As atrizes Alanis Guillen e Gabriela Medvedovsky, que conquistaram o público ao interpretar o casal Lorena e Juquinha, carinhosamente apelidado pelos fãs de “Loquinha” na novela ‘Três Graças’, não fazem mais parte do elenco da TV Globo. Mesmo com a imensa repercussão gerada em torno da trama das personagens, as artistas encerraram seus vínculos com a emissora.
De acordo com informações publicadas pelo jornal Folha de S.Paulo, as atrizes mantinham um formato de contrato por obra. Dessa forma, ambas se desvincularam oficialmente da empresa na última semana, coincidindo com a exibição do desfecho do folhetim assinado por Aguinaldo Silva, Virgílio Silva e Zé Dassilva.
A reportagem destacou que a Globo chegou a abrir negociações com Alanis e Gabriela para a assinatura de novos contratos de longo prazo, mas as conversas não avançaram para uma resolução. Com o término das tratativas, as duas profissionais estão livres no mercado para aceitar convites de outros canais e plataformas de streaming.
O romance entre Lorena e Juquinha foi apontado como um dos principais motores de engajamento de ‘Três Graças’. Os vídeos com os cortes das cenas do casal ultrapassaram as fronteiras nacionais, somando mais de 50 milhões de visualizações na internet.
De olho no sucesso estrondoso e surfando na onda desse engajamento digital, a Globo chegou a produzir e lançar um spin-off em formato de “novelinha curta” focado exclusivamente nas personagens. Intitulado ‘Loquinha’, o projeto derivado foi um sucesso absoluto nas redes sociais da emissora, ultrapassando a marca de 100 milhões de visualizações.
“Gerluce Maria das Graças integra uma família de mães solo: é filha de Lígia Maria e mãe de Joélly Maria. Criada pela mãe, que engravidou na adolescência e foi abandonada pelo pai da criança, Gerluce enfrenta um destino parecido com a chegada da filha”, diz a sinopse oficial da novela.
‘Michael’, biografia do rei do pop Michael Jackson, conseguiu ultrapassar a marca dos US$ 733 milhões nas bilheterias mundiais e se tornou a segunda maior bilheteria de 2026, atrás apenas de ‘Super Mario Galaxy‘ (US$894.2M).
E embarcando no sucesso do filme, que tal relembrar ou conhecer o único filme realmente protagonizado pela lenda da música? A Max se adianta e traz para o seu streaming ‘Moonwalker’, a ambiciosa aposta de Michael Jackson para os cinemas.
O ano era 1988, e Michael Jackson já era o maior fenômeno da música no mundo. A esta altura, sucessos como ‘Beat It’, ‘Billie Jean’ e, principalmente ‘Thriller’ (do álbum homônimo ‘Thriller’, 1982) já faziam parte do imaginário da cultura popular mundial. Tal estouro foi seguido pelo álbum ‘Bad’, de 1987, no qual constavam as igualmente icônicas ‘Smooth Criminal’, ‘The Way You Make Me Feel’ e ‘Bad’. Ou seja, o nome de Michael Jackson era provavelmente o nome mais famoso do planeta, como em épocas passadas haviam sido os de Elvis Presley e os Beatles. E o intitulado “rei do pop” usou esse prestígio para lançar nos cinemas uma superprodução que era a sua cara.
Vale dizer também que antes de ‘Moonwalker’, Michael Jackson já havia estrelado um filme para os cinemas. Falo de ‘O Mágico Inesquecível’, de 1978, adaptação do clássico dos clássicos ‘O Mágico de Oz’ (1939) para o universo da música negra norte-americana (Soul, R&B, hip-hop). Não por acaso, a superprodução foi uma ideia da Motown, gravadora especializada em lançar cantores negros ao estrelato, como o próprio Jackson e a cantora Diana Ross (grande amiga do cantor).
Em ‘O Mágico Inesquecível’, Diana Ross vive uma versão um pouco mais madura de Dorothy, enquanto Michael Jackson é o espantalho. O filme contou ainda com o comediante sensação da época Richard Pryor no papel do Mágico. O longa, apesar dos elementos mágicos e fantásticos, se passa numa realidade alternativa de Nova York, adaptando o clima urbano da cidade e a vivência de afro-americanos ao teor lúdico do conto original. Apesar do potencial, o longa não foi um sucesso em seu lançamento nas telonas, e terminou ressurgindo como cult alguns anos depois. Vale ressaltar também que nesta época Michael Jackon ainda não era considerado o Rei do Pop, e nem mesmo seu primeiro álbum mais maduro (‘Off the Wall’) havia lançado.
Michael e seu alter-ego Coelho compartilham um “dance-off”.
Dois anos antes de ‘Moonwalker’ chegar às telonas, e ainda surfando no sucesso assombroso que havia sido ‘Thriller’, Jackson era dirigido por ninguém menos que Francis Ford Coppola, o diretor da trilogia ‘O Poderoso Chefão’ e de ‘Apocalypse Now’. O projeto, no entanto, não era um longa-metragem para os cinemas e sim uma atração dos parques da Disney em 3D, exibida no EPCOT Center. ‘Captain EO’ era uma espécie de ‘Star Wars’ tendoMichael Jackson como protagonista. Não é coincidência ter como produtor George Lucas, o pai da saga da família Skywalker. A aventura espacial de Jackson tinha 17 minutos de duração e trazia naves espaciais, criaturas alienígenas de todo o tipo e uma grande vilã interpretada por Anjelica Huston. A atração fez parte do parque de 1986 até 1997 – e após a morte do cantor em 2009, voltou como atração especial.
De certa forma ‘Captain EO’ serviu como base para as ideias alucinadas contidas em ‘Moonwalker’. Mas enquanto o primeiro saiu da mente de George Lucas, visando capitalizar em cima da figura “maior que a vida” de Jackson, o longa-metragem foi inteiramente pensado pelo próprio cantor, em uma viagem megalomaníaca (e por que não, egocêntrica).
O clipe clássico da canção ‘Smooth Criminal’, que traz Michael como mafioso, foi tirado de ‘Moonwalker’.
É claro que algo desta magnitude precisava ser bancada pelo próprio Michael Jackson, e um dos astros da música mais ricos de todos os tempos investiu seu próprio dinheiro na aventura como produtor, e lançou o filme através de sua própria produtora. Michael também escreveu a história e só não se atreveu a dirigir. Lançado através da Lorimar Motion Pictures ‘Moonwalker’ é na verdade uma antologia relativamente desconexa entre seus contos, que usa o cantor como ponto central em todas as suas subtramas e, principalmente, serve de companhia para o álbum ‘Bad’, lançado no ano anterior. É como se Jackson tivesse criado um “super videoclipe” para impulsionar mais ainda as vendas de ‘Bad’.
Isso fica claro com o trecho dos “mafiosos” que terminou sendo usado como o videoclipe da música ‘Smooth Criminal’, presente no disco ‘Bad’. A música está presente no filme ‘Moonwalker’ e a cena contida no filme seria editada mais tarde para se tornar o clipe da mesma música. A ideia de Michael é que uma coisa estivesse automaticamente ligada à outra. Existe uma trama central em ‘Moonwalker’, que traz Michael Jackson ajudando um grupo de crianças carentes, exploradas pelo traficante Mr. Big para serem pequenos criminosos nas ruas. Jackson combate o vilão para livrar as crianças de suas garras. Mas vindo da mente do eterno Peter Pan, o longa ganha contornos de fantasia extrema, que no fim das contas soam como uma grande viagem lisérgica.
Efeitos caprichados na cena em que Michael se transforma em um grande robô.
