeiro longa-metragem dirigido por Raphael Vieira.

Trailer:

Cartazes:

Fotos:

Festival do Rio 2013: Mato Sem Cachorro

GUTO & EU

É muito difícil saber que tipo de comédia nacional irá emplacar no gosto do grande público. A tarefa se torna difícil para os avaliadores porque no fundo todas parecem fazer uso de um humor bem similar, tornando quase impossível sua dissociação. A verdade é que as mais inocentes, e recomendadas para a família toda, vide Até que a Sorte nos Separe e Minha Mãe é uma Peça, tendem a levar mais gente aos cinemas. Já obras um pouco mais ácidas, e voltadas para assuntos mais recomendados para adultos, como O Concurso, acabam ficando mais restritos.

Talvez Mato Sem Cachorro sofra um pouco dessa síndrome, já que além do tema central aqui ser o relacionamento entre um casal, o filme faz uso em sua maioria de um humor incorreto, muito palavreado de baixo calão, e cenas que os correspondem. O protagonista Deco (Bruno Gagliasso, em seu primeiro papel no cinema) é um sujeito mais do que encostado, que divide o apartamento com o primo, vivido pelo humorista Danilo Gentili. Durante uma emergência, na qual levava o primo para o hospital, Deco quase atropela um cãozinho. O animal sofre de uma rara doença conhecida como narcolepsia canina.

A doença é definida como: toda vez que o animal fica muito excitado por qualquer que seja o motivo, ele cai num sono pesado, como um desmaio. Esse é o gancho para milhares de piadas iguais, todas fazendo uso da situação peculiar do cachorro. No mesmo dia em que quase é linchado devido ao incidente, o personagem principal conhece Zoé, vivida pela talentosa Leandra Leal (Bonitinha, Mas Ordinária). Os dois se apaixonam por algum motivo inenarrável, tendo em vista que o personagem Deco de Gagliasso é tão sem vida e introspectivo, que logo de cara começamos a torcer contra ele.

O sujeito não possui numa qualidade atraente que o redima, e mesmo seus gestos altruístas e boas ações parecem acidentes. O sujeito é empurrado a tais situações, nunca por vontade própria. Mesmo em personagens introspectivos é preciso existir ao menos uma qualidade redentora, para torná-lo minimamente interessante. Deco não possui uma sequer. Não possui desejos ou ambições, e passa os dias deitado no sofá. Seu maior feito foi ter colocado na internet um vídeo da cantora Sandy, bêbada numa Lei Seca (boa sacada que brinca com a persona de santinha da jovem celebridade).

As personalidades do casal principal não poderiam ser mais opostas. A personagem de Leal é uma jovem mulher cheia de vida e aspirações, trabalha num programa de rádio, e realmente ama animais. Apesar de ser um filme, existe algo muito errado em querermos que esses dois fiquem juntos. Se estivéssemos de fato vivendo de perto tal situação, não existe ninguém que não aconselharia Zoé a fugir o mais rápido possível. Mas no cinema o amor vence tudo, até a real felicidade de uma personagem para quem deveríamos torcer.

Sinceramente não acredito que pessoas que recriminaram O Concurso possam dar seu aval para esse Mato Sem Cachorro. Talvez apenas os românticos inveterados, pois no quesito humor, as duas produções não são minimamente desiguais. Aqui encontramos piadas com anões (assim como no filme citado), nudez masculina, e até masturbação em cachorros, tudo com o intuito de arrancar gargalhadas. Junte a isso montagens de cachorros fugindo num parque, com seu passeador (o citado anão) os perseguindo, sequência que aproxima o filme de qualquer uma dessas exibições da Sessão da Tarde, de filmes sobre animais.

Mato Sem Cachorro não é um desastre de trem completo. Obviamente sua proposta é jogar no seguro e atingir o maior número de pessoas possíveis. Danilo Gentili tem carisma o suficiente para roubar a maioria de suas cenas, talvez só precisasse de um material melhor e mais afiado. Leandra Leal consegue levantar a moral de qualquer obra em que esteja. Suas cenas são sempre recheadas de muita classe, até mesmo quando todo o resto não corresponde. A atriz consegue trazer seriedade e como já vimos na TV, fazer qualquer tipo de personagem. Ela é uma grande profissional. E Gagliasso mergulha de cabeça, como um ator metódico, se transforma e some em Deco. E o problema, para o filme, é justamente o protagonista.

Viagem Sem Volta

ELENCO JOVEM EM FILME QUE REMETE A POLANSKI

Viagem Sem Volta é o primeiro de dois filmes que o jovem ator americano Michael Cera fez no Chile, ao lado do diretor Sebastián Silva, a chegar ao Brasil. O segundo filme da dupla em terras latino-americanas é a comédia Crystal Fairy e o Cacto Mágico, aventura entorpecida que será exibida no Festival do Rio 2013. Já o thriller psicológico Viagem Sem Volta recebeu por aqui um lançamento direto em vídeo. Exibido em Festivais no início do ano, como Sundance e Cannes, a produção teve um lançamento restrito nos EUA.

Na trama, cinco amigos vão passar uma temporada na casa de campo no Chile de dois deles, os irmãos Augustín e Bárbara, interpretados respectivamente por Augustín Silva e pela colombiana indicada ao Oscar, Catalina Sandino Moreno (Maria Cheia de Graça). Por ser a mais velha do grupo, Bárbara, a personagem de Moreno, não participa muito da ação, ficando apenas com a parte da adulta responsável. Para isso o roteiro a tem muito em casa, lendo, ou fazendo qualquer outra atividade que a impossibilite de estar dentro dos principais acontecimentos da trama.

Augustín é namorado de Sara, papel da subestimada Emily Browning (Beleza Adormecida). Ela leva consigo a única integrante da turma que ninguém conhecia, Alicia, papel da inglesinha Juno Temple (Killer Joe – Matador de Aluguel). Fechando o quinteto, temos o amalucado Brink, papel de Michael Cera (da série Arrested Development), na performance mais estranha e bizarra de toda a sua carreira. Aliás, tais adjetivos servem muito bem para definir Viagem Sem Volta, uma obra que mistura o terror psicológico de clássicos de Roman Polanski, como Repulsa ao Sexo e O Inquilino, com filmes de jovens.

Esse é um filme no qual o suspense é latente durante toda a projeção, embora nunca saibamos de onde virá. E isso é um grande feito, conseguir arrancar tensão e inquietude sem ter verdadeiramente uma ameaça ou antagonista, apenas a própria mente humana. Ao final da exibição, grande parte do público poderá achar que essa é uma obra vazia, e a acusação será a de que não apresentou realmente nada durante sua projeção. Ledo engano. Viagem Sem Volta ganha muitos pontos por apresentar o monstro mais assustador de todos, os relacionamentos humanos.

O interessante aqui é que o diretor Silva, autor do roteiro também, apresenta sob todas as perspectivas e ângulos, a loucura. Ele transforma todos os personagens em vítimas e antagonistas ao mesmo tempo, e isso sem apresentar grandes motivos, apenas em coisas pequenas e situações corriqueiras. Situações que sempre acabam mal quando não ocorre o entrosamento necessário entre duas pessoas. A problemática Alicia (Temple) é deixada sozinha com a turma, mesmo seu único elo sendo Sara (Browning), que precisa se ausentar temporariamente.

Daí, devido a uma série de mal entendidos, e o comportamento inadequado (principalmente do personagem de Cera), a loirinha começa a surtar e pouco a pouco entrar em variados níveis de seu inferno pessoal. Pense na sociopatia de personagens como os de Catherine Deneuve e do próprio Polanski, em seus filmes citados anteriormente, e teremos definido grande parte do comportamento de Temple aqui. Mesmo com a chegada de sua grande amiga, que retorna ao grupo, as coisas não parecem melhorar. Junte a mistura uma espécie de hipnose, verídica ou não, da menina.

