De acordo com o Deadline, Francesca Scorsese (‘We Are Who We Are’) foi confirmada no elenco da 2ª temporada da série ‘Sr. e Sra. Smith‘.
A atriz, filha do aclamado cineasta Martin Scorsese, interpretará a Sra. Smith.
O site afirma que a segunda temporada contará com múltiplos casais mais jovens, incluindo Mark Eydelshteyn (‘Anora’) e Talia Ryder (‘A Doce Costa Leste’), previamente anunciados.
Além disso, Glover será responsável pela direção de diversos episódios do próximo ciclo.
O artista ainda é creditado como cocriador e produtor executivo da série ao lado de Francesca Sloane, que retornará como showrunner.
“Estamos empolgados em anunciar que uma segunda temporada de nossa inovadora série de espionagem, ‘Sr. e Sra. Smith’, está em produção para nossos clientes globais do Prime Video”, disse Jennifer Salke, chefe dos Estúdios MGM da Amazon.
“O sucesso da primeira temporada, com sua reinvenção incrivelmente moderna e sexy do filme original, é um testemunho dos brilhantes criadores Donald Glover e Francesca Sloane. Estamos orgulhosos em trazer para vocês outra temporada cheia de jornadas inesquecíveis e novas aventuras”.
“Dois estranhos solitários conseguem empregos em uma misteriosa agência de espionagem que oferece a eles uma vida gloriosa de espionagem, riqueza, viagens pelo mundo e uma bela casa em Manhattan. A pegadinha? Novas identidades em um casamento arranjado como Sr. e Sra. John e Jane Smith. Agora casados, John e Jane enfrentam uma missão de alto risco toda semana, ao mesmo tempo em que enfrentam um novo marco no relacionamento. Sua complexa história de cobertura se torna ainda mais complicada quando eles desenvolvem sentimentos reais um pelo outro. O que é mais arriscado: espionagem ou casamento?”.
O ator Rami Malek, vencedor do Oscar de Melhor Ator por sua memorável interpretação em ‘Bohemian Rhapsody’, comentou recentemente sobre a experiência de fazer história em Hollywood. O astro celebrou o significado cultural de ter se tornado o primeiro ator de origem egípcia a conquistar a estatueta de ouro na categoria principal da premiação.
De acordo com a Variety, Malek destacou a importância de sua vitória na pele de Freddie Mercury, enxergando o prêmio como um marco representativo que vai muito além da indústria cinematográfica:
“É uma das maiores conquistas justamente pela esperança que isso representa para tantas pessoas ao redor do mundo, especialmente de onde minha família veio, no Egito. Acho que muita gente consegue se identificar com o que significa ser imigrante… isso carrega um peso. Poder me conectar a essa conquista e talvez inspirar alguém me dá um orgulho ainda maior do que o próprio trabalho”, declarou o ator.
Lançado em 2018, ‘Bohemian Rhapsody’ consolidou-se como um dos maiores fenômenos biográficos da história do cinema. Dirigido por Bryan Singer, o longa-metragem não apenas conquistou o coração dos fãs do Queen, mas também quebrou recordes de bilheteria ao arrecadar mais de US$ 910 milhões globalmente, tornando-se a cinebiografia musical de maior arrecadação de todos os tempos.
“Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor e John Deacon formam a banda de rock Queen em 1970. Quando o estilo de vida agitado de Mercury começa a sair de controle, o grupo precisa encontrar uma forma de lidar com o sucesso e os excessos de seu líder”, diz a sinopse oficial da produção.
De acordo com o Bloody Disgusting, Devon Sawa (‘Premonição’) será o protagonista da 2ª temporada da série de terror antológica ‘Hell Motel‘.
O ator interpretará Patrick, um homem viciado em teorias da conspiração que chega ao resort para investigar mistérios históricos ligados ao local.
O próximo ciclo será intitulado ‘Hell Motel: Murder at Red Mountain‘.
Na trama…
“Ambientada em um resort de montanha conhecido por eliminar as inibições das pessoas e amplificar seus desejos, a nova temporada continua a revelar as consequências arrepiantes de ceder aos nossos impulsos mais sombrios em meio à paisagem singular de Cold River. À medida que hóspedes e funcionários desaparecem sem explicação e os incidentes violentos aumentam, fica claro que Red Mountain tem uma longa e terrível história e que ninguém está a salvo.”
Você é louco (a) por séries? Gosta de maratonar uma produção atrás da outra e correr para as redes sociais para comentar o que achou? Então, pessoal, aqui é o lugar certo para você descobrir mais algumas obras para sua próxima diversão. Abaixo, confira uma poderosa lista que vem fazendo sucesso pelos streamings:
Cochinas (Prime Video)
Quando o mundo de Nines desaba, após um acidente quase fatal envolvendo seu marido, ela precisa fazer com que o empreendimento da família, uma videolocadora, dê certo. Para isso, resolve apostar em filmes adultos para conquistar a clientela.
Na trama, ambientada em partes na década de 1970, acompanhamos uma série de personagens, suas origens, seus pontos de vistas, quando a maioria deles se reúne no presídio de Ilha Grande, em Angra dos reis – que é um verdadeiro inferno. Entre presos e guardas, vamos conhecendo histórias fortes e dramas cortantes.
Um ex-padre, que se tornou agente do FBI, precisa liderar uma força tarefa designada para investigar uma série de roubos e acontecimentos violentos. Por diversas perspectivas, vamos acompanhando essa história rumo a um final de temporada de tirar o fôlego.
As reviravoltas de um crime. O seriado sul-coreano My Name, disponível na líder dos streamings, caminha entre a ação e o drama para mostrar a saga de uma jovem que praticamente abdica de sua vida para encontrar o verdadeiro assassino do pai.
Salvador (Luis Tosar) é um motorista de ambulância tentando recomeçar a vida após o passado cheio de erros. Ex-alcoolatra, ex-apostador, ex-médico, ele é pai de Milena (Candela Arestegui), uma jovem que se junta a um grupo neonazista chamado White Souls, formado por membros inseridos na sociedade. Quando uma tragédia acontece, Salvador vai atrás de verdades dolorosas que colidem com o caos social provocado por ideologias extremistas.