Os primeiros 20 minutos de ‘Moonwalker’ são apenas trechos de shows, apresentações e clipes, que recapitulam a carreira deMichael Jackson para o espectador. É só depois destes primeiros vinte minutos que temos uma ideia do que será o filme, como se ele só começasse realmente a partir daí, quando Michael deixa de ser criança e se torna o Michael que conhecemos. Na saída da gravação de seu clipe ‘Bad’, ele dá de cara com um grupo de visitantes em um tour pelo estúdio de Hollywood. Os fãs o reconhecem e se inicia uma longa perseguição. Neste momento, o filme faz uso da técnica de stop-motion e “claymation” (aquele tipo de animação que parece criado com “massinha”).
Os fãs são criados em animação e Michael Jackson, após correr muito para fugir dentro do estúdio, acaba se disfarçando de coelho e também vira animação. Mais um longo trecho de perseguição com músicas, e ganhamos mais um recorte que mistura as canções de Michael com a arte de imagens abstratas. Justamente por isso, muitos críticos na época acusaram ‘Moonwalker’ de ser um teste de paciência e uma egotrip do músico.
O menino Brandon Quintin Adams vive a versão mirim de Michael durante as gravações do clipe ‘Bad’.
E bem, o que Michael Jackson tinha em mente para ‘Moonwalker’ ao que tudo indica não conseguiu preencher nem mesmo um filme de uma hora e meia de projeção. Se formos parar para pensar, só temos dois segmentos cuja narrativa se assemelha a uma história sendo contada. A primeira, citada, da fuga de Michael e sua transformação em coelho, depois dos vinte primeiros minutos – que deve durar algo em torno de 10 a 15 minutos. E é só após 37 minutos de projeção do longa, que ganhamos o tópico “principal” – o mencionado resgate das crianças aliciadas pelo traficante.
Nesse segmento, que é o mais duradouro e que deveria ser o centro do filme:Michael Jackson fica abismado ao descobrir que um traficante conhecido como Mr. Big está pretendendo aliciar e viciar crianças em drogas. Esse vilão é interpretado por ninguém menos que o vencedor do Oscar Joe Pesci – que dois anos depois estrelaria ‘Esqueceram de Mim’ e ganharia uma estatueta dourada da Academia por ‘Os Bons Companheiros’, de Martin Scorsese. Em meio à fuga, Michael encontra tempo para cantar e dançar ‘Smooth Criminal’, um dos momentos mais icônicos do longa – que serviu como videoclipe para a música.
Joe Pesci viveu o vilão Mr. Big e seu visual continua um rabinho de cavalo que desafiava a gravidade.
Encontrado e cercado pelo vilão e seus capangas, Michael parece derrotado. Porém, eis que nosso herói se ergue e… se transforma em um robô gigante (do nível de um Transformer). Sim, é isso mesmo. É tal robô que derrota os inimigos e salva o dia. Os efeitos especiais nessa parte impressionam para a época (é preciso levar em conta que este era 1988, antes do uso de CGI em ‘O Exterminador do Futuro 2’). Dá para ver e entender que ‘Moonwalker’ é muito mais uma experiência visual e sonora, do que uma experiência coerente ou uma história. Não existe arco ou narrativa. ‘Moonwalker’ é apenas um amontoado de imagens, muitas delas bonitas e impressionantes – tudo acompanhado ao som das músicas do astro. Para seus fãs mais ardorosos, podemos dizer que não fica muito melhor do que isto.
Essa investida custou ao bolso de Michael 22 milhões de dólares. É dito que nos EUA o longa recebeu lançamento direto em vídeo, mas estreou nos cinemas por muitos países do mundo. Na Inglaterra recebeu um lançamento limitado. Como esse era um produto com a cara de Michael Jackson, acompanhando o longa, todo tipo de merchandising em cima do filme foi criado. Dentre os mais notórios está o videogame homônimo, lançado pela empresa SEGA. O jogo estreava em 1990, com lançamentos em Arcade (os chamados fliperamas) e também em consoles para a casa, vide o Mega Drive e o Master System. Todas as crianças que cresceram na época, certamente conhecem ou jogaram e puderam ser Michael Jackson por alguns momentos.
Todas as crianças da época passaram horas jogando ‘Moonwalker’, o videogame onde podíamos ser Michael Jackson.
‘Moonwalker’ é claro virou cult instantâneo um tempo depois, e fez sucesso nas locadoras de vídeo. E depois nas reprises da TV aberta – onde sempre era exibido pelo SBT. Agora o filme chega pela primeira vez nos streamings brasileiros – com a estreia no Max, onde uma nova leva de fãs poderá conhecer essa obra para lá de curiosa levando o nome do maior astro da música pop a ter passado pelo nosso planeta. E que sirva de aquecimento para a sua tão aguardada cinebiografia.
Olho por olho, dente por dente. Um dos sentimentos mais conflituosos que a humanidade já viu é a vingança. Debruçando-se sobre a moral a todo instante, quem é consumido por essa emoção muitas vezes encara a inconsequência como uma saída para se livrar das sensações de angústia. No mundo do cinema, já vimos muitas histórias que exploram essa questão. Para deixar algumas delas para reflexões, segue uma poderosa lista abaixo:
Vou te contar agora sobre um filme muito, muito tenso que está disponível na MAX. Uma família rica. Um sequestro. Uma noite de revelações surpreendentes. Remake de um filme espanhol lançado em 2017, o longa-metragem mexicano Confissões é tenso, aterrorizante, que através de declarações inesperadas expõe na tela as dores, a vingança e o absurdo de ações feitas no passado. Dirigido por Carlos Carreira, esse é um filme que vai te surpreender principalmente pelo seu final impactante.
Éramos Crianças
Toda ação gera reação. Girando em torno de um dos sentimentos sem volta que desestabiliza o comportamento humano, a vingança, o longa-metragem Éramos Crianças e sua narrativa que navega em um ping pong na linha temporal busca prolongar um suspense que envolve um forte trauma na infância acoplados em questões familiares. Dirigido por Marco Martani, o projeto é um dos selecionados para a ótima seleção do Festival de Cinema Italiano 2024.
Quando o caos é tudo que existe. Dirigido pelo excelente cineasta James Wan, conhecido pelos filmes de terror do seu currículo, em 2008 chegou aos cinemas um filme de ação brutal com alta doses dramáticas que coloca em evidência uma imersão às consequências de uma vingança. Protagonizado por Kevin Bacon, Death Sentence é sobre o estopim de uma guerra, a destruição de uma família, e as tentativas em vão do equilíbrio de uma equação que não deveria existir.
Na trama, conhecemos Zuko (Bonko Khoza), um homem que encontrou a felicidade ao lado de sua família após anos de intensa ação e sofrimento. Filho de pais adotivos, teve os pais seriamente feridos em uma blitz da polícia de segurança do Apartheid. Quando o passado bate à sua porta, ele, que pertence a um grupo que tem como objetivo atual expor os absurdos cometido por Mtima (Sisanda Henna), um forte candidato para as próximas eleições na África do Sul, munido de sua adaga precisará reunir todas suas habilidades, contatos, em busca de completar mais uma missão.
A justiça selvagem numa estrada de inconsequências. Dois anos depois de estrelar nos cinemas o primeiro filme da vitoriosa franquia Velozes e Furiosos, o ator californiano Vin Diesel chegaria aos cinemas com um filme pulsante que explora a dor da perda, a cegueira da vingança e o nebuloso universo do narcotráfico mundial, tudo isso preenchido por uma narrativa dinâmica repleta de cenas de ação.
Na trama, conhecemos Soo-hyeok (Jung Woo-sung) um homem com um passado tomado pela violência que após passar uma década preso volta à liberdade e logo descobre que é pai de uma menina, fruto de seu relacionamento com uma ex-namorada. Querendo largar a vida de criminoso e se dedicar a ser um bom pai, acaba sendo alvo da fúria de um invejoso ex-colega de gangue e então parte para um acerto final.