Mesmo sem ser perfeito, aliás, bem longe disso (sendo o principal defeito a chance de explorar devidamente todos os seus personagens – com Browning e Moreno totalmente sem função aqui), Viagem Sem Volta é um interessante estudo psicológico e sociológico, que funciona como um coquetel molotov esperando para explodir. O filme nos deixa sem saber aonde ficar e por quem torcer, já que os delírios são constantes. O desfecho é surpreendente e impactante. Mesmo deixando um grande gosto amargo na boca do público.

O Tempo e o Vento

Ainda que belo, filme é sabotado por sua estrutura didática e artificial.

A nova adaptação cinematográfica da cultuada trilogia literária O Tempo e o Vento, escrita por Érico Veríssimo, teve deveras uma produção à altura e recebeu, de certo modo, grande cuidado por parte do diretor Jayme Monjardim. Foram quase sete anos de reformulação no roteiro, tendo ele vinte e sete versões diferentes, até chegar nesta final, que é assinada por Letícia Wierzchovski e Tabajara Ruas, ambos gaúchos. Além, claro, de um considerável investimento financeiro, com direito a rodar o filme inteiramente usando câmeras 4K. Logo, esperávamos que este épico, inteiramente brasileiro, desse significado literal ao gênero – o que, em alguns aspectos, aconteceu, já em outros pontuais, nem tanto.

Tendo apenas no currículo, no que se refere a cinema, o pavoroso Olga, Monjardim traz consigo, novamente, a responsabilidade de transpor para a sétima arte, o que é considerado por muitos como o romance definitivo do estado do Rio Grande do Sul, e uma das mais importantes obras de arte do Brasil. Já que, brilhantemente, usando como plano de fundo um dos momentos históricos mais marcantes da história brasileira, a ocupação do Continente de São Pedro até o fim do Estado Novo, incluindo a Revolução Farroupilha, o escritor, através da saga das famílias Terra e Cambará, e de um romance que traz consigo uma gama de gerações, consegue prender o leitor com uma trama sólida e envolvente, mas, ao mesmo tempo, contextualizar o tema abordado, de forma muito orgânica.

Se Jayme conseguiu alcançar com êxito tal objetivo? Acredito que não. Até mesmo porque, condensar, de certa maneira, três livros complexos (O Continente, com mesclas de O Retrato e O Arquipélago) em um longa de pouco mais de duas horas não era uma tarefa fácil pra ninguém. E, conhecendo um pouco da carreira do cineasta e dramaturgo paulista, era de se imaginar que ele tendesse para a linguagem mais novelada e dramática, do ponto vista narrativo. O que acabou não sendo uma escolha tão acertada. Já que a fita perdeu parte do seu apelo cinematográfico e ganhou um tom de minissérie “de época”, produzida pela Rede Globo – algo semelhante a títulos como Guerra de Canudos e A Casa das Sete Mulheres.

Com uma rápida introdução escrita, para situar o espectador, o filme, imediatamente, nos põe em meio aos conflitos referidos, e traz à figura da velha Bibiana (Fernanda Montenegro), matriarca da família Terra-Cambará, que junto com os seus parentes, ver-se cercada pelos Amaral. Bastante debilitada, praticamente em seu leito de morte, ela recebe (idealiza) a visita do seu falecido esposo, o capitão Rodrigo (Thiago Lacerda). Com ele ao seu lado, Bibiana relembra e conta como foi construída a história de amor dos dois, além da gênese de sua própria família. Um artificio narrativo óbvio, mas frágil, já que os diálogos soam todos expositivos e minimalistas. Causando assim um didatismo estrutural incomodo e artificial. E não colocaria nenhuma parcela de culpa em cima dos atores, ambos desempenharam bem seus papéis.

Detentor de um aspecto visual luxuoso e uma estética sofistica, a obra impressiona no que se refere à reconstrução de cenário e na atmosfera ambicionada. O trabalho do experiente e sempre excelente cinematografo Affonso Beato (Tudo Sobre Minha Mãe), é realmente um deleite para os olhos. O exemplo claro de um momento marcante, está na belíssima cena inicial, da silhueta do capitão Rodrigo, sendo digna de comparar-se a clássica tomada de Scarlett O´Hara, em E o vento levou…, pelo seu enquadramento e escolha de lentes. A fotografia é fundamental para situar o espectador nos distintos períodos e andamentos abordos, e impetra eficientemente suas alusões.

Assim também, a direção de arte é cuidadosa e detalhista, por conseguir recriar as cidades gaúchas e todas as regiões montanhosas, de forma crível e concreta. Além do próprio figurino que, mesmo soando cafona e antiquado, é fiel aos que lá existiram. Enfim, temos pouco a falar sobre a parte técnica que, excepcionalmente, é sabotada por escolhas equivocadas do diretor.

E, mesmo não sendo um grande filme e constituindo-se bem inferior a obra original, no que se refere à dimensão da mídia, este O Tempo e o Vento poderá agradar alguns que estão habituados, e tem afeição, aos moldes televisivos e, claro, despertar também o interesse de outros em ir atrás do trabalho de Veríssimo, e assim conhecer grandes contos do escritor e da nossa rica literatura nacional.

Elysium (3)

TÃO COMPLEXO QUANTO UMA NOVELA DAS 8

Ficção científica é poderosa quando concilia fantasia com crítica da realidade. Mas, não está imune às trivialidades. Pela proposta, “Elysium” era uma das grandes promessas da temporada. E havia a expectativa por seu diretor e roteirista, Neil Blomkamp, do ótimo “Distrito 9”.

No ano de 2154, a Terra devastada tornou-se uma grande favela, na qual vive a maioria miserável da população. Os mais ricos habitam a estação espacial Elysium (referência aos Campos Elísios da mitologia greco-romana), desfrutando das benesses da tecnologia, como máquinas que curam qualquer doença. Max (Matt Damon), ex-presidiário, trabalha em uma das fábricas androides. Depois de um acidente no trabalho, ele precisa ir à Elysium para se curar, ou morrerá em 5 dias. Também quer ajudar a filha de Frey (Alice Braga), sua amiga de infância. Em troca de um serviço de risco, Max receberá a ajuda de Spider (Wagner Moura) para chegar à estação espacial.

O filme tem poucas qualidades e muitos problemas de concepção de roteiro. Entre as qualidades está o uso dos efeitos especial – o mínimo para um orçamento de 115 milhões de dólares. A concepção de Elysium impressiona e remete à estação de “2001 – Uma Odisseia no Espaço”. Apesar de irregular, há boas sequencias de ação, especial na parte final. A direção não teme a violência, chegando ao gore. Considerando que as produções atuais não mostram o sangue, há méritos na escolha de Blomkamp – não se trata de sadismo do crítico, apenas é algo que transmite mais humanidade para a ação, algo perseguido pela direção.

Das atuações, três valem destaque. Sharlto Copley, protagonista de “Distrito 9”, faz o mercenário Kruger, em uma atuação forte. O brazuca Wagner Moura está muito bem como Spider, um coiote que faz o transporte clandestino da terra para Elysium, mas nada que se compare com outros papéis. Alice Braga tem atuação regular, mas isso decorre mais de sua personagem do que de seu talento – muito superior. E aqui começam os problemas…

As personagens são tão planos quanto as de uma novela da Glória Peres. Não há profundidade. Temos tipos. Só faltavam os atores segurarem plaquinhas indicando suas funções. Spider é o mercenário com consciência social. Frey é a médica sofrida que deseja curar sua filha. Max é um miserável que deseja sair da miséria. Delacourt (Jodie Foster) é a política gélida e desalmada e John Carlyle (William Fichtner) o porco capitalista. Apenas o mercenário Kruger tem mais densidade. Esses estereótipos só não implodem o filme por causa da qualidade do elenco.