Um pioneirismo na internet, no início dos anos 2000, no boom dos namoros Online, um site para casos extraconjugais é lançado, gerando enormes polêmicas. A pessoa se cadastrava e era prometido sigilo e descrição. Certo dia, um ataque hacker aos servidores do site leva até o maior caso de divulgação de dados da história, modificando vidas para sempre.
Nessa nova série do criador de Breaking Bad, acompanhamos uma escritora de relevante sucesso que, durante uma noite, começa a perceber algo estranho acontecendo pelo mundo e precisa se adaptar a esse novo cenário.
Ambientada 100 anos antes de tudo que acontece em Game of Thrones, este novo seriado da HBO MAX apresenta a história de Duncan, o Alto, um cavaleiro que, acaba conhecendo por acaso um futuro grande amigo — e também seu escudeiro: Egg.
O Naufrágio do Heweliusz (Netflix)
O Naufrágio do Heweliusz chega para jogar luz sobre uma tragédia, mostrando de forma detalhada o antes, o durante e o depois, reunindo fatos que se juntam para uma explicação complexa sobre o que realmente aconteceu em uma madrugada que ficaria marcada na história.
Um dos grandes seriados da Prime Video – que poucos falam -, Goliathé um dos mais impactantes projetos quando pensamos em dramas jurídicos. Na série, acompanhamos Billy Mc Bride, um ex-advogado de prestígio, que busca retomar os dias de glória.
A estrela nacional Fernanda Torres, que recentemente impactou o cinema mundial com sua atuação em ‘Ainda Estou Aqui’, foi confirmada no elenco principal do drama distópico ‘Cuddle’ (Abraçar). A atriz brasileira dividirá o protagonismo com o astro indicado ao Oscar Willem Dafoe, um dos nomes mais icônicos do cinema contemporâneo.
De acordo com a Variety, o longa-metragem terá a direção da cineasta brasileira Bárbara Paz.
A narrativa se passa em uma metrópole de um futuro próximo, onde o afeto e a intimidade deixaram de ser espontâneos e se transformaram em serviços regulamentados e comercializados. A trama acompanhará Dante (Willem Dafoe), um “acolhedor profissional” pago para oferecer conforto emocional, calor humano e conexões temporárias a desconhecidos.
A rotina e o isolamento de Dante sofrem uma reviravolta completa quando ele cruza o caminho de Ava (Fernanda Torres), uma mulher imigrante cuja empatia e força silenciosa despertam no protagonista sentimentos há muito tempo adormecidos. Essa conexão improvável e genuína entre os dois assume o papel de uma salvação emocional mútua, ilustrando como pequenos gestos de afeto resistem ao pragmatismo tecnológico e transformam vidas.
Descrito como um drama focado profundamente no desenvolvimento e na psicologia de seus personagens, ‘Cuddle’ será produzido pela Conspiração Filmes, produtora brasileira de destaque responsável pelo sucesso de ‘Ainda Estou Aqui’. O projeto robusto também contará com uma forte rede de colaboração na coprodução, envolvendo a BP Produções, VideoFilmes, Infinity Hill e a TV Globo.
Em comunicado oficial, a produtora Renata Brandão celebrou a força do time reunido para o projeto: “Participar ao lado de Bárbara Paz, Willem Dafoe e Fernanda Torres de um filme sobre a necessidade da conexão humana no mundo atual é uma enorme honra para nós. Acreditamos que ‘Cuddle’ irá ressoar profundamente com públicos do mundo inteiro”.
Após conquistar destaque no circuito internacional com sua elogiada passagem pelo Festival de Berlim, o curta-metragem brasileiro ‘Infantaria’ ganhará uma nova versão, desta vez em formato de longa-metragem. Segundo informações divulgadas pela Variety, a diretora brasileira Laís Santos Araújo já está desenvolvendo o projeto, que vem sendo acompanhado de perto pelo mercado internacional. A produção executiva é liderada por Pedro Krull, através do selo Aguda Cinema.
Ambientado em Alagoas, no Nordeste brasileiro, o longa-metragem propõe uma expansão profunda do microssistema apresentado na obra original. A nova trama acompanhará de perto a jornada de Ludmilla, uma costureira que administra, de maneira extremamente discreta, um serviço clandestino de aborto no interior de sua própria residência, alugando um de seus quartos para mulheres que buscam o procedimento, que permanece ilegal no país.
Enquanto o curta-metragem concentrava suas lentes na perspectiva da jovem Joana, o longa deslocará o eixo dramático para mergulhar nos conflitos internos de Ludmilla e Eduardo, personagens descritos pela diretora como “solitários e confusos”.
Em entrevista,Laís Santos Araújo revelou que a transição de formato não nasceu de uma jogada comercial, mas sim de uma necessidade puramente criativa que clamava por mais tempo de tela:
“Não foi algo planejado. Nunca fizemos o curta pensando em um longa ou como prova de conceito. Mas continuei pensando nos personagens e naquele universo familiar. Sentia que havia muito mais histórias acontecendo naquela casa”, afirmou.
Inserido em um Brasil onde a interrupção voluntária da gravidez é crime, ‘Infantaria’ pretende explorar as severas consequências emocionais e sociais desse isolamento institucional. Contudo, a cineasta faz questão de ressaltar que a produção fugirá de panfletarismos ou discursos puramente explícitos, concentrando sua força na crueza das relações humanas:
“O filme será centrado nos sentimentos dessas três pessoas e em como vivem cercadas por tudo isso. Em vez de lutar diretamente contra o sistema, a família apenas tenta sobreviver às consequências desse mundo”, destacou.
A diretora também adiantou que o público pode esperar uma evolução formal em sua direção. O longa-metragem se distanciará da contemplação estática de seus trabalhos anteriores, abraçando uma câmera mais urgente: “Quero que o filme pareça vivo, com mais movimento e um ritmo mais acelerado do que o curta”.