Um pouco mais de duas décadas atrás chegava aos cinemas pelas mãos do sempre competente Ridley Scott um filme que marcaria gerações de amantes da sétima arte nos trazendo o contexto de sangue e dor de um general romano que traça uma jornada cheia de obstáculos motivado por um espírito de vingança em meio ao caos da ambição na figura de um rei assassino e não declarado. Com uma visão bastante próxima de uma Roma Antiga, todo o circo do entretenimento da época associada à uma luta de vida e morte numa enorme arena, as intrigas políticas, alguns personagens que realmente existiram mas com novas interpretações,Gladiador venceu cinco Oscars e até hoje é lembrado como um dos mais grandiosos e elogiados blockbusters.
Sleepers – A Vingança Adormecida
Na trama, após serem condenados ao reformatório por uma ação que deu errado, quatro jovens sofrem bastante nesse período nas mãos dos funcionários do lugar. Anos se passam, eles se reencontram e tem a chance de se vingar.
Vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes em 2004, o filme conta a trajetória de Oh Dae-su (Choi Min-sik, em atuação impressionante), um homem que após ser detido totalmente embriagado, é sequestrado e mantido assim por 15 longos anos. Quando enfim é libertado, aparentemente sem saber o motivo, tem alguns dias para ir atrás da verdade de seu encarceramento, embarcando assim em uma jornada de chocantes descobertas.
Na trama, conhecemos Richard (Paddy Considine) um homem que teve que servir ao exército britânico e assim deixou para trás sua família. Quem mais sentiu sua falta foi seu irmão Anthony (Toby Kebbell), um jovem autista que acabou em seguida se envolvendo com uma inconsequente gangue de outros rapazes que moravam na região. Uma trauma acontece e quando Richard volta para casa resolve se vingar de tudo e todos.
‘The Boys’ chegou oficialmente ao fim, e embora o universo da franquia continue em expansão com o spin-off ‘Vought Rising’, série derivada focada nas origens do Soldier Boy, o episódio final do fenômeno de audiência surpreendeu o público ao quebrar uma das tradições mais marcantes das produções de super-heróis: a ausência de uma cena pós-créditos. Em vez disso, a obra optou por encerrar exibindo imagens de bastidores da própria equipe técnica.
De acordo com informações do portal ComicBookMovie, o showrunner Eric Kripke explicou que a decisão de não incluir ganchos para o futuro foi deliberada, priorizando o reconhecimento àqueles que trabalharam atrás das câmeras ao longo de todas as temporadas:
“O que aconteceu foi que, durante nossa festa de encerramento, eles montaram uma versão menor daquela homenagem, e eu adorei. Nunca pensamos em fazer uma cena pós-créditos ou algo assim, porque a série acabou e aqueles personagens estão aposentados. Os atores obviamente recebem os holofotes, e com razão. Mas tivemos uma equipe incrível que esteve conosco o tempo todo e trabalhou 14 ou 15 horas por dia, todos os dias, para fazer essa série. Eles merecem esse reconhecimento tanto quanto qualquer outra pessoa, talvez até mais”, afirmou.
No ciclo final de ‘The Boys‘, o mundo fica à mercê dos caprichos erráticos e egocêntricos do Capitão Pátria, enquanto figuras centrais como Hughie, Mother’s Milk e Frenchie encontram-se presos em um “Campo da Liberdade”.
Em meio ao caos, Annie tenta organizar uma resistência contra a força esmagadora dos Supers, ao mesmo tempo em que lida com o desaparecimento de Kimiko. O ressurgimento de Billy Bruto, decidido a utilizar um vírus capaz de eliminar todos os Supers da Terra, promete desencadear uma série de eventos irreversíveis.
‘The Boys’ chegou oficialmente ao fim, e o final trouxe um encerramento muito semelhante aos eventos retratados nos quadrinhos originais. No entanto, os fãs mais atentos notaram a ausência de uma figura crucial na mitologia da produção: a Rainha Maeve. Diante da repercussão, o showrunner Eric Kripke comentou sobre os bastidores do episódio final, revelando que cogitou trazer a heroína de volta, mas a atriz Dominique McElligott recusou o convite.
De acordo com informações do portal ComicBookMovie, Kripke entrou em contato direto com McElligott para avaliar a possibilidade de escrever uma participação especial para a personagem na conclusão da saga. O produtor detalhou como foi a conversa:
“Eu adoraria ter tido a Maeve. Eu conversei com a Dominique McElligott. Ainda trocamos e-mails de vez em quando. Ela praticamente se aposentou da atuação, e a agenda dela não encaixou. Foi tudo muito amigável, sem qualquer controvérsia. Eu disse: ‘Se escrevêssemos algo, você toparia?’ E ela respondeu: ‘Estou meio afastada disso, estou ocupada e infelizmente não posso, mas mande meu carinho para todos’. Foi basicamente isso”, afirmou.
A decisão alinha-se ao perfil discreto da atriz irlandesa que, ao longo de sua trajetória na televisão, raramente concedeu entrevistas e sempre demonstrou priorizar sua privacidade longe dos holofotes de Hollywood.
A Rainha Maeve, concebida na série como uma sátira ácida à Mulher-Maravilha, teve sua última aparição oficial no desfecho da terceira temporada. Na ocasião, a poderosa integrante fundadora dos Sete aliou-se aos protagonistas contra o Capitão Pátria e acabou se sacrificando para conter a explosão devastadora do Soldier Boy.
Embora o restante do mundo a sinta como morta, o público descobriu que Maeve sobreviveu à queda, embora tenha perdido seus superpoderes devido à radiação. Sem habilidades especiais, ela optou por deixar a cidade para recomeçar uma vida pacífica e anônima ao lado de sua namorada, Elena.
Nos bastidores da Vought, a diretora executiva Ashley Barrett chegou a ter acesso às filmagens de segurança que provavam a sobrevivência da ex-heroína, mas decidiu apagar os registros oficiais, protegendo o segredo e garantindo que Maeve pudesse desfrutar de sua liberdade longe da corporação.
No ciclo final de ‘The Boys‘, o mundo fica à mercê dos caprichos erráticos e egocêntricos do Capitão Pátria, enquanto figuras centrais como Hughie, Mother’s Milk e Frenchie encontram-se presos em um “Campo da Liberdade”.
Em meio ao caos, Annie tenta organizar uma resistência contra a força esmagadora dos Supers, ao mesmo tempo em que lida com o desaparecimento de Kimiko. O ressurgimento de Billy Bruto, decidido a utilizar um vírus capaz de eliminar todos os Supers da Terra, promete desencadear uma série de eventos irreversíveis.
O ator norte-americano Grizzwald “Grizz” Chapman, amplamente conhecido por seu papel como o carismático Grizz na aclamada série de comédia ’30 Rock’, faleceu aos 52 anos. De acordo com informações publicadas pelo Deadline, a notícia do falecimento foi confirmada oficialmente por sua agente de longa data, Renee Glicker. A causa exata da morte não foi divulgada.
Em comunicado oficial, Glicker lamentou a perda e destacou o temperamento afável do artista nos bastidores da indústria:
“Estamos muito tristes por sua família, amigos e todos que o conheceram e trabalharam com ele. Com todos os seus 2,13 metros e 172 kg, ele era um homem muito gentil que amava profundamente sua família. Ele adorou trabalhar em ‘30 Rock’ em cada minuto. Infelizmente, sua saúde debilitada acabou limitando sua carreira”, afirmou.
Chapman vinha enfrentando sérios problemas renais crônicos há mais de uma década. Diante de sua própria batalha contra a condição, o ator utilizou sua visibilidade pública para atuar como porta-voz oficial da National Kidney Foundation (Fundação Nacional do Rim), conscientizando o público sobre a importância dos cuidados com a saúde renal e da doação de órgãos.
Nascido em 16 de abril de 1974, no distrito do Brooklyn, em Nova York, Chapman chamava a atenção por sua impressionante estatura de 2,13 metros. Antes de ingressar no meio artístico, ele trabalhava como segurança em uma casa de entretenimento adulto na cidade quando conheceu o comediante Tracy Morgan.