Tanta uniformidade serve para a criação de uma narrativa esquemática e obvia, previsível para alguém que tenha assistido meia dúzia de filmes de ação ou ficção. O trailer já permite imaginar seu desenvolvimento. O roteiro abre licenças na própria mitologia e aceita furos para facilitar o quesito evolução. A mais gritante é a facilidade com que a nave de Wagner Moura chega à Elysium. E se o filme tem a qualidade de ser enxuto, também pode soar monótono, exceto pela parte final. E aqui uso o critério da plateia: na minha sessão, não notei grande empolgação.

Em entrevista, o diretor-roteirista declarou: “Todo mundo que não tem essa riqueza a quer e vai tentar tê-la, e o Primeiro Mundo provavelmente irá tentar se aferrar e ela, e a coisa vai ficar mais sombria”, e continuou: “O que você, como membro da plateia, acha que deve ser feito?” Bom, já que ele perguntou…

Discordo da simplicidade da visão política do filme. Ele aponta três grandes problemas: desigualdades socioeconômicas, imigração e problemas ambientais. Ufa! Enfrentar tudo isso com personagens tão planos… coragem! Os culpados são os de sempre: os países ricos, as limitações à imigração, as elites, a maneira predatória com que o mundo gira e o capitalismo de maneira geral. Há uma emulação do discurso a la Occupy Wall Street. Max é um decalque dos 99% da população mundial. Em Elysium, habitam o 1%, a classe dominante que, na busca do lucro, fodeu com o meio-ambiente. A solução é implodir o sistema e criar o mundo perfeito. Sem ironias, se você concorda com algum desses elementos, é provável que o filme lhe agrade.

No fundo, a crítica é generalista, quase infantil. Isto já começa com a dificuldade de traçar o conceito da estação Elysium. Seria outro país ou um bairro nobre? Temos uma única sociedade ou várias? Normalmente, essa ambiguidade bem-vinda. Aqui, torna-se um incômodo. A crítica mais parece um grito de “contra tudo que aí está”. Será que Blomkamp estaria querendo surfar na onda de protestos?

Como falamos de um blockbuseter, não ia comentar a filosofia do filme. Mas, como quase inexistem críticas que toquem no tema – a maioria solta elogios genéricos – e uma das funções da crítica é gerar debates, vale colocar alguns contrapontos.

Se o alvo é o capitalismo, a economia de marcado, “rádio blá”, sinceramente… Nenhum outro sistema econômico foi tão eficiente. Criou problemas? Sim, mas resolveu muitos outros. Além do mais, não foi criado em laboratório, nasceu da dinâmica social. Realmente não acredito que Blomkamp tenha sido tão estreito em sua crítica.

Como falamos, “Elysium” tem vários alvos. Em homenagem a Wagner Moura, chamemos esse problema de “sistema”. Mais uma simplificação grosseira: derrubando tudo, o bem venceria. Em outras palavras: se o sistema fosse derrubado, as bênçãos dos céus criariam um paraíso terrestre (ao menos na área de saúde…).

Segue-se a ideia de que o homem é bom e a sociedade o corrompe. Não compro essa tese. Os arranjos sociais são imperfeitos e problemáticos porque somos pessoas defeituosas, egoístas, mesquinhas, baixas, pecadoras. O bem e o mal convivem em cada um de nós. Como podemos construir o paraíso se o inferno está em nós? A sociedade é uma construção imperfeita operada por pessoas guiadas por medos e paixões. É como pensar que nossos problemas se resolveriam acabando com Brasília! Desculpa, mas enquanto não abandonarmos a máxima “farinha pouca meu pirão primeiro”, não sairemos do atoleiro.

Os arranjos humanos mais eficientes foram aqueles que buscaram minimizar os males dos nossos defeitos, não os que queriam criar uma sociedade perfeita. Não temos o direito à perfeição, apenas de escolhermos o menos pior, mas, distraídos venceremos! O que “Elysium” faz é expor uma visão utópico. E a dificuldade de criar utopias nas artes é não ultrapassar a fronteira sutil entre o profundo e edificante e a visão infantil e brega da vida.

Não quero bancar o dono da verdade. Estamos sempre correndo o risco da contradição. Como disse, faço apenas um contraponto, entre outras razões, pelo histórico do diretor. Blomkamp criou uma alegoria poderosa em “Distrito 9”. Mesmo explicito em sua metáfora, o filme desenhou a complexidade do apartheid, de como as pessoas podem ser baixas, de como a ganância de empresas pode não ter limites e como governos podem, sim, servir aos privilegiados. Ao mesmo tempo, não deixou de expor que temos a capacidade de nos humanizarmos. Nessa comparação, “Elysium” é decepcionante, com profundidade de “Salve Jorge”. Mas, ainda aposto no diretor.

R.E.D. – Aposentados e Perigosos

(RED)

Elenco: Bruce Willis, Helen Mirren, Brian Cox, Morgan Freeman, John Malkovich, Karl Urban, Richard Dreyfuss, Mary-Louise Parker e Ernest Borgnine.

Direção: Robert Schwentke

Gênero: Ação

Duração: 90 min.

Distribuidora: Paris Filmes

Estreia: 12 de Novembro de 2010

Sinopse: Em ‘RED – Aposentados e Perigosos‘, Frank (Willis), Joe (Freeman), Marvin (Malkovich) e Victoria (Mirren) costumavam ser os maiores agentes da CIA – mas os segredos que eles guardam apenas serviu para torná-los os maiores alvos da agência. Agora, acusados de assassinato, eles devem usar toda a sua experiente astúcia e o trabalho de equipe para manterem-se vivos e um passo à frente de uma nova geração de agentes treinados.

Para interromper a operação da agência de inteligência, a aposentada equipe embarca em uma missão impossível para invadir a sede da CIA, onde descobrirão uma das maiores conspirações e encobrimentos da história do governo.

Curiosidades:
» Baseado na cultuada Graphic Novel da DC Comics, RED – Aposentados e Perigosos, de Warren Ellis e Cully Hamner.

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As Bem Armadas

MISS ANTIPATIA

As Bem Armadas é a comédia de maior sucesso de 2013 nos Estados Unidos. Arrecadando quase $160 milhões, somente por lá, o filme traz a parceria entre Sandra Bullock (Tão Forte e Tão Perto) e a comediante número 1 da América do Norte na atualidade, Melissa McCarthy (Uma Ladra Sem Limites). No filme, Bullock vive Sarah Ashburn, uma agente do FBI certinha. McCarthy é Shannon Mullins, detetive da polícia, desleixada, grosseira e com uma lixeira no lugar da boca.

As duas são o contraponto perfeito. Então por que não juntá-las num filme? As Bem Armadas é mais um buddy cop movie que chega em 2013. Aqui, as parcerias calham de serem mulheres. A trama principal realmente não importa, e o filme não se dá muito ao trabalho de desenvolver bons vilões. Tudo porque o que conta é a química entre as protagonistas, esse é um filme sobre elas, e os envolvidos realmente não desejam tirar o foco disso.

O surpreendente é que a coisa funciona. É claro que esse é um filme rotineiro e formulaico, que passa por todos os clichês do gênero, sendo o central o das parceiras que se odeiam para ao final se considerarem irmãs. Essa é uma produção regida pela fórmula, mas que encontra nas suas entrelinhas a salvação. Diferente de A Família, outra comédia formulaica que estreia amanhã, esse filme se esforça em criar situações inusitadas e cenas estranhas e bizarras, que conseguem chamar a atenção.

Em uma determinada cena, Bullock e McCarthy precisam colocar uma escuta no celular de um criminoso, dentro de uma boate. A cena é bem orquestrada, e após a transformação de Bullock (mostrando que está em excelente forma no auge de seus 49 anos), a loucura se instala com as duas na pista de dança ao lado de diversos figurantes, fazendo uso de gestos cronometrados e movimentos ensaiados. A cena é rápida, mas digna dos melhores pastelões.

