quinta-feira , 30 janeiro , 2025
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Amelia

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Sinopse: A vida da aviadora Amelia Earhart desde seu primeiro voo sobre o Atlântico, como passageira. Ela teve sua chance no ramo graças a George Putman, com quem depois se casou.

Quando o assunto não é a Grande Depressão, o período entre-guerras normalmente é retratado no cinema com muita elegância. Em Amelia, a situação não é diferente tanto no figurino quanto na fotografia. Especial atenção deve ser reservada para as cenas em que se mostra como a imagem dela era usada para vender produtos. Nessas passagens, há um belo colorido preenchendo a tela.

Assim como em Coco antes de Chanel, o filme gira em torno de uma importante figura feminina do século XX. Diferente da produção francesa, a cinebiografia da piloto foca-se no que interessa: os aviões e longos voos da protagonista.

Se não há amarras para mostrar tudo que há de bonito e tudo que há de condenável nos primórdios da aviação, há um certo melindre nas cenas em que a viada privada de Earhart é colocada na berlinda.

Um exemplo disso está na relação íntima de Amelia e George. Há um primeiro beijo, mas algumas sequências anteriores sugerem que eles já tinham encontros amorosos antes. Amelia tinha ideias bem liberais no campo dos relacionamentos amorosos e um pouco mais de precisão poderia ser aplicada nessa questão.

Quando um filme traz personagens reais, o maior desafio é tornar uma história pública e conhecida em um roteiro animador. Quebrando a linha do tempo, Amelia ganha unidade e ainda consegue criar um bom clímax no desfecho.

 


Crítica por: Edu Fernandes (CineDude)

 

 

Amarelo Manga

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Amarelo Manga vem fazendo barulho por onde passa,e não é para menos, é uma obra chocante que não deixa ninguém indiferente. Até agora arrebatou todos os prêmios de longa-metragem do Cine Ceará realizado na semana passada, foi o vencedor do Festival de Brasília em 2002 e foi premiado como melhor filme na mostra paralela Forúm de Cinema em Berlim deste ano.

Independentemente das premiações, merece ser visto com cuidado, pode chocar e repugnar os mais sensíveis, não é um filme para ser visto com a familia. Ele é forte sim temos que nos munir de coragem para acompanhá-lo até o fim. Amarelo Manga fala sobre personagens marginalizados da periferia do Recife. A exemplo de outros recentes filmes brasileiros, não há protagonistas e nem uma história muita definada, apenas a vida destes seres que de vez em quando se entrecruzam.

Canibal (Chico Diaz) trabalha num abatedouro de bois, tudo é mostrado muito detalhadamente, sente-se o cheiro de sangue que transpira através de tela. Ele é casado com uma crente que não suportaria a idéia de ser traída. Dunga é uma bichinha (Matheus Nachtergaele) apaixonado por Canibal e que trabalha como cozinheiro numa espelunca fedorenta onde vários outros personagens se encontram como o fanático religioso que tem como fiéis cachorros vagabundos e o personagem de Jonas Bloch, um pervertido que sente
prazer em atirar em pessoas já mortas. Tudo é muito forte e visceral, mostrado com todas as cores, todos os ângulos.O diretor, Cláudio Assis não quer facilitar nada para a gente, e assume isso sem pudores. Tanto é que numa parte, a cor é citada como exemplo de tudo o que há de ruim, feridas purulentas, hepatite, dentes podres, etc..


Este é o típico filme que se odeia ou se adora, não há meio termo, mas uma coisa te garanto, você não vai sair da sala do cinema da mesma maneira que entrou.


Crítica por: Andrea Don

 

 

Amantes

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Sinopse: Leonard ficou muito devastado depois do fim de seu noivado. Dois anos depois, morando novamente com seus pais, ele se vê dividido entre duas mulheres. Sandra, filha de amigos da família, é a certeza de um futuro. Michelle, sua nova vizinha, é muito volátil e fascinante.

Sempre que uma distribuidora nacional altera muito o título de um filme e o resultado é desastroso, faço questão de ressaltar esses tristes acontecimentos em meus textos. Nada mais justo do que parabenizar quando o oposto acontece. Esse é o caso de Amantes (Two Lovers), que poderia ser traduzido como “Dois Amantes”, mas que recebeu por aqui um nome mais apropriado já que vários de seus personagens entregam-se totalmente ao amor.