O encontro mudou os rumos de sua carreira: Morgan convidou Chapman e o ator Kevin Brown para integrarem o elenco de ’30 Rock’ (exibida originalmente entre 2006 e 2013 pela NBC). Na trama, a dupla deu vida aos inseparáveis Grizz e Dot Com, os fiéis guarda-costas e confidentes do excêntrico astro de TV Tracy Jordan (personagem de Morgan).
Além do sucesso na icônica comédia deTina Fey, Chapman expandiu sua presença digital ao criar a websérie ‘Grizz Chronicles’ no YouTube.
O roteirista e cineasta Damon Lindelof, amplamente conhecido por seu trabalho em produções aclamadas como ‘Lost’ e ‘Watchmen’, relembrou abertamente os bastidores de sua breve passagem pela franquia ‘Star Wars’. O diretor detalhou o processo criativo que acabou resultando em seu desligamento da saga criada por George Lucas.
De acordo com informações do Deadline, Lindelof recordou que foi “demitido de um filme de Star Wars” após enfrentar sérias dificuldades para “acertar o tom”de seu projeto junto à alta cúpula da Lucasfilm:
“Eles me perguntaram: ‘O que você acha que um filme de Star Wars deveria ser?’ E eu respondi: ‘Aqui está o que deveria ser.’ Então eles disseram: ‘Ótimo, você está contratado’. E então, dos anos depois, fui demitido”, afirmou.
O cineasta explicou que sua intenção era construir uma narrativa conceitual complexa, que colocasse em xeque os próprios pilares e tradições da franquia. No entanto, a ousadia da proposta acabou gerando barreiras criativas:
“O que estávamos tentando fazer era trazer essa discussão para o filme, algo como: existe uma força da nostalgia e uma força da revisão, e elas estão em conflito entre si. Era como fazer a Reforma Protestante dentro de Star Wars. E não funcionou”, acrescentou.
Embora a Lucasfilm aparentemente “tenha gostado da premissa” em um primeiro momento, Lindelof acredita que sua ideia original “não parecia necessariamente tão arriscada”na teoria quanto acabou se provando na prática.
“A escrita era muito difícil, lenta… o tom, acertar aquiloOnde isso se encaixava dentro do cânone, qual seria sua relação com o Episódio IX, se estava iniciando uma nova trilogia…”, explicou o roteirista.
Para o diretor, o principal desafio foi guiar uma produção de escala monumental mantendo a originalidade, especialmente em uma era em que a franquia parecia oscilar constantemente entre o novo e o clássico:
“É aquela velha equação do navio-tanque: você gira o volante e leva cinco minutos para ele mudar um pouquinho de direção. Estávamos procurando o centro de Star Wars e, quando o Episódio VII saiu, todos sabíamos o que era. Era Rey, Finn, Poe… todos esses personagens. E então fomos migrando de volta para Luke, Leia, Han, Chewie e toda aquela turma”, concluiu.
O ator canadense Stewart McLean, conhecido por suas participações em séries de sucesso como ‘Virgin River’ e ‘Supernatural’, foi encontrado morto na região de Lions Bay, no Canadá. De acordo com informações do portal Deadline, os restos mortais do artista foram oficialmente identificados pelas autoridades locais de segurança.
A confirmação da identidade ocorreu um dia após a polícia anunciar a localização de uma vítima de homicídio com características semelhantes às do ator, que estava desaparecido. Os restos mortais de McLean foram localizados uma semana após o seu sumiço, momento em que a equipe de investigadores confirmou que o caso passou a ser tratado formalmente como assassinato.
A Equipe Integrada de Investigação de Homicídios (IHIT, na sigla em inglês) da Polícia Montada Real Canadense assumiu o comando dos trabalhos e busca reconstruir os últimos passos do artista. Em nota oficial, a policial Esther Tupper detalhou o andamento dos procedimentos:
“À medida que a investigação avança, os investigadores de homicídios estão trabalhando para coletar e analisar evidências, revisar imagens de câmeras de segurança e conduzir entrevistas para montar uma linha do tempo das atividades do Sr. McLean antes de 15 de maio de 2026. Estamos seguindo todas as pistas disponíveis enquanto buscamos respostas para a família, amigos e entes queridos do Sr. McLean”, afirmou.
O ator de 45 anos, que no meio artístico também utilizava o crédito de Stew McLean, havia sido visto pela última vez no dia 15 de maio de 2026, em sua residência em Lions Bay, comunidade localizada a cerca de 30 minutos de Squamish e a 45 minutos de Vancouver.
Em comunicados anteriores, o departamento de polícia de Squamish já havia alertado que a apuração inicial sobre o desaparecimento reuniu indícios criminais contundentes, o que acionou a intervenção imediata da divisão especializada em homicídios.
Descrito nos relatórios oficiais como um homem de 1,78m de altura, cerca de 68 kg, cabelos grisalhos e olhos azuis, McLean construiu uma carreira sólida e ativa na televisão norte-americana e canadense a partir de 2015.
Ao longo de mais de uma década na indústria do audiovisual, o ator acumulou créditos em episódios de produções populares da CW, Netflix e Fox, incluindo os dramas de ficção e mistério ‘Arrow’, ‘Supernatural’, ‘Travelers’, a comédia ‘Loudermilk’, além dos recentes sucessos de audiência ‘Murder in a Small Town’ e ‘Virgin River’.
A icônica performerBritney Spears tentou iniciar uma carreira de atriz nos anos 2000 mas foi duramente massacrada pela mídia quando estrelou ‘Crossroads – Amigas para Sempre’.
Escrito por Shonda Rhimes, de ‘Grey’s Anatomy‘, o filme trazia Britney Spears, Anson Mount, Zoe Saldana, Taryn Manning, Kim Cattrall e Dan Aykroyd, e girava em torno de três adolescentes viajando os Estados Unidos enquanto tentavam se encontrar.
Mesmo após ter sua atuação criticada no fofo filme, Britney quase foi escalada como Allie no clássico romance ‘Diário de uma Paixão’.
Ela fez testes para viver a protagonista e citou a história no seu livro ‘The Woman in Me’, e o vídeo impressionante de sua cena de teste foi divulgado na internet logo depois.
Assista:
BRITNEY SPEARS audition for THE NOTEBOOK has been released, she was one of the final 3 girls considered to get the role pic.twitter.com/KPpSOU4GBv
Eventualmente, Rachel McAdams conseguiu o papel e Spears revelou que fez as pazes com isso – pois acredita que a trajetória de sua carreira teria ocorrido de forma bem diferente caso tivesse assinado contrato para participar do projeto.
“Aquilo foi basicamente o começo e o fim da minha carreira de atriz, e eu fiquei aliviada”, ela explicou. “A escalação de ‘Diário de uma Paixão’ ficou entre eu e Rachel McAdams, e mesmo eu tendo achado que seria divertido me reconectar com Ryan Gosling depois do nosso tempo em ‘O Clube do Mickey Mouse’, fico feliz de não ter feito isso. Se eu tivesse, em vez de ter trabalhado no meu álbum ‘In The Zone’, estaria atuando como uma herdeira dos anos 1940 dia e noite”.
Lançado em 2004, o filme foi dirigido por NickCassavetes e, apesar das críticas mistas, arrecadou quase US$118 milhões nas bilheterias mundiais.
Numa clínica geriátrica, Duke, um dos internos que relativamente está bem, lê para uma interna (com um quadro mais grave) a história de Allie Hamilton (McAdams) e Noah Calhoun (Gosling), dois jovens enamorados que em 1940 se conheceram num parque de diversões. Eles foram separados pelos pais dela, que nunca aprovaram o namoro, pois Noah era um trabalhador braçal e oriundo de uma família sem recursos financeiros. Para evitar qualquer aproximação, os pais de Alie a mandam para longe. Por um ano Noah escreveu para Allie todos os dias mas não obteve resposta, pois a mãe (Joan Allen) dela interceptava as cartas de Noah para a filha. Crendo que Allie não estava mais interessada nele, Noah escreveu uma carta de despedida e tentou se conformar. Alie esperava notícias de Noah, mas após 7 anos desistiu de esperar ao conhecer um charmoso oficial, Lon Hammond Jr. (James Marsden), que serviu na 2ª Grande Guerra (assim como Noah) e pertencia a uma família muito rica. Ele pede a mão de Allie, que aceita, mas o destino a faria se reencontrar com Noah. Como seu amor por ele ainda existia e era recíproco, ela precisa escolher entre o noivo e seu primeiro amor.