Nesse cenário, as paisagens naturais e urbanas do estado de Alagoas atuarão como um personagem à parte na narrativa, gerando um contraste poético entre a exuberância geográfica e a melancolia dos personagens: “Mesmo nos momentos mais tristes, Alagoas continua ensolarada e vibrante. É assim que enxergo esse filme”.
O projeto chega ao mercado com uma bagagem robusta de reconhecimento internacional antes mesmo do primeiro estalo de claquete. Recentemente, a produção garantiu uma importante bolsa do CNC (Centro Nacional do Cinema e da Imagem Animada da França) e garantiu assento em laboratórios de prestígio como La Fabrique Cinéma, BrLab, CineMundi e o MAFF (Málaga Festival Fund & Co-production Event).
Para o produtor Pedro Krull, o nascimento deste longa reforça o papel de vanguarda que a região assumiu no cenário artístico contemporâneo: “É no Nordeste do Brasil que estão nascendo algumas das ideias mais interessantes e inovadoras do cinema atual”.
Com um orçamento global estimado em € 880 mil (aproximadamente R$ 5,5 milhões na cotação atual), a produção já conseguiu captar cerca de € 590 mil de suas necessidades financeiras. A meta da equipe da Aguda Cinema durante o Mercado do Filme em Cannes é fechar novos acordos de coprodução internacional com fundos europeus para garantir os valores restantes e traçar uma estratégia sólida de distribuição global para a obra.
O aguardado longa-metragem da Hello Kittyacaba de receber uma grande atualização de bastidores com a confirmação de uma nova e prestigiada dupla de diretores. O projeto faz parte da estratégia de expansão da Sanrio, que vem ampliando agressivamente o universo de sua principal mascote nos últimos anos.
Anunciado originalmente em 2015, o filme começou a ganhar tração nos bastidores como uma grande produção em língua inglesa voltada ao mercado internacional. Após passar por diferentes fases de desenvolvimento e reformulações criativas, o portal ComicBook confirmou que a Warner Bros. Pictures e a New Line Cinema fecharam com os diretores David Derrick Jr.(‘Moana 2’) e John Aoshima (‘Ultraman: A Ascensão’) para comandarem a produção.
A chegada da nova dupla marca uma substituição na cadeira de direção, que no ano passado havia sido confiada ao cineasta Leo Matsuda. Com as mudanças, o cronograma e a equipe técnica do filme foram desenhados da seguinte forma Ramsey Naito (‘O Poderoso Chefinho’) assume a produção ao lado de Beau Flynn.
O texto original foi assinado por Dana Fox (‘Wicked’ e ‘Cruella’), e a nova versão agora conta com a colaboração de Jeff Chan.
Criada por Yuko Shimizu na década de 1970, a ‘Hello Kitty’ é oficialmente apresentada pela Sanrio como uma jovem garota britânica chamada Kitty, tendo se transformado em um fenômeno bilionário de merchandising ao longo das últimas décadas.
O novo longa marcará a estreia definitiva da personagem nos cinemas de circuito global. No entanto, a Warner Bros. ainda mantém um mistério crucial sob sigilo: ainda não foi confirmado se a produção será totalmente animada, híbrida ou em live-action.
Em relação à trama, os detalhes da história ainda não foram revelados. Os estúdios limitaram-se a revelar que o filme acompanhará Hello Kitty e seus amigos mais próximos embarcando em uma grande e inédita aventura cinematográfica, projetada para encantar públicos de todas as idades.
Este ano, o BET adicionou duas novas categorias: o Prêmio Vanguarda de Moda e o Prêmio Pulse. O Prêmio Vanguarda de Moda “reconhece uma figura global cuja presença na moda teve um impacto cultural duradouro, influenciou significativamente as narrativas de estilo e continua a elevar a moda como uma forma de contar histórias na música, no cinema, nos esportes e na vida pública”, disse o BET como parte do anúncio dos indicados.
O Prêmio Pulse, por sua vez, é concedido a “um criador, campanha ou série de conteúdo que mais impactou a cultura negra nos espaços digitais, estimulando conversas, construindo comunidades e definindo o momento online”.
A cerimônia do BET Awards 2026 será transmitida ao vivo no domingo, 28 de junho, às 21h (horário de Brasília).
Confira a lista completa de indicados abaixo:
PRÊMIO VANGUARDA DE MODA
A$AP Rocky
Bad Bunny
Beyoncé Cardi B
Colman Domingo Doechii
Rihanna Teyana Taylor
Zendaya
PRÊMIO PULSE
85 South Show
Baby, This Is Keke Palmer
Charlamagne Tha God
Don Lemon
Druski
It Is What It Is
Joe and Jada
On the Radar
R&B Money Podcast
MELHOR ARTISTA FEMININA DE POP/R&B
Ari Lennox
Coco Jones
Ella Mai Jill Scott Kehlani
Mariah the Scientist Olivia Dean SZA
Tems
MELHOR ARTISTA MASCULINO DE POP/R&B
Brent Faiyaz Bruno Mars
Bryson Tiller
Chris Brown
Durand Bernarr
GIVĒON
Leon Thomas
October London
Usher
MELHOR GRUPO
41 Clipse
De La Soul
FLO
French Montana & Max B Metro Boomin & DJ Spinz
Nas & DJ Premier
Terrace Martin & Kenyon Dixon
Wizkid & Asake
MELHOR COLABORAÇÃO
“Chains & Whips” — Clipse & Kendrick Lamar
“Errtime Remix” — Cardi B feat. Jeezy & Latto
“Go Girl” — Summer Walker feat. Latto & Doja Cat
“Good Flirts” — Baby Keem feat. Kendrick Lamar & Momo Boyd
“Is It a Crime” — Mariah the Scientist & Kali Uchis
“It Depends (The Remix)” — Chris Brown feat. Bryson Tiller & Usher
“Take Me Thru Dere” — Metro Boomin feat. Quavo, Breskii, YK Niece & DJ Spinz
“wgft” — Gunna feat. Burna Boy
MELHOR ARTISTA MASCULINO DE HIP-HOP
A$AP Rocky
Baby Keem
BigXthaPlug
DaBaby
Don Toliver
Drake
J. Cole Kendrick Lamar
T.I.