Os diálogos também são bons. Escrito pela jovem Katie Dippold (que já tem encomendada a continuação anunciada do filme), o roteiro é rápido e dinâmico. Mesmo sem acertar em todas as tentativas, ele é esperto o suficiente para continuar seguindo em frente, e realizando novas tentativas. O texto joga tudo o que pode na tela, para ver o que consegue acertar. Os melhores momentos, no entanto, fazem parte do aparente improviso de McCarthy.

Esse é o melhor trabalho, e filme, da comediante Melissa McCarthy, o que inclui Missão Madrinha de Casamento, do mesmo Paul Feig, que a descobriu no superestimado filme citado. Feig se tornou um especialista em comédias escrachadas com mulheres. Seus filmes mostram que o sexo feminino pode ser tão sujo e incorreto quanto o masculino. Embora nenhum dos dois filmes sejam obras-primas, o esforço de Feig é louvável em oferecer personagens substanciais, e desde já icônicos, a suas atrizes.

A Família

OS ADDAMS DA MÁFIA

Conhece a expressão “filme de uma piada só”. Pois A Família, nova produção estrelada pelos veteranos Robert De Niro (O Casamento do Ano) e Michelle Pfeiffer (Bem Vindo à Vida), se encaixa justamente no quesito. Não que isso seja uma coisa ruim, e na maioria das vezes se refere à estrutura e tema de certos filmes. Essa é a fórmula do peixe fora d´água, usada repetidamente no cinema, e imortalizada em muitas franquias de sucesso como A Família Addams e A Família Buscapé – para ficar dentro da temática de famílias.

A Família é exatamente assim. Troque apenas o clima macabro de terror dos Addams, e a inocência campestre e sem sofisticação dos Clampett, por tudo relacionado a crimes e violência implícita na máfia. Na trama, a família Manzoni é relocada por agentes federais, como parte do programa de proteção às testemunhas, depois que o patriarca Giovanni delatou um poderoso chefão. Correndo risco de vida, a família adere ao programa, artifício muito usado nos Estados Unidos, e assim passam a viver sob nova identidade.

O problema é que essa família estava mais do que acostumada a seu estilo de vida, e constantemente não conseguem se adaptar às novas comunidades, precisando ser novamente relocada. Sua última parada é na Normandia, França, local no qual encontramos a família durante o filme, sob a alcunha de Blake. Assim como os filmes citados, todo tipo de comportamento inadequado é cometido pela família, é claro sempre utilizando a temática da obra. Daí o termo “filme de uma piada só”.

A mãe (Pfeiffer) taca fogo num mercado porque os funcionários criticam os americanos, o pai dá sumiço em um encanador que queria extorqui-lo, a filha (Dianna Agron, da série Glee) espanca um sujeito abusivo a raquetadas, e o filho (John D´Leo, Viajar é Preciso) realiza um verdadeiro esquema em seu colégio, e por aí vai. A questão é que dentro de sua fórmula, o filme se sai relativamente bem, e consegue se tornar um passatempo que não dará dor de cabeça ao público.

Baseado no livro de Tonino Benacquista, A Família é dirigido por Luc Besson, cineasta francês de renome, responsável por filmes como Nikita – Criada para Matar, O Profissional e O Quinto Elemento. Besson andava meio sumido dos holofotes, e essa produção marca sua volta aos filmes chamativos, depois de 14 anos (desde quando escorregou com Joana d´Arc). Anteriormente intitulado como Malavita, o filme apresenta um conceito e ideias mais interessantes do que sua realização de fato.

Por exemplo, ao pensarmos em filmes sobre mafiosos, pensamos automaticamente em De Niro. O ator já participou de tantos projetos sobre o tema, que tê-lo num filme assim já é clichê. De Niro já fez até comédias sobre o assunto. Com Michelle Pfeiffer ocorre o mesmo, já que a atriz esteve em produções como Scarface e De Caso com a Máfia. Juntá-los em um filme assim é natural, e se torna uma grande homenagem. Além de ser o primeiro trabalho juntos desses icônicos atores americanos.

O tom de A Família é ácido, e na maioria de suas cenas faz uso de um humor negro. Tragédias criadas para arrancar risadas. Esse é um filme que deve ser recomendado apenas como passatempo despretensioso, já que seu conceito (que pode ser visto nos trailers e sinopses) não causará surpresa alguma. O longa é exatamente o que você espera dele, e um filme morno pode ser muito pior do que uma obra realmente detestável ou um prazer culposo, para muita gente.

A certa altura temos De Niro querendo se enturmar num clube de filmes. E adivinhe qual é o filme ao qual irão assistir. Não, não é esse, mas é aquele outro. Até isso se torna uma cena óbvia demais, e nada realmente é tentado com ela, a não ser o reconhecimento de algo familiar. “Sim, eu lembro que ele esteve nesse filme, e agora ele está assistindo ao filme, dentro de outro filme. Não é engraçado?” Ah sim, ainda temos Tommy Lee Jones (Lincoln), ou será que temos.

Blue Jasmine

(Blue Jasmine)

Elenco: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Alden Ehrenreich, Peter Sarsgaard, Michael Stuhlbarg, Bobby Cannavale, Louis C.K., Sally Hawkins, Max Casella, Charlie Tahan, Andrew Dice Clay.

Direção: Woody Allen

Gênero: Drama

Duração: 98 min.

Distribuidora: Imagem Filmes

Orçamento: US$ — milhões

Estreia: 15 de Novembro de 2013

Sinopse:

Depois de tudo na sua vida se ter desmoronado, incluindo o casamento com Hal, um rico homem de negócios, a elegante Jasmine, uma mulher habituada à vida social de Nova Iorque, muda-se para o modesto apartamento da irmã Ginger, em São Francisco, para se tentar recompor de novo. Jasmine chega a São Francisco num estado mental frágil, a sua cabeça num rolo, devido ao cocktail de anti-depressivos que anda a tomar. Apesar de ainda conseguir projectar a sua postura aristocrática, Jasmine está mentalmente débil e falta-lhe qualquer capacidade prática de cuidar de si própria. E desaprova o namorado da irmã, Chili, que considera um falhado, como o ex-marido dela, Augie. Ginger, reconhecendo mas não compreendendo totalmente a instabilidade psicológica da irmã, sugere-lhe que trabalhe em design de interiores, uma carreira que correctamente intui que Jasmine não considere indigna do seu estatuto. Entretanto, Jasmine aceita com relutância um emprego como recepcionista num dentista, onde sem o desejar atrai as atenções do patrão, o Dr. Flicker. Sentindo que a irmã pode ter razão em relação ao seu terrível gosto em relação aos homens, Ginger começa a sair com Al, um engenheiro de som que considera um degrau acima de Chili. E Jasmine vislumbra uma potencial hipótese de vida quando conhece Dwight, um diplomata que é imediatamente seduzido pela sua beleza, sofisticação e estilo. O problema de Jasmine é que funciona em função da maneira como é vista pelos outros, enquanto que ela própria está cega em relação ao que se passa à sua volta. Delicadamente interpretada por uma muito real Cate Blanchett, Jasmine conquista a nossa compaixão porque se torna um inconsciente instrumento da sua própria queda.

Curiosidades:
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Trailer:

Cartazes:

Fotos:

O Tempo e o Vento

(O Tempo e o Vento)

Elenco:

Fernanda Montenegro, Thiago Lacerda, Cleo Pires, Marjorie Estiano, Paulo Goulart, José de Abreu, Suzana Pires.

Direção: Jayme Monjardim

Gênero: Drama

Duração: 127 min.

Distribuidora: Downtown Filmes

Orçamento: US$ — milhões

Estreia: 20 de Setembro de 2013

Sinopse:

O filme conta a história da família Terra Cambará e de sua principal opositora, a família Amaral, durante 150 anos, começando nas Missões até o final do século XIX. Sob o ponto de vista da luta entre essas duas famílias, são retratadas a formação do Rio Grande do Sul, a povoação do território brasileiro e a demarcação de suas fronteiras, forjada a ferro e espada pelas lutas entre as coroas portuguesa e espanhola.