‘Diário de uma Paixão’ foi baseado no romance homônimo de Nicholas Sparks e também trouxe no elenco Jamie Brown, Sam Shepard, David Thornton e outros.
‘Um Lugar Chamado Notting Hill‘, estrelada por Julia Roberts e Hugh Grant, segue a história de Will, um pacato dono de livraria especializada em guias de viagem, que recebe a inesperada visita de uma cliente muito especial: a estrela de cinema americana Anna Scott. Dois ou três encontros fortuitos mais tarde, Will e Anna iniciam um relacionamento tenro, engraçado e cheio de idas e vindas. Gina McKee, Tim McInnerny, Rhys Ifans e Hugh Bonneville completam o elenco.
Lançado em 2006, ‘O Amor Não Tira Férias‘ arrecadou mais de 200 milhões de dólares ao redor do mundo e conquistou uma base fiel de fãs com o passar dos anos.
Na trama, a norte-americana Amanda Woods tem uma carreira promissora e moderna, mas está deprimida porque terminou o relacionamento com o namorado. A inglesa Iris Simpkins é redatora de uma coluna popular e tem pouca sorte com os homens. Durante as festas natalinas, as duas decidem trocar de casa e acabam conhecendo outros homens. O elenco traz Jude Law, Cameron Diaz, Kate Winslet e Jack Black.
‘Diário de uma Paixão’ não foi um sucesso de público quando estreou nos cinemas em junho de 2004. Talvez o motivo tenha sido justamente a data, sempre repleta de competição no verão norte-americano.
Porém, um tempo depois quando foi lançado em vídeo, a história do amor impossível entre uma jovem herdeira (Rachel McAdams) e um rapaz humilde (Ryan Gosling) apaixonou mais e mais pessoas até se tornar um sucesso com um novo público. Ajudou bastante o fato de na vida real os atores também terem se apaixonado, apesar de o relacionamento não ter durado tanto – mas rendeu um dos momentos mais legais na história do MTV Movie Awards.
‘Antes do Amanhecer’, do cineastaRichard Linklater, acompanha Jesse (Ethan Hawke), um jovem estadunidense, e Céline (Julie Delpy), uma jovem francesa, que se encontram num trem e desembarcam em Viena, onde eles passam a noite andando pela cidade, se conhecendo e se apaixonando um pelo outro.
Embora o relacionamento de Jesse Wallace e Céline seja fictício, seu conceito é bem real e nos leva a uma mulher pouco conhecida do público. Amy Lehrhaupt é o peculiar nome que aparece nos créditos finais de ‘Antes da Meia-Noite’. Dedicado a ela, o filme que encerra a trilogia romântica guarda uma história real de um amor que durou pouco tempo, mas foi imortalizado no cinema.
Richard Linklater conheceu Amy em 1989, enquanto visitava sua irmã na Filadélfia. Ele acabara de filmar ‘Slacker’ e ficaria apenas uma noite na cidade, retornando para Nova York logo em seguida.
Único registro de Amy Lehrhaupt encontrado na internet
Aos 29 anos, ele conheceu a jovem de apenas 20, em uma loja de brinquedos. E aos moldes de ‘Antes do Amanhecer’, os dois passaram a noite conversando, trocando ideias sobre o que amam, flertando e “fazendo coisas que você jamais faria agora”, como ele afirmou certa vez em uma entrevista à Times. O inesperado encontro se estendeu entre a meia-noite e às seis da manhã, regado por conversas sobre arte, ciência e cinema. Aquele momento rendeu em um (ou mais) beijo(s). E se as coisas foram para além disso? Linklater deixa o mistério, para manter a magia cativante do breve, mas marcante, romance.
Aquele instante que dividiram juntos impactou a vida de Linklater, que revelou o quão precioso aquele sentimento havia se tornado. Na entrevista, ele compartilhou que mesmo enquanto vivenciava o efêmero encontro, pensava em um jeito de imortalizar a sensação. Um filme congelaria a leveza daquele hiato.
“Até no momento em que a experiência acontecia eu dizia a ela: ‘Eu vou fazer um filme sobre isso’. E ela me perguntava, ‘sobre isso o que? O que você está falando?’. E eu dizia, ‘apenas isso. Esse sentimento. Esse lance que está acontecendo entre nós’”.
Após o encontro, ambos foram para suas respectivas cidades e tentaram manter contato frequente por telefone. A distância sempre pareceu ser a maior das dificuldades, que eventualmente apagou a chama que havia nascido naquela meia-noite na Filadélfia. E de acordo com Linklater, é como aconteceu no primeiro filme de 1995.
“Então, no primeiro filme existe aquela coisa, a ideia de que ambos iriam – intelectualmente – ir além daquele encontro. Eles sabem que estão em continentes distintos, sabem que as chances de isso dar certo são imprecisas. Mas se comprometeram àquela noite. Era o que eles tinham”.
O diretor futuramente se envolveu com outra mulher, em um relacionamento que durou um ano e isso os distanciou de vez. Desde então, jamais voltaram a conversar. Em sua mente, talvez ela aparecesse em uma exibição de ‘Antes do Amanhecer’, como Céline aparece na leitura do livro de Jesse, ‘Desta Vez’, na sequência ‘Antes do Pôr do Sol’. No entanto, ela não foi.
Linklater só descobriu o que realmente aconteceu com Amy, desde a última vez que se falaram, bem depois.
O cineasta descobriu que sua paixão de uma noite tinha falecido em um acidente de moto, em 9 de maio de 1994, antes de completar seus 25 anos. A tragédia teria acontecido há poucos dias do início das filmagens do filme inspirado nela.
Descobrindo a trágica notícia através de uma carta de uma amiga de Amy – que sabia do encontro amoroso dos dois, ele foi tomado por uma tristeza absoluta. Também devastado, o atorEthan Hawke – que deu vida à noite de Linklater nos cinemas – o lembrou do impacto que o encontro gerou em toda sua vida, refletindo em três filmes, milhares de amantes impactados pela história de Jesse e Céline, além de todos aqueles que ele conheceu indiretamente através dela.
E em uma simbólica reflexão, Linklater – que tardou 24 anos para nos apresentar Amy Lehrhaupt – concluiu:
“Quem sabe a forma como nós impactamos as vidas uns dos outros? Eu só sei que ela é uma inspiração nisso aqui”.
A situação de ‘Supergirl’ na bilheteria começa a preocupar a DC Studios — e as primeiras projeções já indicam que o longa pode acabar se tornando tanto um sucesso moderado quanto um dos grandes tropeços do verão americano.
Segundo o Box Office Theory, o novo filme da heroína deve arrecadar entre US$ 47 milhões e US$ 65 milhões em seu fim de semana de estreia na América do Norte. Caso fique na faixa mais baixa, o desempenho será parecido com o decepcionante lançamento de ‘As Marvels‘, que chegou aos cinemas cercado de críticas positivas, mas encerrou sua trajetória com apenas US$ 206 milhões mundialmente.
Já no cenário mais otimista, ‘Supergirl’ poderia alcançar números próximos aos obtidos por ‘Capitão América: O Primeiro Vingador‘ e ‘Thor‘, que arrecadaram cerca de US$ 370 milhões e US$ 449 milhões globais, respectivamente.
Ainda é cedo para decretar o destino do longa, mas a expectativa é que projeções mais concretas apareçam nas próximas semanas, especialmente após o início da pré-venda de ingressos.