MELHOR ARTISTA FEMININA DE HIP-HOP Cardi B
Coi Leray Doechii Doja Cat
GloRilla Latto
Megan Thee Stallion
Monaleo
YK Niece
VIDEOCLIPE DO ANO
“100” — Ella Mai
“Anxiety” — Doechii
“Burning Blue” — Mariah the Scientist
“Chanel” — Tyla
“Escape Room (Short Film)” — Teyana Taylor
“Folded” — Kehlani
“LET ‘EM KNOW” — T.I.
“luther” — Kendrick Lamar & SZA
DIREÇÃO DE VIDEOCLIPE DO ANO
A$AP Rocky & Dan Streit
Anderson .Paak
Benny Boom
Cactus Jack Cardi B & Patientce Foster
Cole Bennett
Director X
Hype Williams
Teyana “Spike-Tey” Taylor
ARTISTA REVELAÇÃO
Belly Gang Kushington
DESTIN CONRAD
JayDon
kwn
Miles Minnick
Monaleo Olivia Dean
RAYE
Trap Dickey
ÁLBUM DO ANO
AM I THE DRAMA? — Cardi B
DON’T TAP THE GLASS — Tyler, the Creator
everything is a lot. — Wale
HEARTS SOLD SEPARATELY — Mariah the Scientist
Let God Sort Em Out — Clipse
MUTT Deluxe: HEEL — Leon Thomas
The Fall-Off — J. Cole
The Romantic — Bruno Mars
PRÊMIO DR. BOBBY JONES DE MELHOR GOSPEL/MOTIVACIONAL
“Able” — Kirk Franklin
“ABLE (REMIX)” — Darrel Walls, PJ Morton & Kim Burrell
“All to Thee” — BeBe Winans
“Already Good (Tasha Slide)” — Tasha Cobbs Leonard
“At the Cross” — CeCe Winans
“Church” — Tasha Cobbs Leonard & John Legend
“Do It Again” — Kirk Franklin
“Headphones” — Lecrae, Killer Mike & T.I.
MELHOR ATRIZ
Angela Bassett
Ayo Edebiri
Chase Infiniti
Coco Jones
Cynthia Erivo
Keke Palmer
Quinta Brunson
Regina Hall Teyana Taylor
MELHOR ATOR
Aaron Pierre
Aldis Hodge
Anthony Mackie
Colman Domingo
Damson Idris
Delroy Lindo
Denzel Washington
Michael B. Jordan
Sterling K. Brown
PRÊMIO JOVEM ESTRELA
Daria Johns
Graceyn “Gracie” Hollingsworth
Heiress Harris
Jazzy’s World TV
Lela Hoffmeister
North West
Thaddeus J. Mixson
VanVan
MELHOR FILME
Luta de Classes
GOAT
Number One on the Call Sheet
Uma Batalha Após a Outra
Metas de Relacionamento
Ruth & Boaz
Pecadores
Wicked: Para Sempre
ESPORTISTA FEMININA DO ANO
A’ja Wilson — Basquete
Angel Reese — Basquete
Claressa Shields — Boxe
Coco Gauff — Tênis
Flau’jae Johnson — Basquete
Gabby Thomas — Atletismo
Jordan Chiles — Ginástica
Naomi Osaka — Tênis
Sha’Carri Richardson — Atletismo
ESPORTISTA MASCULINO DO ANO
Aaron Judge — Beisebol
Anthony Edwards — Basquete
Caleb Williams — Futebol Americano
Jalen Brunson — Basquete
Jalen Hurts — Futebol Americano
LeBron James — Basquete
Shedeur Sanders — Futebol Americano
Stephen Curry — Basquete
PRÊMIO BET HER
“Already Good (Tasha Slide)” — Tasha Cobbs Leonard
“Be Great” — Jill Scott feat. Trombone Shorty
“Beautiful People” — Jill Scott
“First” — Tems
“girl, get up.” — Doechii feat. SZA
“Go Girl” — Summer Walker feat. Latto & Doja Cat
“Gorgeous” — Doja Cat
“Lady Lady” — Olivia Dean
ESCOLHE DO PÚBLICO
“Burning Blue” — Mariah the Scientist
“Chains & Whips” — Clipse feat. Kendrick Lamar
“Chanel” — Tyla
“Folded” — Kehlani
“I Just Might” — Bruno Mars
“It Depends” — Chris Brown feat. Bryson Tiller
“Man I Need” — Olivia Dean
“Outside” — Cardi B
“Raindance” — Dave & Tems
“Take Me Thru Dere” — Metro Boomin feat. Quavo, Breskii, YK Niece & DJ Spinz
Os irmãos Matt e Ross Duffer, criadores do fenômeno ‘Stranger Things’, comentaram abertamente sobre o desfecho da produção da Netflix, abordando uma das maiores e mais dolorosas dúvidas que assolam os fãs desde o encerramento da série: afinal, Eleven terminou viva ou morta?
De acordo com o ComicBook, as revelações aconteceram durante a participação dos showrunners no podcast “Happy Sad Confused”. Ao ser questionado diretamente pelo apresentador Josh Horowitz sobre o destino final da protagonista, Ross Duffer evitou dar uma resposta definitiva e preferiu traçar um paralelo com David Chase, que só comentou oficialmente sobre o polêmico destino de Tony Soprano duas décadas após o fim de sua série.
Interrogado se a comunidade de ‘Stranger Things’ teria que esperar o mesmo período por respostas, Ross brincou: “Se estivermos conversando daqui a 20 anos sobre Stranger Things… quero dizer, espero que sim. Espero que as pessoas ainda se importem. Isso seria incrível. E aí eu conto tudo, sim. Daqui a 20 anos”.
Lembrando que anteriormente, Os irmãos Duffer ainda explicaram que a ambiguidade e o tom agridoce do desfecho sempre foram planejados meticulosamente pela equipe de roteiristas.