A forma intensa como eles se atiram a esse sentimento acaba fazendo com que atitudes estúpidas sejam tomadas. O que poderia ser uma falha que afastaria os espectadores acaba sendo um aspecto positivo do filme, uma vez que dessa forma seus personagens parecem-se mais com pessoas reais, que cometem erros e tomam decisões equivocadas.

Tratando de sentimentos e relacionamentos entre pessoas, o papel dos atores é essencial. Joaquin Phoenix – reprisando a parceria com o diretor James Gray de Os Donos da Noite – consegue transmitir os problemas e conflitos que acontecem na mente do protagonista. O elenco feminino também merece elogios, mas o fato de Amantes ser (a princípio) a última atuação de Joaquin acaba fazendo com que prestemos mais atenção nele.

Mesmo com tantos aspectos positivos, uma pequena falha recorrente no cinema estadunidense pode ser apontada no roteiro dessa produção: tentar explicar demais e fechar todas as questões. Infelizmente o deslize está bem no final do filme, quando há uma cena a mais, passando do que seria o ponto ótimo para acabar essa história cheia de coração.

 


Crítica por: Edu Fernandes (HomemNerd)

 

 

O Amante da Rainha

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Indicado ao Oscar na categoria filme estrangeiro, o dinamarquês O Amante da Rainha é um típico filme de época, com bela direção de arte, figurino impecável e boas atuações. Mesmo assim, o filme passou despercebido durante o Festival de Berlim 2012 – e causou surpresa sua dupla premiação no festival, como melhor roteiro e ator para Mikkel Boe Følsgaard. Exibido na Mostra de São Paulo do ano passado, agora o filme chega aos cinemas brasileiros.
A trama se passa no século 18, quando a jovem britânica Carolina Matilde (Alicia Ikander), da Grã-Bretanha, se casa com o insano rei Christiano VII (Mikkel Boe Følsgaard), tornando-se rainha da Dinamarca. Quando Johann Struensee (Mads Mikkelsen), um intelectual alemão, se torna médico da corte, Christiano faz dele seu confidente e posteriormente ministro-chefe. Carolina também começa a se aproximar de Struensee. e logo os dois iniciam um romance. Idealistas e corajosos, o casal de amantes arrisca tudo em busca da liberdade do povo, e começam a propor reformas que acabam mudando a Dinamarca.

Como toda história de bastidores de família real, o filme é recheado de puxadas-de-tapetes, traições, loucuras e rancores. Tudo filmado corretamente, sem grandes surpresas e com destaques para as interpretações do trio protagonista Mikkel Boe Følsgaard, Mads Mikkelsen e Alicia Ikander.

O Amante da Rainha é um filme que não inova em seu formato, mas ainda assim não deixa de ser uma boa produção de época.

 

 

 

Crítica por: Janaina Pereira (Cinemmarte)

 

 

Amanhecer Violento

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Refilmagem de uma produção cult de 1984 escrita por Kevin Reynolds e John Milius, dirigida por Milus (de “Conan, o Bárbaro”, 1982), e estrelada por jovens promissores do cinema da época como Patrick Swayze, C. Thomas Howell, Charlie Sheen, Jennifer Grey e Lea Thompson. Na trama do original, os russos invadiam os EUA da maneira mais improvável possível, ou seja, caindo literalmente de paraquedas nos quintais dos tranquilos subúrbios, e tomando as ruas com seus tanques.
O latente medo da Guerra Fria ainda era um fator na década de 1980, que influenciavam desde os filmes de James Bond do período, até o retrato da era Reagan, “Rambo”. Além disso, os anos 1980 entraram para a história como década “farofeira”, de gostos duvidosos nos mais variados quesitos, e no cinema não foi diferente. O que talvez torne o “Amanhecer Violento” original perdoável, mesmo que para a época o filme não fosse visto assim. Chegamos até 2012, na verdade 2011, já que o filme foi adiado por um ano (nunca um bom sinal) possuindo inclusive diversos cartazes que estampavam a data original.

Para nós brasileiros o remake aparece no início de 2013 nos cinemas, quando um lançamento para vídeo seria mais adequado. O filme foi ignorado solenemente nos EUA, de forma merecida. O roteiro é de Carl Ellsworth, dos eficientes “Paranoia”, “Voo Noturno” e “A Última Casa”, e a direção ficou com Dan Bradley, diretor de segunda unidade de diversas superproduções, em sua estreia no comando de uma obra.