Nos bastidores, há quem acredite que a DC esteja tentando evitar o desgaste enfrentado por outros filmes de super-heroínas nos últimos anos. Não por acaso, Superman vem aparecendo com destaque inesperado nas campanhas promocionais de ‘Supergirl’.
Os comerciais de TV mais recentes revelaram detalhes inéditos sobre o traje de Kara e ainda entregaram novas cenas do Superman vivido por David Corenswet — algo que muitos fãs interpretaram como uma tentativa da Warner de aumentar o apelo comercial do projeto.
Além disso, a recepção inicial ao marketing do filme tem sido bastante dividida. Muitos internautas criticaram os trailers pelas semelhanças visuais com ‘Guardiões da Galáxia‘, além da paleta de cores considerada “apagada” em comparação com a aclamada HQ ‘Supergirl: Mulher do Amanhã’.
O longa chega aos cinemas brasileiros em 25 de junho e terá 1 hora e 50 minutos de duração, já incluindo os créditos finais.
Para efeito de comparação, a produção será mais curta que ‘Superman’, responsável por abrir as portas do novo universo compartilhado da DC, com 2 horas e 9 minutos de duração.
Estrelando Milly Alcock no papel da “Mulher do Amanhã”, o filme promete uma abordagem distinta e ambiciosa para uma das personagens mais poderosas da editora, servindo como uma peça fundamental para a expansão da cronologia liderada por James Gunn.
Craig Gillespie, conhecido por seu trabalho em ‘Cruella’ e ‘Eu, Tonya’, dirige. O roteiro é assinado por Ana Nogueira.
Ontem, o jornalista Matthew Belloni, do site Puck, revelou que o astro Tom Hardy havia sido demitido da série ‘Terra da Máfia’ após comportamentos controversos nos bastidores da atração durante a segunda temporada.
Hoje, o TMZ revelou que Hardy ainda não foi demitido e que a situação está “em aberto”. Aparentemente, o ator realmente teve desentendimentos com os produtores Jez Butterworth e David Glasser, mas a porta ainda pode estar aberta para o retorno de Hardy caso a série seja renovada para uma terceira temporada.
As informações indicam que o astro entrou em conflito com os produtores da série ao chegar atrasado às gravações e oferecer sugestões de roteiro e alterações de diálogos não planejadas. A matéria também afirma que Hardy estava insatisfeito por fazer parte de um elenco fixo na série. O produtor Jez Butterworth, inclusive, teria ameaçado deixar o projeto.
Mais informações não foram reveladas.
Em ‘Terra da Máfia’, Hardy interpreta Harry De Souza, um intermediário que trabalha para os Harrigans, uma família criminosa de Londres originária da Irlanda. Na primeira temporada, ele liderou a disputa da família com os rivais Stevensons, que terminou em grande derramamento de sangue.
Mais detalhes não foram divulgados.
Criada por Guy Ritchie (‘Magnatas do Crime’), a trama segue duas famílias criminosas em guerra em Londres, cujos empreendimentos se estendem por todos os cantos do globo e o ‘consertador’ ferozmente leal encarregado de proteger uma delas a todo custo.
Com 75% de aprovação dos críticos no Rotten Tomatoes, a série foi elogiada pela performance de seu elenco principal e pela abordagem narrativa, que segue o estilo criativo de Ritchier.
Em UMA INFÂNCIA ALEMÃ, nos últimos dias da Segunda Guerra Mundial, Nanning, um garoto de 12 anos, desafia o mar traiçoeiro para pescar e trabalha duro em uma fazenda vizinha para ajudar sua mãe a sustentar a família. Apesar do isolamento e das dificuldades da época, a rotina na bela e ventosa ilha quase se assemelha a um paraíso intocado pelo conflito. No entanto, quando a paz finalmente é declarada, ela revela uma ameaça ainda maior e oculta: o verdadeiro inimigo está muito mais próximo do que o jovem Nanning jamais poderia imaginar.
Curiosidades:
» Além de dirigir, Fatih Akin também assina o roteiro ao lado de Hark Bohm;
» Do diretor de ‘O Bar Luva Dourada‘ e ‘Em Pedaços‘;
O live-action consegue transpor de maneira brilhante toda a energia da animação para os cinemas. É colorido, exagerado, divertido e cheio de referências. É uma história de origem, então vamos entender como o He-Man virou o He-Man.
Adorei a maneira criativa que o filme tomou para expandir a mitologia da série e adicionar novos elementos, modernizando a história para os dias atuais sem perder a essência e a inocência dos anos 80. Com um humor sarcástico e metalinguagem, Mestres do Universo se reinventa.
Nicholas Galitzine nasceu para interpretar o Príncipe Adam e entrega uma atuação primorosa, assim como Camila Mendes está super imponente como Teela e Jared Leto dubla um Esqueleto maquiavélico e caricato na medida certa. Morena Baccarin também brilha como a Feiticeira.
O filme se alonga um pouco demais e fica um pouco cansativo no terceiro ato, mas os fãs vão se deliciar com a rica construção do universo de Eternia. Tem duas cenas pós-créditos adiantando a introdução de dois personagens amados. Quem serão?
Na trama, após 15 anos separados, Príncipe Adam (Nicholas Galitzine) é guiado pela Espada do Poder até o seu lar em Eternia, que está sob o domínio do cruel Esqueleto (Jared Leto). Para salvar a todos, ele vai ter que aceitar o seu destino como He-Man, o homem mais poderoso do mundo, e contar com a ajuda de seus aliados, Teela (Camila Mendes) e Duncan / Mentor (Man-At-Arms, Idris Elba).
Em ‘Mestres do Universo’, o diretor Travis Knight traz a lendária franquia de volta às telonas nesta épica aventura live-action.
O roteiro é assinado por Chris Butler, baseado em rascunhos iniciais de David Callaham e Aaron Nee.
Nicholas Galitzine (Príncipe Adam/He-Man), Camila Mendes (Teela), Morena Baccarin (Feiticeira), Jared Leto (Esqueleto), Alison Brie (Maligna/Evil-Lyn), Idris Elba (Mentor/Man-At-Arms) e Kristen Wiig (Voz de Roboto) estrelam.
Nem toda comédia dramática precisa apostar em exageros ou situações absurdas para emocionar. Algumas funcionam justamente por retratar conflitos familiares reais, personagens imperfeitos e relações humanas cheias de cicatrizes. É exatamente isso que torna ‘Em Seu Lugar’ tão especial até hoje.
Estrelado porCameron Diaz, Toni Collette e Shirley MacLaine, o longa lançado em 2005 foi lançado na Netflix e figura no TOP 10 dos mais assistidos do catálogo.
O filme poderia facilmente ter sido apenas mais uma “comédia feminina” da época. Mas o diretor Curtis Hanson entrega algo muito mais profundo, sensível e emocional.
Baseado no livro de Jennifer Weiner, o filme acompanha as irmãs Maggie e Rose, duas mulheres completamente diferentes que vivem em constante conflito. Enquanto Maggie é impulsiva, divertida e vive sem responsabilidades, Rose é centrada, insegura e extremamente rígida consigo mesma. Quando segredos familiares começam a surgir, as duas são obrigadas a rever suas escolhas e enfrentar traumas do passado.
O grande mérito de ‘Em Seu Lugar’ é justamente fugir do óbvio. Apesar do carisma explosivo de Cameron Diaz, o filme não aposta apenas no humor fácil. Pelo contrário: entrega uma narrativa madura sobre autoestima, amadurecimento, família e reconciliação.
E Cameron Diaz talvez nunca tenha estado tão bem dramaticamente. Conhecida na época por sucessos mais leves como ‘As Panteras’ e ‘Quem Vai Ficar com Mary?’, a atriz surpreendeu ao interpretar uma personagem vulnerável, perdida e emocionalmente quebrada. Muitos críticos consideram até hoje uma das melhores atuações de sua carreira.