“Jamais existiu uma versão da história em que Eleven terminasse ao lado do grupo no final. Para nós e para os roteiristas, não queríamos retirar os poderes dela. Eleven representa a magia em muitos sentidos, e também a magia da infância. Para que os personagens seguissem em frente e para que a história de Hawkins e do Mundo Invertido chegasse ao fim, Eleven precisava partir”, explicouRoss Duffer em entrevista concedida à própria Netflix após a conclusão da saga.
O cocriador complementou a visão lírica que a equipe buscou para a transição dos jovens protagonistas para a maturidade: “Achamos que seria bonito se os personagens continuassem acreditando naquele final feliz, mesmo sem darmos uma resposta clara se ele realmente aconteceu ou não. O fato de eles acreditarem nisso nos pareceu uma maneira muito melhor de encerrar a história e simbolizar o fim da jornada deles da infância para a vida adulta”.
Para os fãs que ainda nutrem esperanças de um reencontro ou de um episódio especial focado no paradeiro da heroína, Matt Duffer trouxe uma perspectiva realista que joga um balde de água fria nas teorias de uma continuação direta:
“A realidade é que, se Eleven estiver viva em algum lugar, o máximo que eles podem fazer é acreditar nisso, porque não existe forma de manter contato com ela. Tudo desmoronaria se isso acontecesse. Então, dentro dessa narrativa, essa era realmente a melhor maneira de mantê-la viva. E também é sobre Mike e os outros aprenderem a seguir em frente depois do que aconteceu”, afirmou.
Os novos episódios se passam no outono de 1987. Hawkins segue abalada pela abertura dos portais, e nossos heróis se unem pelo mesmo objetivo: encontrar e matar Vecna (Jamie Campbell Bower). Mas ele desapareceu e ninguém sabe seu paradeiro. Para complicar tudo, o governo colocou a cidade sob quarentena militar e intensificou a caça à Onze (Millie Bobby Brown), que precisou se esconder novamente. Conforme o aniversário do desaparecimento de Will (Noah Schnapp) se aproxima, uma ameaça familiar volta à tona. A batalha final se aproxima e, com ela, uma escuridão ainda mais poderosa e mortal. Para acabar com esse pesadelo, todo o grupo precisará se unir de novo pela última vez.
A aclamada animação de ficção científica ‘Rick and Morty’ se prepara para estrear em breve a sua aguardada nona temporada, prometendo dar continuidade às aventuras caóticas e interdimensionais da família Smith. Contudo, além dos novos episódios na televisão, o universo do Adult Swim pode estar prestes a dar o seu maior passo até aqui: o desenvolvimento de um longa-metragem para os cinemas.
De acordo com informações do ComicBook, novos rumores que circulam intensamente nos bastidores de Hollywood indicam que o filme de ‘Rick and Morty’ finalmente começou a ganhar forma, após anos de discussões e falsas partidas. As fontes apontam que o diretor da série, Jacob Hair, já estaria em negociações avançadas com a Warner Bros. para comandar a produção cinematográfica.
Embora o estúdio e os produtores executivos ainda não tenham confirmado oficialmente o projeto, a escolha de Hair é vista pelo mercado como um movimento natural. O cineasta foi o responsável por capitanear alguns dos episódios mais complexos, ambiciosos e elogiados pela crítica entre a quarta e a oitava temporada.
LEMBRANDO QUE ATÉ O MOMENTO AS INFORMAÇÕES SÃO RUMORES.
A transição da animação para as telonas é um desejo antigo do cocriador da série, Dan Harmon. Em declarações anteriores, o roteirista já havia traçado como imaginava a estrutura ideal para uma adaptação cinematográfica, defendendo que o formato não deveria descaracterizar a essência ágil do show ou forçar reviravoltas desnecessárias na cronologia oficial.
“Minha filosofia seria simplesmente pegar uma aventura de Rick and Morty, gastar muito mais dinheiro nela e transformá-la em algo de 90 minutos. Não tentar justificar o formato cinematográfico com grandes mudanças dramáticas no cânone, mas sim fazer um episódio absurdamente épico de Rick and Morty”, explicou Harmon em entrevista ao The Hollywood Reporter em 2023.
Ainda nos bastidores do desenvolvimento, Harmon revelou, em tom bem-humorado, que o renomado diretor Zack Snyder (Liga da Justiça, Rebel Moon) se declarou um fã fervoroso da animação e manifestou interesse em colaborar de alguma forma para fazer o projeto sair do papel. O criador brincou com o estilo característico de Snyder em suas produções:
“Ele era totalmente fã da série e perguntou: ‘Existe alguma forma de eu ajudar a colocar esse filme em andamento usando meu lado Snyder?’ Então o filme de Rick and Morty vai acontecer assim que Zack Snyder voltar das férias, porque eu quero começar já com uma versão Snyder Cut do filme, e depois lançar a version do diretor da Snyder Cut, para termos um filme de Rick and Morty com seis horas de duração, e metade dele em preto e branco”, acrescentou.
Enquanto o sinal verde oficial para a produção nos cinemas não é divulgado, a série já foi renovada para até sua 12 temporada.
“Acompanhe malucas viagens no tempo-espaço e por universos paralelos com Rick, um cientista com problemas com a bebida, e seu neto Morty, um adolescente não tão brilhante quanto o avô”, diz a sinopse.
A Amazon e a The Picture Company garantiram os direitos do cobiçado projeto em agosto, após uma intensa disputa com outros estúdios. O desenvolvimento foi acelerado assim que Theron manifestou interesse.
Os detalhes exatos da história de ‘Tyrant’ são mantidos em sigilo. No entanto, o filme é descrito como uma fusão de ‘Wall Street’ e ‘Whiplash’, ambientado no universo competitivo da alta gastronomia de Nova York.