A essência da trama é a mesma, e no lugar dos atores originais temos Chris Hemsworth (“Thor”), Josh Hutcherson (“Jogos Vorazes”), Adrianne Palicki (“G.I. Joe 2 – Retaliação”), Isabel Lucas (“Imortais”) e o canastrão Josh Peck (o ex-gordinho da série de TV da Nickelodeon, “Drake & Josh”), como os jovens de uma pequena cidade americana, que torcem para o time “Wolverines” (apelido que irão ganhar dos inimigos) e representam toda a resistência quando tropas da Coreia do Norte (e não mais os russos) caem novamente de paraquedas em seu quintal.

Os jovens treinam seu próprio pelotão, já que o personagem de Hemsworth é um militar que serviu na Guerra do Iraque. Dentre os recrutas está o filho adotivo de Tom Cruise e Nicole Kidman, Connor Cruise, numa pequena participação. Obviamente, a única forma em que “Amanhecer Violento” irá funcionar é como escapismo de ação, o tipo de filme em que se deve deixar o cérebro do lado de fora do cinema, se isso é o que se pode chamar de diversão.

E o único quesito em que podemos dizer que é superior ao seu original é justamente nas cenas de ação frenéticas, tiroteios, explosões e perseguições de carro, em que o diretor se sai bem, justamente por seu currículo. De certa forma o novo “Amanhecer Violento” se assemelha ao novo “Duro de Matar”, dois produtos cujos originais datam dos anos 1980, cuja nova roupagem merecia muito mais conteúdo.

 

 

Crítica por: Pablo Bazarello (Blog)

 

 

Amanhã Nunca Mais

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Esta comédia estrelada pelo competente Lázaro Ramos é o exemplo fiel da repetição exaustiva: a mesma piada é retomada durante o filme todo, uma avalanche de clichês invade a tela e enche a paciência do espectador. O que fazer com as recentes comédias do cinema nacional? Acredito que seja válido apostar em comédias despreocupadas com críticas sociais incisivas, despreocupadas com o perfil monotemático do cinema nacional de alguns anos atrás: sertão, pobreza, favela.
Mas focar em novos estilos sem o mínimo de cuidado e decência é algo complicado. Amanhã nunca mais não chega a ser um Cilada.com, mas correu o risco de ganhar o troféu da maior bobagem do ano.

Amanhã Nunca Mais explana a aventura de Walter, um anestesista de 35 anos, numa noite de sexta-feira, cheio de complicações no trabalho e com a incumbência de buscar o bolo de aniversário da sua filha. Não é preciso muito esforço do roteiro para nos mostrar que Walter é um fracassado, de estima muito baixa, frustrado com o emprego e colecionador de mancadas no casamento com a sua bela esposa Solange (a ótima Fernanda Machado, de Tropa de Elite).

No que tange à edição e montagem, Amanhã Nunca Mais não apresenta problemas, assim como a eficiente direção de arte e performance dos protagonistas, que tentam dar dignidade ao péssimo roteiro. Outro ângulo a iluminar é a participação dos coadjuvantes: estereotipados em excesso, não ajudam na fluência da narrativa. Geraldo (Milhem Cortaz) é o colega de trabalho de Walter, mulherengo e antipático. Dulce (Imara Reis) é a doceira responsável pelo bolo da festa da filha de Walter e Miriam (Maria Luiza Mendonça) é um antigo caso de amor do anestesista, que surge para atravancar seu caminho. A travesti e a filha da doceira são outras coadjuvantes que não dizem muita coisa.

A direção assinada pelo iniciante Tadeu Jungle é eficiente. Já a música tema, nem tanto: Arnaldo Antunes pode ser um ótimo compositor, mas desafina demais e irrita os ouvidos dos mais preocupados com os rumos sonoros do filme. Há mais um detalhe importante nesta análise: a tendência contemporânea de mais de uma pessoa assinando roteiros cinematográficos tem se mostrado uma experiência frustrante. No caso de Amanhã Nunca Mais, temos três roteiristas responsáveis por um fiapo de roteiro. Há poucas situações exploradas e mesmo não sendo originais, deveriam capitalizar em cima de boas ideias, o que nem de longe acontece. São gags das frequentes comédias hollywoodianas, sem alguma inovação que venha fazer de Amanhã Nunca Mais um filme diferenciado. O argumento do filme é assinado por Victor Knijick, Maurício Arruda e pelo diretor Tadeu Jungle. Já o roteiro, tem Marcelo Muller incluído, excluindo Victor Knijick, que só ficou no argumento. Três profissionais para o argumento, três para o roteiro. E o resultado? Sem dúvida, frustrante.