Além de ser uma notável história épica, plena de heróis como Capitão Rodrigo e o índio castelhano Pedro Missioneiro, O Tempo e o Vento é uma profunda discussão sobre o significado da existência, da resistência humana diante das guerras. Por isso, para a adaptação cinematográfica, tomamos como estrutura o olhar feminino da quase centenária Bibiana Terra Cambará. Em meio ao cerco do casarão
de sua família pelos Amarais, ela se valerá de sua memória, sempre deflagrada em noites de vento, para lembrar e contar sua história e as de seus antepassados. E, assim, resistir ao tempo e protestar contra a morte.

Curiosidades:

» O Tempo e o Vento é baseado na maior obra do escritor Erico Verissimo, ‘O Continente’.

Trailer:

Cartazes:

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Elysium (2)

ADMIRÁVEL MUNDO NOVO

O aguardado Elysium finalmente chega aos cinemas brasileiros. O filme marca a segunda produção dirigida pelo sul-africano Neill Blomkamp, que tomou o mundo do cinema de assalto em 2009 com seu primeiro longa, Distrito 9, produzido por Peter Jackson. A obra conquistou crítica e público, se tornando um dos filmes mais populares da última década, e inclusive recebeu uma indicação ao Oscar de melhor filme, feito raro para uma ficção científica.

Por todos esses fatores a expectativa não poderia ser maior para o próximo projeto do cineasta. E ela aumentava a cada nova revelação, fossem os atores elencados ou as imagens divulgadas. Escrito pelo próprio Blomkamp, o novo filme segue os padrões de seu projeto anterior: é uma ficção científica muito relacionável com a realidade em que vivemos hoje, um filme cru e sujo, e que acima de tudo serve como grande crítica social e política.

No futuro, os humanos esgotaram os recursos naturais da Terra, transformando-a num imenso lixão. Aqui, numa realidade apocalíptica as pessoas vivem sem qualidade alguma e a vida não vale quase nada. Os ricos, que somam apenas 1% da população do planeta, vivem em Elsysium, uma estação espacial que circunda a Terra, e lá usufruem de uma utopia artificial. Em Elysium nenhuma doença é incurável, inclusive. O local é regido com mão de ferro pela secretária Delacourt, a ambiciosa personagem da Oscarizada Jodie Foster.

O astro Matt Damon é o protagonista Max, um sujeito que desde a infância sonha em poder ir para o paraíso nas estrelas, mas precisa se conformar com sua triste realidade. Após um acidente fatal, seus dias estão contatos, e sua única salvação é chegar ilegalmente à estação espacial atrás da cura. O filme assim como Círculo de Fogo vinha com grande expectativa de salvar um verão americano sem muita qualidade, além de tentar imprimir em 2013 a ficção científica como fonte rentável de ideias para blockbusters.

No entanto, Elysium não deixa de ser um pouco decepcionante. O que chama a atenção após vermos o produto pronto inteiro é que você saberá o filme todo tendo assistido aos seus trailers. A previsibilidade é nesse nível. Nenhuma novidade é apresentada que consiga causar reviravolta na sinopse. Elysium é também um filme que desejamos que fosse maior. A riqueza de tal universo apresentado é tão grande, cada pequeno detalhe bem trabalhado na direção de arte, que o produto final não faz jus. Elysium possui muita coisa a ser mostrada e seu tempo de duração de 109 minutos funciona contra ele.

Por exemplo, como seria a vida na estação espacial Elysium? Vemos apenas o conceito, sem presenciarmos como é realmente viver em tal paraíso. Os personagens também não possuem tempo suficiente para serem desenvolvidos. A vilã de Jodie Foster é bidimensional e mal explorada. A grande atriz não possui espaço para inserir humanidade na personagem, cujo papel se torna apenas dar ordens letais (como um arqui-inimigo num filme ruim de James Bond).

O que aparenta é que Elysium tem conceitos legais, designs legais, figurinos e direção de arte legais, conceito de personagens, mas é falho em explorar sua trama. Outro que percebemos que poderia ir mais longe é o psicótico e divertido personagem Kruger, de Sharlto Copley (colaborador de Blomkamp em Distrito 9). Ele é um agente renegado, que sofreu implantes demais e é usado como assassino ilegal do governo para a queima de arquivo. Numa determinada cena vemos uma faísca de como sua personalidade poderia ser mais explorada, mas no geral é apenas utilizado nas cenas de ação, como alívio de adrenalina.

Sem querer puxar sardinha para a nossa terra, quem se sai melhor são mesmo os brasileiros dessa produção globalizada. A escolada em Hollywood Alice Braga vive Frey, uma enfermeira que é o interesse romântico do protagonista. A atriz exibe fragilidade, desespero, mas também grande nobreza em sua personagem. Mas os louros absolutos vão para o grande Wagner Moura, que foi escolhido a dedo pelo diretor, fã de Tropa de Elite. Moura, como um bom camaleão, torna difícil para os não familiarizados com ele identificá-lo na pele de Spider, o rei do submundo na Terra, e melhor personagem do filme.

O ator possui um papel importante na trama, aparece com destaque, e se sente em casa, muito à vontade sem deixar transparecer nem por um momento que essa é sua primeira grande produção Hollywoodiana. Moura é um grande ator e tem um futuro brilhante internacionalmente também. Mesmo com todos os seus defeitos Elysium possui também muitas ideias, o que sem dúvidas é mais do que se pode dizer da maioria dos grandes filmes que são feitos no cinema blockbuster. E por esse motivo, além é claro de conferir nossos orgulhos Moura e Braga, Elysium deve ser recomendado.

Rush: No Limite da Emoção

VELOZES, FURIOSOS E RIVAIS

O que constitui um bom filme? A resposta imediata seria uma boa história a ser contada, e bons personagens, e com isso digo personagens bem desenvolvidos. Em segundo viriam bons diálogos e cenas memoráveis. Rush – No Limite da Emoção, novo filme do prestigiado diretor americano Ron Howard (Uma Mente Brilhante) possui todos os itens citados acima, e mais os outros adendos de uma grande obra, como fotografia, trilha sonora, direção de arte, maquiagem, etc.. Itens esses que farão o público tirar o chapéu para um dos melhores filmes de 2013.

É muito bom para quem assiste a muitos filmes receber um presente como Rush, que reforça a nossa paixão pela sétima arte. Temos que passar por uma verdadeira provação até o fim de cada ano, precisando encarar filmes horrendos, que nos fazem questionar nosso amor pelo cinema. Mas a cada fim de ano (geralmente por volta de setembro) as preciosidades começam a aparecer. E para quem ama cinema e faz disso a sua vida, assistir a um filme como Rush é como renovar os votos de casamento.

Garantido de indicações em época de premiações, Rush usa como pano de fundo o universo das corridas de fórmula 1, para contar a história real da rivalidade entre os pilotos Niki Lauda e James Hunt, durante a década de 1970. Mas engana-se quem pensa que Rush é só mais um filme de esporte formulaico. Assim como os grandes filmes de qualquer gênero, Rush prefere gastar seu tempo desenvolvendo seus personagens à perfeição, para que ao lado deles entremos nessa jornada, e entendamos as perspectivas dos dois.

Rush também marca as pazes do irregular Howard com o sucesso. O cineasta entrega um filme digno de seus melhores, vide Frost/Nixon e o citado Uma Mente Brilhante. Na trama, o alemão Lauda e o britânico Hunt são pilotos que escalam da depreciada fórmula 3, para a consagração máxima como corredores membros da elite, e superastros na fórmula 1. O que trazem consigo desde o início além do talento é a grande rivalidade entre eles, que com o tempo só faz aumentar.