O aguardado live-action de ‘Mestres do Universo’ está cada vez mais próximo de chegar às telonas para apresentar uma nova e épica versão do herói He-Man. Em meio às expectativas dos fãs, o diretorTravis Knightdeu uma resposta intrigante ao ser questionado sobre a possibilidade de She-Ra, a icônica irmã gêmea do protagonista, fazer sua estreia nesta nova fase cinematográfica.
De acordo com o ComicBookMovie, o cineasta preferiu adotar uma postura cautelosa, mas não escondeu a importância da heroína para a mitologia da franquia:
“Posso falar muito pouco sobre She-Ra. Para mim, She-Ra sempre foi uma parte muito importante do universo de Mestres do Universo e também uma parte essencial da história de Adam. Com o tempo, se tivermos sorte o bastante para contar mais histórias nesse universo, She-Ra terá um papel enorme”, afirmou.
Os comentários do diretor indicam que a Princesa Adora está firmemente nos planos para o futuro da saga. Além disso, a imprensa especializada especula que a personagem pode ser ao menos mencionada neste primeiro longa, ou que sua presença estivesse originalmente desenhada nos rascunhos iniciais antes de o roteiro passar por revisões.
“Se ela participa ou não deste filme, eu não posso dizer, mas tivemos muitas, muitas conversas sobre a personagem. Existiam cenas gigantescas no filme que já não estão mais lá. Tenho muito orgulho do longa, mas definitivamente há coisas que eu amava e que tivemos que cortar. Espero que elas possam ver a luz do dia algum dia”, acrescentou Knight.
She-Ra fez sua estreia oficial na franquia em 1985, antes de conquistar sua própria e bem-sucedida animação, ‘: A Princesa do Poder’.
Vale destacar que, de forma independente ao filme dos cinemas, uma série live-action focada exclusivamente na guerreira está em desenvolvimento pelo Prime Video. O projeto do streaming contará com roteiro de Heidi Schreck, enquanto Nicole Kassell assumirá a direção do episódio piloto.
O novo filme de ‘Mestres do Universo’ tem estreia oficial agendada para o dia 4 de junho.
Na trama, após 15 anos separados, Príncipe Adam (Nicholas Galitzine) é guiado pela Espada do Poder até o seu lar em Eternia, que está sob o domínio do cruel Esqueleto (Jared Leto). Para salvar a todos, ele vai ter que aceitar o seu destino como He-Man, o homem mais poderoso do mundo, e contar com a ajuda de seus aliados, Teela (Camila Mendes) e Duncan / Mentor (Man-At-Arms, Idris Elba).
‘O Mandaloriano e Grogu’, novo longa da aclamada franquia ‘Star Wars’, chega em breve aos cinemas de todo o mundo – mas está dividindo a crítica internacional.
No Rotten Tomatoes, a produção abriu com 60% de aprovação dos especialistas, com base em 97 reviews publicadas até o momento. A porcentagem é a terceira menor para um filme live-action da saga sci-fi, à frente apenas de ‘A Ameaça Fantasma’ (54%) e ‘A Ascensão Skywalker’ (51%).
“‘O Mandaloriano e Grogu’ é, basicamente, quatro episódios de ‘The Mandalorian’ com um sobretudo IMAX” – Slant Magazine.
“Um dos pontos fortes do filme, apesar das deficiências na história, é que, em meio às suas muitas cenas sem diálogos, ele é essencialmente um filme de monstros empolgante e deliciosamente repugnante, no estilo de uma mistura turbinada de Ray Harryhausen com Guillermo del Toro” – Los Angeles Times.
“Não pega bem quando marionetes criadas por computação gráfica superam todos os outros atores, interpretando suas falas como se chegassem ao set de filmagem de ressaca todos os dias” – Time Out.
“Com sua história previsível e sequências de ação sem brilho, ‘O Mandaloriano e Grogu’ parece um filme feito às pressas, que teria funcionado melhor como uma nova temporada de ‘The Mandalorian’ do que como um projeto independente” – The Verge.
“Este filme, apesar de contar com todas as emoções clássicas e modernas de ‘Star Wars’, praticamente não acrescenta nada à franquia como um todo” – Gone with the Twins.
“O roteiro também é bem confuso… E a trama é, de fato, um pouco episódica; mas, se você conseguir deixar de lado suas próprias expectativas em relação a ‘Star Wars’, ela se desenrola de forma bastante divertida” – The Scotsman.
“Este é um dos filmes mais preguiçosos dos últimos anos” – Reel Talk.
‘O Mandaloriano e Grogu’ será lançado nos cinemas nacionais no dia 21 de maio.
Ele também assina o roteiro ao lado de Dave Filoni (‘Ahsoka’).
Além de Pedro Pascal (‘The Last of Us’), o elenco ainda conta com Sigourney Weaver (‘Aliens, o Resgate’) como Ward, líder dos Adelphi Rangers da Nova República; Jeremy Allen White (‘O Urso’) como Rotta the Hutt, filho do Jabba the Hutt; e Jonny Coyne (‘O Vingador Tóxico’) como o Senhor da Guerra Imperial.
Segundo o Deadline, Jennifer Beals (‘The L Word’, ‘O Livrod e Boba Fett’) foi escalada em caráter recorrente ao elenco de ‘Bishop’, nova série de suspense dramático do Prime Video estrelada por Joel Kinnaman (‘O Esquadrão Suicida’).
Beals dará vida a Maggie Loftin, uma psicóloga que trabalha para o Departamento de Polícia de São Francisco.
Na trama, o detetive de homicídios Bishop Graves (Kinnaman) – brilhante e experiente – colocará todas as suas habilidades à prova na caçada a um assassino esquivo que tem como alvo a classe rica de São Francisco. À medida que esse assassino cada vez mais audacioso conquista seguidores entre os mais desfavorecidos da cidade, Bishop se convence de que esses assassinatos estão ligados ao homem mais poderoso de São Francisco, seu próprio pai, Lincoln Graves (John Malkovich).
— Rotten Tomatoes 🍅 (@RottenTomatoes) May 19, 2026
O filme recebeu uma alta classificação etária (R) nos EUA, e só poderá ser assistido por maiores de idade. O motivo? “Violência extrema, gore e linguagem”.