Curioso é ler o press book do filme e perceber que Lázaro Ramos esconde a sete chaves suas origens. O material que nos apresenta o enredo, aspectos do roteiro e outros detalhes importantes para a composição da análise fílmica alega que Ramos estreou no cinema em Sabor da Paixão (2000), mas ganhou destaque como o protagonista de Madame Satã (2003). Será que ele esqueceu que largou o seu emprego de técnico de laboratório no Hospital Santa Isabel em Salvador, para se dedicar ao personagem Chico, do tosco e clássico Cinderela Baiana (1998)? Muito feia essa atitude do Lázaro Ramos, que merece outro puxão de orelha: depois de tantos papeis mais interessantes na cinematografia nacional, por que achar que os espectadores são pessoas que não pensam e dialogam com o filme, tentando empurrar estes subprodutos de qualidade questionável? Acredito que hajam projetos mais interessantes esperando ganhar as telas do cinema nacional.


Crítica por: Leonardo Campos

 

 

Looper – Assassinos do Futuro

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Diante de tantos remakes, adaptações e continuações, é sempre um refresco ver um filme novo surgindo nas telas. Ainda mais uma ficção científica bem feita que utiliza a viagem no tempo de uma maneira inteligente. Looper: Assassinos do Futuro é assim.
A trama é simples e complexa ao mesmo tempo. E o roteiro joga muito bem com essa confusão temporal e empresarial. Estamos em um tempo futuro onde pessoas, conhecidas como loopers, são contratadas por uma empresa, que está em um tempo mais a frente ainda, para assassinar aqueles que eles enviam de volta no tempo. Entre esses contratados, está Joe, personagem de Joseph Gordon-Levitt. Um homem prático, que tem um plano próprio para sua vida, mas que se vê em uma situação delicada quando o seu novo alvo é o seu eu futuro que volta para lutar contra o sistema.

A construção do personagem Joe por Gordon-Levitt e Bruce Willis é bem planejada. A própria maquiagem é pensada para que os atores se tornem mais próximos fisicamente e em muitos momentos chegamos a acreditar mesmo nessa semelhança. Mérito também de Joseph Gordon-Levitt que assume vários trejeitos de Willis, preparando o terreno para quando o outro surgir.

A preparação, aliás, é uma parte importante do filme. A cena inicial é impactante, nada explica, mas já nos deixa muitas questões e suposições. Temos muitas pistas e recompensas, muito clima de suspense, e a explicação do mundo é feita em uma narração over bem pontual, sem muito didatismo e fluida com a ação. A construção do personagem chave do presente / futuro também é cuidadosa, desde suas primeiras aparições sem mostrar muito, até as revelações que vão sendo dadas aos poucos.

Rian Johnson não ofende a nossa inteligência e capacidade de compreender os acontecimentos. Toda a situação que acontece com o personagem Seth, interpretado por Paul Dano, é muito bem realizada. Na ideia do que acontece, na execução em si e nos efeitos especiais e maquiagens necessários para ela. Looper não explica mais do que o necessário para que o espectador se localize dentro do universo ficcional. Nos deixando espaço para pensar, tirar conclusões e criar teorias.

Até porque, apesar de sempre gerar controvérsias, histórias com viagem no tempo já não são novidade. E a própria ideia de o futuro ir sendo transformado aos poucos na mente de Willis, é um trunfo para que não haja incoerências. Claro que, ao ver Bruce Willis fazendo um homem que vem do futuro para tentar mudar um sistema, nos dá um déjà vu de Os Doze Macacos, mas não chega a ser prejudicial. Pelo contrário, nos ajuda nas diversas referências que o filme traz, que não são poucas. Tem até uma referência à Akira em um dos desdobramentos da trama.

Looper: Assassinos do Futuro é um filme de ação como deve ser. Com uma história bem embasada, cenas bem realizadas, uma tensão bem construída e muito assunto para discutir após a sessão. É bom ver que Hollywood ainda não perdeu a capacidade de nos surpreender em uma época onde a crise criativa parece nos envolver em sua teia interminável de tramas requentadas.

 

Crítica por: Amanda Aouad (Blog)

 

 

Amaldiçoados

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Wes Craven é um diretor bastante irregular. Sua carreira decolou nos anos 80 com ‘A Hora do Pesadelo’, e desde então sofre altos e baixos. Passando de filmes fracos e incoerentes como ‘Um Vampiro no Brooklyn’ até sucessos como ‘Pânico’ e ‘Música do Coração’, o cineasta se demonstrou bastante irregular.