Suas personalidades não poderiam ser mais opostas, condizendo com todo o resto que cerca indivíduos tão diferentes e iguais ao mesmo tempo. Enquanto Hunt se aproveita da aparência, fama e sim do talento também, para viver como uma verdadeira estrela do rock; o visualmente peculiar Lauda é ambicioso o suficiente, astuto e obstinado para estar sempre a um passo na frente. A personalidade centrada de Lauda, e sua incapacidade de se divertir custavam-lhe a socialização necessária para ser mais influente, e não receber adjetivos como o de cretino.

Parte das qualidades citadas no início do texto são trazidas pelo roteirista do filme, o britânico Peter Morgan. Duas vezes indicado ao Oscar (por Frost/Nixon e A Rainha), Morgan cria tudo o que é necessário para termos um grande filme. Sua capacidade como contador de histórias, que conseguem nos envolver, é admirável. Morgan cria a ambiguidade necessária para em momento algum apontar vilões e mocinhos.

Ele ao mesmo tempo coloca todas as cartas na mesa em relação aos dois protagonistas, para que tiremos nossas próprias conclusões. E filmes sem respostas fáceis são sempre muito mais interessantes. A rivalidade entre os protagonistas encontra também muita humanidade na maioria das cenas. Esses são seres humanos que nos conquistam duplamente pelas suas qualidades e defeitos. Rush também pode ser considerado um grande filme entretenimento, que não irá desapontar a família que quiser ir junta ao cinema (apenas com uma cena ou outra mais intensa).

A maquiagem é perfeita, em cenas que mostram o resultado de um acidente envolvendo queimaduras no hospital, são de grande agonia. Os atores igualmente merecem os louros. O espanhol fluente em alemão Daniel Brühl (Adeus, Lênin! e Bastardos Inglórios) finalmente terá seu talento reconhecido como um dos melhores jovens atores de sua geração. O ator multilíngue cria um Niki Lauda memorável e muito especial. Seu trabalho aqui é fantástico.

E para os descrentes que achavam que Chris Hemsworth (Os Vingadores) seria para sempre apenas o Thor, uma boa notícia: existe um ator por baixo do super-herói. Rush marca o primeiro filme sério, e papel maduro do ator australiano, que esquece o trejeito do personagem nórdico da Marvel para se entregar aos vícios e inseguranças de um sujeito aparentemente imbatível na superfície. Acima de tudo Rush chega num ano de tantas cinebiografias recentes (como Jobs e Lovelace) para ensinar que um grande filme precisa sair da zona de apenas relatar os fatos, afinal cinema é magia.

Eu, Anna

VESTIDA PARA DELIRAR

Eu, Anna é um drama psicológico com doses de suspense. Uma co-produção entre Reino Unido, França e Alemanha, a obra passada em Londres é baseada num livro de Elsa Lewin, e conta a história de Anna Welles, personagem da lendária atriz britânica Charlotte Rampling (Swimming Pool – À Beira da Piscina). Ela á uma mulher de terceira idade solitária, divorciada, e que tem somente a filha e a neta bebê em sua vida.

Sentimos o grande baque que foi a separação para a protagonista. Mas sua filha, Emmy, papel da bela Hayley Atwell (a Peggy Carter dos filmes do Capitão América da Marvel), insiste para que ela saia e conheça novas pessoas, e para que encontre a felicidade novamente. É justamente isso que a personagem faz assim que a conhecemos na primeira cena. Anna está num encontro promovido para solteiros de sua faixa etária, socialização forçada e muito utilizada em outros países como os Estados Unidos, por exemplo.

Entra em cena Bernie, o inspetor-chefe da polícia, interpretado pelo irlandês Gabriel Byrne (Os Suspeitos), ator veterano muito conhecido em Hollywood também. O sujeito, que está passando por uma fase pessoal difícil, que inclui o divórcio da esposa, coincidentemente se apaixona pela protagonista e a segue até um de seus encontros aonde iniciam uma relação promissora. O policial paralelamente está investigando um caso de assassinato.

Todas as pistas do crime apontam para o filho do falecido, um jovem de 16 anos de idade, envolvido com drogas e traficantes, que não possuía o melhor dos relacionamentos com o pai. Dirigido pelo britânico Barnaby Southcombe (diretor de séries de TV), a obra tem todo o sentimento de produções europeias, nas quais o que mais conta é o desenvolvimento dos personagens, e a sensação de sermos literalmente jogados na trama, como se realmente tivéssemos entrado naquele mundo e naquela história.

Os cineastas europeus parecem dar grande valor a apresentar as locações e os cenários como um personagem. Eles se dedicam a dar vida às cidades onde as obras são passadas, como se por essas duas horas de projeção tivéssemos mudado para o local. Ao contrário de produções hollywoodianas, infelizmente incluindo algumas das mais caras, nas quais tudo é tão acelerado que mal conseguimos olhar ao redor detalhadamente.

E os cuidados tomados em Eu, Anna são muitos. Vão desde um trabalho minucioso e psicológico da criação dos personagens, destaque para Rampling; até a condução da trama de forma deliberada, já que esse também é um suspense que inclui algumas reviravoltas bem interessantes. Como muitas obras europeias, a produção joga o necessário para o público, sem mastigar explicações. A narrativa apresenta informações através de imagens e poucos diálogos, mas suficientes para que liguemos os pontos por nós mesmos.

O estudo de personagem é riquíssimo e digno de horas de discussão. O único lado negativo dessa interessantíssima produção é justamente o fato de depender de uma reviravolta para a conclusão de sua trama. E qualquer clímax que dependa de uma reviravolta se torna automaticamente anticlimático para a maior parte do público, já que nenhuma explicação jamais corresponde nossas expectativas.

Invocação do Mal (3)

Invocação do Mal é um filme irresponsável. O caso é até mais específico: este é um filme de terror irresponsável. No longa, que estreia nesta sexta, 13, o que chama atenção é a maneira como o diretor James Wan deixa a narrativa e a cena à revelia enquanto persegue o objetivo primordial do gênero, criar medo nos espectadores. Sua irresponsabilidade é tamanha que as idas e vindas da história, elementos tão típicos do horror, são banalizados de forma quase grosseira, sempre à mercê das oportunidades que cada cena tem de assustar. Não há enganos. Wan tem o medo como princípio e fim de sua mise en scène.

Inspirado em indivíduos reais, o roteiro de Chad e Carey Hayes acompanha a família Perron nos anos 1970, após se mudar para uma casa em que investiram muito. A paz dura pouco, pois fenômenos sobrenaturais se tornam cada vez mais frequentes e violentos. A solução que eles encontram é entrar em contato com Lorraine (Vera Farmiga) e Ed Warren (Patrick Wilson), um casal que fez carreira investigando ocorrências paranormais. Porém, o que os especialistas veem e vivem na casa dos Perron é mais intenso do que qualquer caso anterior.

A divisão da trama em dois núcleos narrativos é a principal indulgência do diretor. O início do filme, na verdade, coloca os investigadores sobrenaturais como protagonistas. Não só eles são o ponto de conexão entre o prólogo e a narrativa principal, como também ganham uma cena que tem a função ululante de apresentá-los. É essencial dizer que esses minutos iniciais da projeção são vertiginosos. Como é comum em filmes do gênero, há uma iniciação à atmosfera de medo com personagens criados especificamente para esse propósito. As assombrações, porém, surgem apenas em flashbacks que esses personagens (três colegas de apartamento) evocam ao relatar uma ocorrência aos Warren. Se eles narram o caso exibido na tela ou se a tela exibe o caso narrado, pouco importa. Mais do que as piruetas narrativas, o foco é no aproveitamento da tensão em todas suas possíveis variações.