Na trama, jovem casal está viajando de carro quando testemunha um terrível acidente que deixa o motorista morto. A partir desse momento, eles começam a ser perseguidos por uma entidade demoníaca da qual é impossível escapar.
‘Passageiro do Mal’ será lançado nos cinemas nacionais no dia 21 de maio.
Conhecido pelos fãs do gênero, Øvredal já comandou ‘O Caçador de Troll‘, ‘A Autópsia‘, ‘Histórias Assustadoras para Contar no Escuro‘ e ‘Drácula – A Última Viagem do Demeter‘.
Gary Dauberman (‘A Hora do Vampiro’) servirá como produtor.
O longa é produzido pela 18hz Productions, companhia de Walter Hamada. Ele recentemente fechou um contrato com a Paramount Pictures , após ter deixado a Warner Bros, para a produção exclusiva de filmes de terror de médio orçamento.
A Netflix divulgou hoje (19) o trailer oficial de ‘Mensagens para Isabelle’ (‘Voicemails for Isabelle’), comédia romântica estrelada por Zoey Deutch (‘Nouvella Vague’) e Nick Robinson (‘Com Amor, Simon’).
A produção chega à plataforma de streaming no dia 19 de junho.
Confira:
O longa é escrito e dirigido por Leah McKendrick.
Na trama…
Jill deixa mensagens de voz para sua irmã falecida, contando-lhe sobre sua vida caótica em São Francisco. Sem saber, um misterioso corretor de imóveis de Austin começa a receber suas confissões.
O cineasta Cyrus Nowrastehcomentou recentemente sobre o projeto, descrevendo-o como “um tenso thriller político sobre poder, mídia e fé sob ataque”.
“Desde o início, quando Mario me procurou com a história de Dark Horse, o projeto foi concebido não apenas como um retrato biográfico, mas como um thriller político tenso sobre poder, mídia e fé sob ataque, com relevância cultural não apenas no Brasil, mas em todos os países”, afirmou Nowrasteh, conforme o Deadline.
O diretor acrescentou que a trama foca na resiliência do sistema político: “A história da improvável ascensão de Jair Bolsonaro e da tentativa contra sua vida em 2018 ofereceu uma estrutura para explorar até onde sistemas enraizados irão para se preservar, e como um político pode se tornar o recipiente das esperanças e medos de uma nação. Dark Horse convida o público a entrar nessa tensão, em vez de resolvê-la por eles”.
Jair Bolsonaro, que presidiu o Brasil entre 2019 e 2023, cumpre atualmente uma pena de 27 anos de prisão sob a acusação de liderar uma conspiração para impedir a posse de seu rival, Luiz Inácio Lula da Silva — acusações que são contestadas por seus aliados.
“Inspirado em fatos reais, Dark Horse acompanha Jair Bolsonaro, um controverso outsider que ascende de obscuro capitão do Exército a favorito populista à presidência em um Brasil profundamente polarizado, apenas para enfrentar uma tentativa mortal de assassinato que transforma sua luta contra um sistema corrupto em uma batalha por sobrevivência, verdade e pela alma de uma nação”, diz a sinopse.
O lançamento global de ‘Dark Horse’ nos cinemas está previsto para o dia 11 de setembro de 2026.
O universo de ‘Grey’s Anatomy’ continuará se expandindo na televisão. A emissora ABC encomendou diretamente, sem passar pela fase de aprovação de piloto, um novo drama médico derivado da produção de maior sucesso do canal. Ainda sem título oficial definido, o projeto é cocriado, escrito e produzido pela mente por trás da série original, Shonda Rhimes, em parceria com a atual showrunner do drama médico, Meg Marinis.
De acordo com informações do portal Deadline, a produção, que tem estreia agendada para 2027, contará também com a estrela Ellen Pompeo na equipe de produção executiva, repetindo a parceria com a Shondaland e a 20th Television.
O anúncio marca o quarto capítulo televisivo da franquia, que já contou com os aclamados spin-offs ‘Private Practice’ e ‘Station 19’. No entanto, a nova série promete quebrar a tradição ao ser a primeira produção a deixar o cenário da Costa Oeste ou de grandes metrópoles, mudando-se para o coração do país, e também por não usar um personagem remanescente da série principal como protagonista.
A trama é descrita pelos bastidores como um drama intenso focado em uma equipe médica que opera em um centro de saúde rural no oeste do Texas, funcionando literalmente como a última esperança de atendimento para os pacientes antes de quilômetros de um completo vazio geográfico.
Em nota oficial, Meg Marinis celebrou a oportunidade de explorar novas dinâmicas narrativas dentro da franquia que comanda.
“Estou incrivelmente animada para expandir o universo de Grey’s Anatomy”, disse Marinis. “Esta oportunidade trará novos personagens e histórias à vida que incorporarão o mesmo coração, emoção e conexão que o público ama da Grey’s há mais de duas décadas, tudo ambientado no meu estado natal, o Texas. Sou muito grata à Shonda Rhimes por criar esse mundo dinâmico e me sinto muito sortuda por poder fazer parte disso”.
O novo spin-off carrega um significado histórico para os fãs da franquia, pois marca o retorno oficial deShonda Rhimes à função de roteirista no universo de ‘Grey’s Anatomy’ pela primeira vez desde o devastador e icônico episódio “How to Save a Life”, da 11ª temporada, que culminou na morte de Derek Shepherd.
Nos bastidores técnicos, a ABC estuda se Meg Marinis assumirá o cargo de showrunner de ambas as séries simultaneamente, uma estratégia que já funcionou no passado quandoKrista Vernoff liderou ‘Grey’s Anatomy’ e ‘Station 19’ ao mesmo tempo.
A contagem exata de episódios da primeira temporada não foi revelada, mas analistas de mercado esperam que a produção siga o formato recente de lançamentos de midseason da ABC, abrindo sua história com uma temporada mais enxuta de nove episódios.