Assista ao trailer:
A recepção da crítica foi bastante positiva. No Rotten Tomatoes, o longa conquistou 74% de aprovação da crítica especializada e 66% de aprovação do público, números excelentes para uma produção do gênero.
Já no IMDb, o filme mantém nota 6,5/10 com mais de 68 mil avaliações de usuários, mostrando como continua sendo lembrado com carinho pelo público mesmo duas décadas após o lançamento.
Apesar de não ter sido um fenômeno gigantesco de bilheteria, ‘Em Seu Lugar’ fez números respeitáveis. O filme arrecadou cerca de US$ 83 milhões mundialmente, incluindo US$ 32,9 milhões apenas nos Estados Unidos.
Mas talvez o maior legado do filme seja outro: provar que histórias femininas podem ser emocionantes, engraçadas e profundas ao mesmo tempo. Em uma Hollywood que muitas vezes reduzia protagonistas mulheres a estereótipos românticos, ‘Em Seu Lugar’ entregou personagens reais, falhas e extremamente humanas.
E é justamente por isso que o longa continua funcionando tão bem até hoje. Porque, no fim das contas, todo mundo já tentou — nem que por um instante — se colocar no lugar do outro.
Enroscando a fantasia aos modos de sobrevivência na natureza selvagem, chegou à Netflix, Como Mágica, uma aventura com técnicas de animação que encontra reflexões tanto para a garotada quanto para os adultos. Com personagens carismáticos e diversas lições permeando as entrelinhas das ações que se seguem, o projeto dirigido por Nathan Greno usa das cores exuberantes e analogias com animais conhecidos para criar um deleite de conhecimento sobre o meio ambiente.
Ollie foi criado desde criança ouvindo sobre os perigos do mundo lá fora. Ele faz parte de um povo ligado a criaturas da floresta conhecidas como Pookoos, que vive em total atenção por conta de uma lenda de um perigoso lobo de fogo que pode retornar à região. Um dia, em uma caminhada movida pela curiosidade, seu destino se cruza com Ivy, uma ave que integra um grupo que sobrevive do mesmo fruto consumido que o povo de Ollie. Esse encontro gera um grande problema para Ollie e seus familiares. O tempo passa, e Ollie se reencontra com Ivy. De forma mágica, acabam trocando de corpos e embarcando em uma aventura pela natureza que os cercam.
Para um filme voltado em sua essência ao público infantil, este longa-metragem se mostra bem mais profundo. Os riscos da extinção, os valores da amizade e do confiar se juntam a uma composição visual chamativa, que reúne seres místicos como pomares ambulantes, lobos de fogo, cobras-raiz, boogles. Em alguns momentos, é preciso um olhar maduro para entender os paralelos e absorver as diversas lições que a obra oferece. Uma conversa entre pais e filhos sobre a obra é fundamental para todas as ideias que o filme sugere sejam compreendidas.
A narrativa, bem construída, aposta em um elo de amizade improvável e na relação mútua que a natureza oferece – mostrando que precisamos um do outro, mesmo sendo diferentes. Tudo isso flui de forma natural, com um ritmo muitas vezes acelerado, com foco em uma aventura empolgante que apresenta uma curiosa reviravolta capaz de deixar o público bastante surpreso. Esse ar de coletividade e a necessidade das ações em conjunto para se mudar uma situação são uma das ótimas reflexões que essa animação deixa a disposição do público.
Como Mágica é aquele programão entre pais e filhos que continua quando o filme acaba. Se você está em busca de um momento assim – comendo pipoca e preparando o sofá para um dia divertido em casa -, esta obra precisa estar na sua lista.
“Polícia para quem precisa, polícia para quem precisa de polícia…”, já dizia a música dos Titãs. Em tempos delicados em que se discute uma reformulação do papel da polícia em investidas com excesso de violência, seja no Brasil, nos EUA ou no mundo, o cineasta dinamarquês Nicolas Winding Refn (Drive, Apenas Deus Perdoa e Demônio de Neon) irá trazer Maniac Cop dos anos 80 para uma versão moderna como seu próximo filme.
O abuso de autoridade de forças armadas reportado pelo mundo através de uma realidade onde tudo é filmado em tempo integral, registraram recentemente cenas verdadeiramente revoltantes. Balas de borracha sendo usadas arbitrariamente em manifestantes em protestos, atingindo o cidadão transeunte por efeito colateral; combates ao crime organizado em comunidades que terminam por tirar a vida de forma aleatória, de jovens com futuros promissores. O epicentro, é claro, foi a comoção mundial pelo assassinato por asfixia de George Floyd, um homem negro nos EUA que teve o joelho de um policial colocado em seu pescoço até a morte, mesmo quando pedia desesperadamente por ar já rendido.
Nicolas Winding Refn não costuma utilizar muito subtexto político em seus filmes. Suas obras geralmente envolvem o poético lado sombrio do ser humano, embalados em uma atmosfera de surrealismo. Mas sem esquecer sua parcela de controvérsia, em especial no que diz respeito à violência. O que pode casar perfeitamente com o material que pretende levar às telonas muito em breve. Ou seja, neste caso um policial ensandecido, usando seu distintivo, uniforme e arma como símbolo não de “servir e proteger”, mas sim de morte e terror.
Voltando ao passado, 33 anos para ser mais preciso, Maniac Cop: O Exterminador era lançado nos cinemas. Contextualizando, essa foi a década de 80, a era dos filmes slasher. Seu auge ocorria logo no início do período, em 1981, e à altura do lançamento de Maniac Cop em 1988, o subgênero já havia perdido quase todo o seu gás. O sucesso deste tipo de filme muitas vezes dependia de quem era o seu vilão. Tão importante quanto bolar um roteiro criativo e inovador, uma parte técnica com mortes sanguinolentas e marcantes, era desenvolver um antagonista que emplacasse no gosto do público, o fazendo retornar para novas investidas constantemente. Michael Myers, Jason Voorhees, Freddy Krueger e o boneco Chucky foram alguns dos mais bem sucedidos, mas tantos outros como um médico cirurgião (Hospital Massacre), um mineiro de carvão (Dia dos Namorados Macabro) e um assistente em parque de diversões (Pague para Entrar, Reze para Sair), por exemplo, terminaram longe do resultado esperado.
Assim, tentando injetar alguma novidade no subgênero e descolar para si uma nova franquia, mesmo no fim da década, o roteirista e produtor Larry Cohen (A Coisa, 1985) e o diretor William Lustig resolveram que um policial uniformizado seria o novo psicopata em seu filme de terror. Surgia o Maniac Cop, ou o Policial Maníaco. Lustig já havia chamado atenção no universo underground do horror com o violento O Maníaco(1980), sobre um assassino atacando em Nova York principalmente mulheres. A polêmica em torno de tal filme era sobre o grafismo de suas cenas de mortes, que chocou as plateias. Cohen planejava outra investida neste submundo de alguma forma, e a evolução da ideia foi o “maníaco policial”.
O senso de falsa proteção é um dos conceitos mais interessantes e ambíguos do filme. E a história abre justamente brincando com esta subversão de valores. Enquanto uma jovem é perseguida pelas ruas de Nova York à noite por dois homens que tentam roubá-la, ninguém em vista parece poder ajuda-la. Tendo em mente que esta era a Nova York dos anos 80 que vemos constantemente em filmes, antes da política de tolerância zero do prefeito Rudolph Giuliani que “limpou” a cidade. Predadores espreitam a caça, e quando a mulher finalmente avista um policial na praça, correndo para seu encontro, a salvação está muito próxima, fazendo os bandidos hesitarem à distância. Porém, é o próprio policial que mata a moça quebrando seu pescoço de forma intensa. Subvertendo a expectativa do público e nos deixando sem eira nem beira.