Infelizmente, seu último filme, que começou a ser produzido como “o melhor filme de lobisomens de todos os tempos”, se transformou em uma película sem definição, diferencial ou até mesmo diversão.

‘Amaldiçoados’ passou por vários problemas durante a produção, o roteiro era escrito durante as cenas e o final todo teve de ser refilmado. E ainda assim, não adiantou.

Em uma noite de lua cheia em Los Angeles, surge algo das sombras que faz com que os irmãos Ellie (Christina Ricci) e Jimmy (Jesse Eisenberg) desviem repentinamente seu carro, caindo em um matagal. Eles escapam vivos, porém aos poucos sentem as conseqüências do acidente. De uma hora para a outra, Ellie, totalmente dedicada à sua carreira profissional, e o tímido Jimmy se descobrem com uma grande força física, sentidos aguçados e um incrível poder de sedução que chama a atenção de todos ao seu redor.

No entanto, o que aconteceu com eles naquela noite não foi apenas um acidente, e o que parecia como um acaso do destino era na verdade mais do que isso. Agora, novos impulsos os dominam e eles não conseguem mais controlar seus poderes recém-descobertos. Eles precisam resolver o mistério e quebrar a maldição antes que ela consuma tudo em seu caminho.

Sem explorar à fundo o roteiro e com uma direção frouxa, o filme se torna mais um terror barato, cópia de outro produto de Craven (o exaustivamente copiado ‘Pânico’). Sem diferencial ou sentido, ‘Amaldiçoados’ é mais um daqueles terror B que todos saem do cinema se arrependendo em volta, sendo apenas salvo em alguns momentos pela interpretação da jovem e ótima atriz Christina Ricci. Mas não é o bastante…


Crítica por: Renato Marafon

 

 

Alvo Duplo

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Mesmo
com três nomes de veteranos experientes no currículo
de “Alvo Duplo”, esse
pouco inspirado veículo de ação
não consegue se salvar.

Aqui temos o
diretor Walter Hill (que comandou clássicos
do gênero como “Warriors – Os Selvagens
da Noite” e “48 Horas”),
o produtor Joel Silver (igualmente entendido
no assunto, com obras como “Máquina
Mortífera”, “O Predador”,
“Duro de Matar” e “Matrix”
no currículo), e para finalizar o astro Sylvester
Stallone, que dispensa apresentações.
Existem muitos
problemas em “Alvo Duplo”,
mas o principal deles é ser um produto extremamente
genérico, que não possui diferencial algum
a oferecer, e acaba soando como filme B, desses que passam
tarde da noite sem que nem ao menos saibamos seu título.
Aliás, o título é igualmente genérico
tanto na tradução quanto na versão
original, que seria algo como “Bala na Cabeça”
(Bullet to the Head), fato que o apresentador David
Letterman tratou de tirar sarro quando entrevistou
Stallone.
Baseado numa
graphic novel, Stallone é James
Bonomo, também conhecido com o ridículo nome
de Jimmy Bobo, um matador de aluguel veterano. O ator não
é estranho a nomes curiosos, afinal já foi
Marion Cobretti, Raymond Tango, Angelo Provolone, John Spartan,
Ray Quick, Robert Rath, Kit Latura, Joe Tanto, e é
claro, Rocky Balboa e John Rambo.

Na primeira
cena vemos Bobo e seu parceiro (anos mais novo, com idade
de ser seu filho) indo “apagar” um sujeito em
seu quarto de hotel. Eles exterminam o alvo, mas Stallone
deixa uma prostituta que estava no banheiro viva,
porque ela tinha a mesma tatuagem de sua filha!!? É
o que nos explica depois o co-protagonista, o detetive vivido
por Kang Sung (da série “Velozes
e Furiosos”), numa rasa “sessão de terapia”
instantânea com o assassino.
O parceiro de
Stallone é então assassinado (enquanto
os dois estão num bar comemorando a morte que acabaram
de executar) pelo vilão implacável personificado
por Jason Momoa (“Game of Thrones”
e “Conan, O Bárbaro”). Stallone
segue sua trilha e para isso precisa se unir ao detetive
boa-praça de Sung. O ator descendente
de coreanos não convence aqui. Ele interpreta um
detetive de polícia ingênuo demais, que sai
ileso de situações pela mais inesperada sorte,
precisando muitas vezes ser resgatado por terceiros.
Caso “Alvo
Duplo” tivesse algum envolvimento com a realidade,
esse sujeito já estaria dormindo com os peixes há
muito tempo. O filme também sofre de conflito de
personalidade, em horas as cenas almejam fazer graça,
principalmente em trocas de Stallone e
Sung (que aqui não possuem química
alguma e tais cenas soam embaraçosas); e em outras
tentam estabelecer algo cru e bastante violento, com diversas
execuções, lutas e um clima geral pesado.