Porém, o movimento mais desconcertante dos primeiros minutos do filme é quando essa passagem se conecta a uma palestra dos Warren – a já citada cena introdutória do casal. Essa desconstrução do prólogo do filme de horror tem sua validade, mas a montagem dessas peças é bruta e atabalhoada. Soa como uma criança que tenta encaixar um triângulo no buraco quadrado de seu brinquedo. Esta imagem poderia ser usada para descrever várias escolhas narrativas dos realizadores, desde a separação das histórias dos Warren e dos Perron até momentos com ações simultâneas. Não seria exato dizer que o editor, os roteiristas e o diretor são incompetentes, ou sequer desleixados. Eles são, insisto, irresponsáveis, pois a preocupação primeira da equipe é espremer cada possibilidade de medo em qualquer formato. E, nessa empreitada de propósito único, o filme se sai muito bem.

O farto potencial para tensão encontra válvulas de escape de toda sorte, sejam sustos, suspense ou manifestações violentas. Wan tem um vasto parque de diversões à disposição, pois a quantidade de eventos paranormais é considerável. Ele cria um desequilíbrio excelente ao reformular os métodos de assustar em cada cena, fazendo espirituosas brincadeiras com os clichês cênicos do gênero. Sim, a insistência em efeitos sonoros desleais por vezes irrita e alguns instantes não se saem tão bem – a assombração torce-cabelo começa com o tom errado e a presença atrás da porta termina sem impacto –, mas o saldo geral é bastante positivo. Não só há mais sustos, como também eles são muito mais bem encenados do que no filme anterior de Wan, o igualmente vagabundo e divertido Sobrenatural.

Outra característica incrementada de uma obra para a outra foi a modelagem da cena para extrair elementos assustadores. No terror de 2011, a encenação era suavemente deformada para aumentar a tensão, como quando a personagem de Rose Byrne espera que uma voz macabra faça várias ameaças a seu filho antes de averiguar. Em Invocação do Mal, essa deformação é muito mais pronunciada, já que é aplicada ao esqueleto do roteiro. Um momento em particular delata o grau de importância assinalado aos elementos de horror propriamente ditos. Após uma violenta manifestação na casa, Roger Perron (Ron Livingston) chega de seu trabalho e encontra sua esposa e suas filhas aterrorizadas. “O que diabos está acontecendo aqui?!”, questiona o homem, desesperado. Corte para os Warren. A cena, após cumprir seu papel de assustar, é descartada de forma tão brusca que beira o cômico.

É difícil definir se essa estrutura inicial, que separa os dois núcleos narrativos, mina os esforços de construir tensão ou não. Por um lado, a família Perron é quase sempre o foco do filme, além de ser implacável e sistematicamente atacada pelas forças sobrenaturais. Por outro, cortes como o descrito acima rompem o terror e mutilam o drama familiar, ainda mais quando os Warren protagonizam tantos momentos dignos de comercial de margarina. A sensação (incerta) é de um relativo sucesso como terror, especialmente pela habilidade de Wan para espalhar sobressaltos inesperados pelo filme. Afinal, um dos maiores inimigos da tensão – mais ainda que uma trilha sonora espalhafatosa, que abunda aqui – é a fórmula episódica que determina e anuncia os “momentos de susto”.

Em uma passagem do clímax, que alterna dois acontecimentos simultâneos, surge o maior exemplo da torção da narrativa para extrair o máximo do horror. Enquanto uma cena violenta e histérica se dá no porão, um ajudante dos Warren (Shannon Kook) percorre a casa escura para encontrar uma das meninas. A montagem mescla os eventos, um deles grotesco e barulhento (e, sim, inaudível no resto da casa) e o outro encenado como um suspense na ponta dos pés, com direito a um susto-do-gato – mas, claro, com outro animal. Chega a ser hilário que o diretor tente construir a tensão de duas formas quase opostas em cenas intercaladas. Essa escolha cimenta que assustar é mais importante do que tudo, inclusive a coerência tonal. Wan não vê sentido em desperdiçar uma cena que impressiona pelo grito só porque outra, de tensão mais comedida, está acontecendo ao mesmo tempo, ou vice-versa.

Se Invocação do Mal se desdobra de forma temerária para assustar a plateia, ao menos o objetivo é cumprido a contento. É um horror abusado em sua narrativa, mas numa suave variação Hollywoodiana – nada que lembre o labiríntico Martyrs, por exemplo. Também não atrapalha que a dinâmica entre Ed e Lorraine seja trabalhada com sensibilidade, de início segundo papéis pré-determinados de Homem e Mulher, e mais tarde com a distribuição equilibrada de fragilidades e resistências. Tanto Farmiga quanto Wilson entregam performances centradas e potentes, uma lembrança constante de que eles são dois indivíduos, nada mais e nada menos. Os dois personagens estão entre os poucos elementos do filme que coexistem em harmonia, sem se canibalizarem, porque se destacam sem a necessidade de subjugar algo à sua volta.

A Hora do Pesadelo

(A Nightmare on Elm Street)

Elenco: Kellan Lutz, Katie Cassidy, Rooney Mara, Thomas Dekker, Jackie Earle Haley, Connie Britton, Kyle Gallner.

Direção: Samuel Bayer

Gênero: Terror

Duração: 91 min.

Distribuidora: Warner Bros.

Estreia: 07 de Maio de 2010.

Sinopse: Freddy Krueger está de volta em ‘A Hora do Pesadelo‘, uma reedição contemporânea do clássico do terror. Um grupo de adolescentes suburbanos compartilha um vínculo: todos estão sendo perseguidos por Freddy Krueger, um assassino horrivelmente desfigurado que os caça durante seus sonhos. Quando acordados, eles protegem uns aos outros mas quando estão dormindo, não há escapatória.

Exibindo o chapéu que é a marca registrada de Freddy, um casaco de listras vermelhas e verdes e luvas com quatro lâminas está o indicado ao Oscar® Jackie Earle Haley (Pecados Íntimos, Watchmen). O filme é dirigido por Samuel Bayer e é produzido por Michael Bay.

‘A Hora do Pesadelo‘ se baseia em personagens criados por Wes Craven no seu sucesso de terror de 1984. O filme deu origem a uma das séries de terror mais inovadora, bem sucedida e duradoura, com sete seqüências. Agora, 25 anos depois, surge a encarnação contemporânea da história original de Freddy Krueger.

Curiosidades:
» Refilmagem do clássico do terror ‘A Hora do Pesadelo‘ (1984), de Wes Craven.

» Diretor de videoclipes, Samuel Bayer, estreia na direção de filmes. Ele dirigiu clipes para The Cranberries e Garbage, inclusive ‘Smells Like Teen Spirit’, do Nirvana.

» A Platinum Dunes é responsável por várias refilmagens, como ‘O Massacre da Serra Elétrica‘ e ‘Horror em Amityville‘.

» O Orçamento foi de US$ 18 milhões.

Trailer:

Cartazes:

Fotos:

Dose Dupla

BUDDY COP MOVIE TEM BOA QUÍMICA ENTRE OS PROTAGONISTAS

O filme de ação policial Dose Dupla marca dois reencontros. O primeiro é o do ator Mark Wahlberg (Sem Dor, Sem Ganho) com o diretor islandês Baltasar Kormákur, que ano passado o comandou no remake insosso Contrabando. E o segundo é o do ator Denzel Washington com a belíssima Paula Patton, cujo primeiro trabalho de destaque no cinema foi em Deja Vu (2006). Baseado na graphic novel de Steven Grant, o filme mistura ação, suspense e humor numa trama intrincada demais para o seu próprio bem.

Denzel Washington é Bobby, um agente da divisão de narcóticos. Mark Wahlberg é Stigman, um agente da inteligência da marinha. Os dois estão trabalhando juntos disfarçados para derrubar um cartel de drogas mexicano, comandado pelo poderoso Papi, papel de Edward James Olmos (da série Battlestar Galactica). O problema é que nenhum dos dois sabe a verdadeira identidade do outro, e pensam estar trabalhando ao lado de um criminoso.