Muitos crimes do tipo começam a ocorrer na cidade e prontamente ganham os noticiários. Obviamente, enquanto investigam o caso e não conseguem prender o culpado, os policiais de verdade não estão nada contentes com a situação, que apenas denigre sua imagem. Liderando as buscas pelo maníaco está o detetive Frank McCrae, veterano da força que usa toda sua experiência para desvendar a situação, inclusive contatos na mídia. McCrae é vivido pelo lendário Tom Atkins, favorito dos fãs de filmes do tipo da década de 80, tendo protagonizado verdadeiras pérolas cult como Fog – A Bruma Assassina (1980), Halloween 3 – A Noite das Bruxas (1982) e Noite de Arrepios (1986).
Em paralelo temos a história de Jack Forrest, policial se comportando de forma suspeita, trazendo a desconfiança inclusive de sua própria esposa Ellen de que de fato ele seja o tal policial maníaco que vem agindo pela cidade. O início do longa propõe esta dúvida no espectador, de quem está por trás dos assassinatos, e Jack é apresentado como possível candidato. Porém, com o icônico Bruce Campbell (Evil Dead) interpretando o personagem, logo descobrimos que seu comportamento errático está relacionado a um caso extraconjugal com a colega de trabalho, a policial loira Theresa Mallory, papel da bela Laurene Landon. Os amantes irão unir forças para, ao lado de McCrae chegarem ao desfecho desta trama.
A verdadeira identidade do policial maníaco é Matt Cordell, agente da lei incorruptível que de forma certeira no melhor estilo ‘Dirty’ Harry Callahan fazia seu trabalho custasse o que fosse. Traído por seus superiores, Cordell termina preso de forma irônica justamente pelo uso excessivo da violência. Na mesma prisão de muitos dos criminosos que colocou lá, ele sofre uma emboscada e aparentemente é assassinado no local. Ressurgindo das cinzas, ele agora se vinga da cidade em si, do cidadão comum e todos que se colocam em seu caminho – como uma máquina de matar cuja motivação constantemente escorrega para o terreno do slasher, dando ênfase ao modus operandi de “monstros silenciosos” como Michael Myers e Jason, que simplesmente matam a troco de nada. Com Cordell existe um backstory, e um forte subtexto. Cordell ficou imortalizado nas formas do grandalhão Robert Z’Dar – o que torna difícil qualquer outra escalação para o papel na vindoura reimaginação.
Dura na queda. A bela Laurene Landon encara o ‘Maniac Cop’ como a policial Mallory.
Um dos momentos mais interessantes deManiac Cop, porém, e que pode vir a ser explorado de forma mais bem trabalhada e minuciosa por um cineasta do nível de Refn, diz respeito à reação dos moradores da cidade sobre ter um policial cometendo assassinatos a esmo na metrópole aonde vivem. Em determinada cena, uma mulher é parada por um guarda em seu carro em plena luz do dia, numa rua bem vazia. Pensando que irá se tornar mais uma vítima do “maniac cop”, uma vez que está sendo noticiado em tudo quanto é canto o número cada vez mais frequentes de ataques do psicopata, a tal mulher saca sua própria arma de fogo e dispara contra o oficial que a aborda na janela do veículo sem dar tempo para que ele invista contra ela, o matando. Neste caso não era o maniac cop, e sim um policial verdadeiro qualquer. O trecho ainda abre espaço para a discussão sobre o armamento da população, realizando uma crítica muito pertinente apenas com o desenrolar da situação.
Na cena seguinte, o Comissário de polícia, papel muito bem escalado de Richard Roundtree, o primeiro e eterno Shaft, diz em um diálogo que os homens da lei agora têm mais um motivo para temer por suas vidas, como se já não tivessem suficientes. A afirmação é a forma do roteiro olhar o outro lado desta moeda, onde bons profissionais acabam sempre pagando pelos ruins. Um forte paralelo com a vida real e o que ocorre inclusive atualmente em todos os casos citados no início deste texto.
O canastrão Bruce Campbell é o policial infiel Jack Forrest, outro que se verá alvo da fúria do ‘Maniac Cop’.
Maniac Cop foi lançado em 13 de maio de 1988 e, é claro, não escapou da polêmica. Ter um psicopata em um filme de terror, tratado como o monstro da vez (e novo Jason), que na realidade é um policial uniformizado, é um tópico simplesmente inflamatório demais. Mesmo que a abordagem dos realizadores para vender a obra tenha sido meramente de um aspecto de entretenimento, Maniac Cop possui sim suas entrelinhas e cenas questionadoras de como seria se algo assim realmente acontecesse. Tanto que alguns países, como a Turquia, a palavra Cop (Policial) do título foi trocada a fim que não manchasse a reputação da instituição local.
No auge da era das videolocadoras – ou para os mais novos, a Netflix do passado -, Maniac Cop mesmo sem ter se tornado sucesso de público nos cinemas, redescobriu sua audiência ao ser lançado em VHS para ser assistido em casa. Justamente esta aura cult rendeu ao longa duas sequências, lançadas em 1990 e 1992, mas isso é assunto para um próximo texto.
O tema de Maniac Cop é fervoroso por si só, e se mostra um prato cheio para um diretor que adora incomodar, como Nicolas Winding Refn. Isso, sem esquecer o valor de entretenimento, e claro uma estética primorosa.
Agora, dez anos após ser anunciada no Festival de Cannes, o diretor Nicolas Winding Refnanunciou que se trata do seu próximo longa-metragem, e que será produzido em uma colaboração entre MUBI e Goodfellas.
A trama acompanha um homem obcecado em provar que foi o verdadeiro criador do Bitcoin — teoria conspiratória que rapidamente coloca sua vida em risco e desencadeia uma guerra envolvendo magnatas da tecnologia, líderes mundiais e bilhões de dólares em jogo.
Os personagens inspirados em Bezos, Zuckerberg e outras figuras reais teriam sido inicialmente interpretados por atores durante as filmagens. Porém, as performances devem receber aprimoramentos com inteligência artificial para que os rostos fiquem ainda mais próximos das personalidades retratadas. O mais curioso? Os atores envolvidos já teriam autorizado contratualmente as alterações digitais feitas por IA.
Entre todos os “figurões” retratados, Zuckerberg aparentemente terá a maior participação em cena. Já Eric Trump surgirá promovendo uma espécie de “Trump Coin”, em momentos descritos como totalmente caóticos e absurdos. O roteiro ainda faz uma rápida referência a Elon Musk.
Embora nenhuma dessas figuras seja protagonista, o longa já estaria cercado de cuidados jurídicos. A produção teria consultado uma equipe extensa de advogados e estaria tratando o projeto como uma grande sátira política e tecnológica, nos moldes de Saturday Night Live e South Park.
Além da temática explosiva, ‘Bitcoin‘ também virou assunto em Hollywood pelo uso pesado de inteligência artificial nos bastidores. Doug Liman optou por utilizar um “estúdio de captura performática sem marcadores” em vez de filmagens tradicionais em locações reais — técnica que permitiu concluir as gravações em apenas 20 dias.
De acordo com o diretor, a tecnologia reduziu drasticamente os custos da produção: o orçamento ficou na casa dos US$ 70 milhões, enquanto um filme semelhante, feito pelos métodos convencionais, poderia ultrapassar facilmente os US$ 200 milhões ou até US$ 300 milhões.
O sindicato SAG-AFTRA, que iniciou novas negociações contratuais em fevereiro, luta para definir os limites entre o trabalho humano e as “performances sintéticas”. A busca é por garantias legais que protejam o nome, a imagem e a semelhança dos atores em uma era de reaproveitamento digital.
A trama segue um grupo de profissionais do sexo que alugam uma mansão isolada para gravar conteúdo para o OnlyFans… até que um acidente trágico liberta Blowie: uma assassina com rosto de boneca e sede de vingança.
O elenco conta com Bishop Black, Kali Sudhra, Kayden Gray, Leander, Clark Lewis e Gabriel Cross.
Ed Aldridge, altSHIFT e Sam Lidbetter são responsáveis pela direção.