Filmes como
“Os Mercenários” ou
“Machete” também fazem
uso de uma violência excessiva, mas sabem exatamente
em que tom levar toda a obra. Ao não decidir o que
será, “Alvo Duplo” não
se torna bem sucedido em nenhum dos quesitos, não
é levado a sério, e tampouco é divertido.
Outra notícia triste é que finalmente chegou
a hora de Stallone repensar seus personagens.

Enquanto em
filmes anteriores ele brincava com a velhice, mas tinha
o apoio de um grupo de mesma faixa etária (“Os
Mercenários”) ou com a metade, ou
menos, de sua idade (o último “Rambo”),
aqui realmente parece que o ator (beirando os 70 anos–
ele fará 67 em julho) não toma consciência
de sua idade em seu personagem, e interpreta alguém
mais novo. Sua luta final com o vilão do gigante
Jason Momoa (34 anos mais jovem) é
a verdadeira ficção científica do ano.
Momoa é uma das coisas que sobressaem
no filme, ele é eficiente como figura ameaçadora
e quase indestrutível (é só assistir
à “Game of Thrones”).

Outro pequeno
destaque é a bela Sarah Shahi, que
interpreta a tatuada filha do assassino de Stallone.
A atriz aceitou fazer uma desavergonhada e ridícula
cena de nudez gratuita, que assim como a maioria dos momentos
de “Alvo Duplo” não
faz o menor sentido, mas os marmanjos de plantão
irão agradecer. Passado no interessante cenário
de Nova Orleans (mais um elemento mal utilizado pelo filme),
“Alvo Duplo” é um grande
engodo.
É o tipo
de filme que apenas obedece e suga de uma fórmula
sem acrescentar nada em troca. Pode ser considerado o tipo
de filme tirado da década de 1980, mas mesmo lá
seria considerado um exemplar fraco. Se você deseja
algo saído da mesma época, mas com empolgação
e graça de sobra, corra para assistir a “Invasão
à Casa Branca”, ainda em cartaz nos
cinemas.

 


Crítica por: Pablo Bazarello (Blog)

 

Alvin e os Esquilos 2

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Sinopse: Depois de conquitarem a fama mundial, os Esquilos têm novos desafios. Dessa vez eles enfrentam as pressões do ambiente escolar e um grupo musical rival, formado pelas Esquiletes.

Antes de qualquer consideração ser feita, um aviso aos fãs de Jason Lee: sua participação em Alvin e os Esquilos 2 (Alvin and the Chipmunks: The Squeakquel) está muito mais no roteiro do que nas sua presença em cena. Ao contrário do que sugere o trailer, ele na verdade só aparece em pouquíssimas cenas. A função de adulto responsável na nova aventura é exercida por um primo atrapalhado de Dave – interpretado por Zachary Levi (Chuck).

Mesmo com os personagens principais sendo cantores que conhecem pares românticos igualmente musicais, a franquia continua carecendo de números musicais. Destaque para a versão fofinha de Hot n Cold, de Kate Perry, que no longa é interpretado pelas Esquiletes. Se mais momentos dessa categoria fossem incluídos, enriqueceriam o filme.

Falando em música, a dublagem brasileira resolveu dublar duas canções mudando as letras das músicas sem a mesma competência das versões das animações da Disney, um vício tão antigo quanto detestável. E quem quiser ouvir o idioma original terá de esperar pelo DVD.

Alvin e os Equilos 2 é mais uma prova da terrível influência dessa mania pudica que assola a produção infanto-juvenil encabeçada pelos seriados da Disney. Para quem ouviu histórias infantis em que a princesa precisava de um beijo na boca para chegar ao final feliz, essa tendência de resolver os casos amorosos com ingênuos e mornos abraços é extremamente irritante.

 


Crítica por: Edu Fernandes (HomemNerd)

 

 

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