Desde a primeira cena sentimos que essa será uma obra pontuada com um humor pertinente e certeiro, que nos remete a boa fase dos buddy cop movies (filmes de parceiros policiais), nascidos na década de 1980, e que têm como bons exemplares produções como Máquina Mortífera, 48 Horas e tantos outros. Aqui Wahlberg é engraçadinho de fala rápida, paquerador, e que metralha o público com suas gags e referências por minuto; e Washington fica com o personagem mais sério, mesmo assim conquistando algumas das risadas planejadas.

Até a sua metade o filme funciona com a precisão de um relógio, surgindo como obra proeminente no subgênero, e equilibrando perfeitamente cenas de ação, certa tensão, um bom timing cômico e uma trama interessante o suficiente para nos manter conectados. A química entre Wahlberg e Washington é sem dúvida o ponto alto da obra. As trocas entre a dupla é coreografada com maestria, e ficamos com a sensação de que muito é parte do improviso entre esses grandes atores.

O elenco de apoio é igualmente satisfatório, e nele ganhamos um feroz e ameaçador Bill Paxton (A Toda Prova), como um misterioso vilão que se diverte fazendo roleta russa com suas vítimas, em algumas das melhores cenas do filme. Paxton entrega um vilão memorável, pena que a obra não o acompanhe até o fim. E a hipnótica Paula Patton derrete a tela, e tem uma cena pra lá de sensual ao lado de Washinton, na qual exibe mais uma vez suas formas invejáveis. Em entrevista, a atriz disse que a escolha pelo topless foi dela mesma.

O problema de Dose Dupla é que possui personagens demais e subtramas demais. É aquele tipo de filme no qual existem tantas reviravoltas envolvendo personagens tentando ludibriar outros, que nos perguntamos ao final se tudo fez sentido. Sempre fica aquela sensação de estarem tentando cobrir furos no roteiro criando uma trama muito complicada, para enganar o público. Aqui, o artefato usado é uma mala de dinheiro roubada pelos protagonistas de um banco, contendo mais de $40 milhões.

A marinha está envolvida, o personagem de Paxton a quer, o vilão de Olmos também, e inclusive personagens que julgávamos honestos, além é claro dos heróis. O filme cria momentos legais de ação também, embora nenhum verdadeiramente memorável. Dose Dupla distrai, mas dificilmente alguém lembrará um mês depois de tê-lo assistido. O final parece ligado no automático, e que simplesmente desistiram de tentar.

É o famoso jeito preguiçoso de juntar simplesmente todos os personagens numa cena para que resolvam a situação a balas. Esse é o modo que os roteiristas geralmente encontram para não precisarem criar diversos desfechos de situações estabelecidas anteriormente. Afinal, quem precisa de explicações se estiverem todos mortos.

As Patricinhas de Beverly Hills

(Clueless)

Elenco: Alicia Silverstone, Stacey Dash, Brittany Murphy, Paul Rudd, Donald Faison, Elisa Donovan, Breckin Meyer, Jeremy Sisto, Dan Hedaya, Wallace Shawn, Twink Caplan.

Direção:

Amy Heckerling

Gênero: Comédia

Duração: 97 min.

Distribuidora: Paramount

Orçamento: US$ — milhões

Estreia: 1995

Sinopse:

Em Beverly Hills, uma adolescente (Alicia Silverstone), filha de uma advogado (Dan Hedaya) muito rico, passa seu tempo em conversas fúteis e fazendo compras com amigas totalmente alienadas como ela. Mas a chegada do enteado de seu pai muda tudo, primeiro por ele criticá-la de não tomar conhecimento com o “mundo real” e em segundo lugar por ela descobrir que está apaixonada por ele.

Curiosidades:

» —

Trailer:

Cartazes:

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Transformers

(Transformers: The Movie)

Elenco: Shia LaBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Jon Voight, John Turturro, Hugo Weaving, Tyrese Gibson, Bernie Mac.

Direção: Michael Bay

Gênero: Ação

Distribuidora: UIP

Estreia: 20 de Julho de 2007

Sinopse: Durante séculos, duas raças alienígenas robóticas – os Autobots e os Decepticons – estiveram em guerra, colocando em risco o destino do Universo. Quando a batalha finalmente alcança a Terra, só o que separa os perversos Decepticons do poder total é uma pista guardada pelo adolescente Sam Witwicky, cujas preocupações, até o momento, estavam relacionadas apenas a escola, amigos, carros e garotas. Antes que consigam entender o que está acontecendo, Sam e sua amiga Mikaela se vêem bem no meio do confronto dos robôs gigantes. E depois de conhecerem os Autobots, compreendem o verdadeiro motivo: o garoto guarda consigo a chave de um segredo que pode ser á única chance de sobrevivência da humanidade. E é a partir daí que ele vai descobrir o verdadeiro sentido do lema da sua família: “Sem sacrifício não há vitória”.

Curiosidades:

» Criados pela Hasbro, os brinquedos Tranformers fizeram muito sucesso nos anos 80, com carros, motos e aviões.

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Comentários:

Nota	Comentários
	Escrito por: Luiz Fernando Parinos “Bom, primeiro temos de falar da produção deste filme que melhor é impossivel, Michael Bay mostra que sabe fazer todos os tipos de filmes e sua parceria com Steven Spielberg não poderia ser melhor. Agora falando do filme: ele foi para mim, o segundo melhor filme de 2007 perdendo apenas para Piratas do Caribe: No fim do Mundo. O filme além de ter ótimas cenas de ação, ótimas montagens visuais e ótimos efeitos sonoros, tem uma boa história que foi além de ser baseado numa série de desenho animado, muito original, Michael Bay esta de parabéns por seu trabalho, Shia LaBeouf também esta de parabens por sua atuação, o filme de cara merece nota 10.”
	Escrito por: Carlos Henrique Azevedo “Muito bem feito. Carregado de efeito especiais e a história do desenho continua numa boa. Shia LaBeouf é o ator principal do filme e mostra que tem garra para fazer filme. Depois de sua atuação em Paranóia Shia foi convidado para outros papéis muito importante e assim será. Um ataque misterioso ocorre em uma base americana, e deixa poucos sobreviventes para contar a história. Porém eles percebem que esse não é um inimigo comum mas, se trata de um robô. Sam é um garoto cujo óculos de seu tataravô possui a localização de Megatron, líder dos Decepticon, sabendo disso Optimus Prime, líder dos Autobots, pede ajuda à Sam e diz que se não localizarem Megatron a raça humana estará perdida. Lutas incríveis são travadas pelos robôs, e a história é legal. Com bastante adrenalina, Transformers vai trazer bastante divertimento ao público. P.S : Há o dedo de Steven Spielberg no filme, o que diz que o filme é bom. “
	Escrito por: Letícia A. Machado ([email protected]) “Por enquanto nenhum filme superou Transformers, pra mim pelo menos. É muito bom, e foi muita injustiça não ter ganhado o Oscar de melhor mixagem de som. O Ultimato Bourne tem de mixagem? Mesmo assim, até agora eu já assisti 18 vezes.”
	Escrito por: Rafael Rodrigues Martins “Um filme eletrizante, onde eu fiquei até sem piscar. Muito bom os efeitos especiais, a história, tudo mesmo. E que venha o 2!!!=D”

1...8.0558.0568.057...8.110 Página 8.056 de 8.110

(Dores de Amores)

GUTO & EU

ELENCO JOVEM EM FILME QUE REMETE A POLANSKI

Ainda que belo, filme é sabotado por sua estrutura didática e artificial.

TÃO COMPLEXO QUANTO UMA NOVELA DAS 8

(RED)

MISS ANTIPATIA

OS ADDAMS DA MÁFIA

(Blue Jasmine)

(O Tempo e o Vento)

ADMIRÁVEL MUNDO NOVO

(Blitz)

VELOZES, FURIOSOS E RIVAIS

VESTIDA PARA DELIRAR

(A Nightmare on Elm Street)

BUDDY COP MOVIE TEM BOA QUÍMICA ENTRE OS PROTAGONISTAS

(Clueless)

(Transformers 2: Revenge of the Fallen)

(Transformers: The Movie)

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