A aguardada ficção científica ‘O Mandaloriano e Grogu’ (The Mandalorian & Grogu) estreia esta semana nos cinemas, trazendo o mais novo capítulo da icônica saga espacial de Din Djarin e seu fiel companheiro, popularmente conhecido pelo público como Baby Yoda. Em meio ao clima de estreia, o cineasta Jon Favreau revelou que já planejou a longo prazo o futuro do pequeno alienígena dentro do universo criado por George Lucas.
De acordo com declarações publicadas pelo portal SffGazette, o diretor confirmou que o futuro narrativo do personagem é vasto, especialmente devido à biologia de sua raça:
“Criativamente, tenho muitos planos e muitas ideias para esses personagens, especialmente para Grogu. Grogu é um personagem cuja espécie vive por séculos. Ele está em um caminho para ser tanto Jedi quanto Mandaloriano. Está tomando certas decisões e fazendo escolhas, além de agora ter um grande mestre. Conforme ele cresce e evolui, existem oportunidades para histórias surgirem a partir disso”, afirmou.
Favreau analisou a bagagem cultural e mística que o pequeno acumulou ao longo dos anos, destacando que sua formação foge do padrão visto na trilogia prelúdio, mas conta com mentores de peso na galáxia:
“Ele não está seguindo o caminho tradicional de um jovem Jedi, mas treinou com alguns dos melhores mestres Jedi que existem. Sabemos com certeza que ele treinou com Luke Skywalker. Há também implicações de que talvez tenha cruzado com Yoda, porque ele reconhece o nome dele, ao menos é isso que sugerimos. E ele também esteve no Templo Jedi antes da Ordem 66”, acrescentou.
O cineasta também reforçou que a conexão de Grogu com a Força respeita a mitologia clássica estabelecida nos cinemas, onde o poder exige dedicação contínua, mesmo sem a presença física de um tutor em tempo integral:
“Grande parte disso vem das conversas com Dave Filoni e, por consequência, do que ele aprendeu com George Lucas: a Força depende de treinamento. É sobre refinamento, como uma habilidade atlética ou qualquer outro talento. E vemos que, embora Grogu não esteja servindo diretamente alguém que o ensine, ele claramente continua meditando e seguindo algum tipo de disciplina Jedi”, destacou.
Por fim, o diretor traçou um paralelo direto entre o amadurecimento do pequeno herói e a própria jornada de Luke Skywalker na trilogia original de ‘Star Wars’, justificando o aumento de suas habilidades na nova produção:
“Acho que o uso da Força por parte dele realmente evoluiu bastante. Luke Skywalker também não treinou por muito tempo com Obi-Wan, mas ainda assim conseguiu aprimorar suas habilidades. Então acredito que isso faz parte do caminho disponível para Grogu, baseado no que já aprendemos nos filmes anteriores de Star Wars”, concluiu.
‘O Mandaloriano e Grogu‘ será lançado nos cinemas nacionais no dia 21 de maio.
Ele também assina o roteiro ao lado de Dave Filoni (‘Ahsoka’).
Além de Pedro Pascal (‘The Last of Us’), o elenco ainda conta com Sigourney Weaver (‘Aliens, o Resgate’) como Ward, líder dos Adelphi Rangers da Nova República; Jeremy Allen White (‘O Urso’) como Rotta the Hutt, filho do Jabba the Hutt; e Jonny Coyne (‘O Vingador Tóxico’) como o Senhor da Guerra Imperial.
Com estreia programada para o dia 4 de junho, as primeiras impressões do aguardado live-action de ‘Mestres do Universo‘ já foram divulgadas – e são extremamente positivas.
O longa está sendo aclamado dos críticos, que elogiaram o tom divertido da produção – além de nunca se levar a sério demais, o filme traz um espetáculo visual nostálgico que dá vida à icônica franquia de forma vibrante.
Confira as reações dos críticos:
“O charme despojado de ‘Mestres do Universo’ me conquistou. Uma experiência colossalmente épica. O live-action tem um tom autoconsciente ao estilo ‘Guardiões da Galáxia’ e uma mensagem radical em sua essência. Nicholas Galitzine e Camila Mendes arrasaram. […] O diretor Travis Knight demonstra uma genuína reverência por todas as encarnações do He-Man, desde os bonecos de ação até as animações. Cheguei a me emocionar em um determinado momento.”
#MastersOfTheUniverse director Travis Knight has a genuine reverence for all the incarnations of the He-Man character the MASTERS OF THE UNIVERSE action figures, animated & cinematic iterations. Easter Eggs are incorporated with craft & care. I got a little misty at 1 point.
“Nicholas Galitzine está impecável em ‘Mestres do Universo’, mas é seu timing cômico que rouba a cena. Assumidamente caricato, repleto de referências aos anos 80 (a trilha sonora!), e Jared Leto exagera na interpretação vocal como Esqueleto. Um pouco extravagante, mas, em sua maior parte, diversão para toda a família.
Nicholas Galitzine looks the part in #MastersOfTheUniverse (and how!) but it’s his comedic timing that steals the show. Knowingly cartoonish, packed with 80s vibes (the soundtrack!), and Jared Leto camps it up vocally as Skeletor. Slightly risqué, but mostly family-friendly fun. pic.twitter.com/EoRlS4l2dl
“Adorei ‘Mestres do Universo’ – uma das maiores surpresas do ano para mim. Sou muito fã de várias pessoas envolvidas, mas [a franquia] nunca foi muito a minha praia quando eu era mais novo. Além disso, baseado no que eu sei do material original, parecia um filme extremamente desafiador de se fazer. Mas Travis Knight e sua equipe conseguiram! Fui completamente arrebatado por essa aventura super vibrante, estranha e alegre. É totalmente absurdo, mas o absurdo funciona quando o elenco e a equipe entendem completamente o tipo de filme que estão fazendo e se dedicam totalmente para dar vida a ele.”
Bound to be one of the biggest surprises of 2026 for me — I loved MASTERS OF THE UNIVERSE.
I’m a huge fan of a lot of the folks involved, but it was never really my thing growing up and I kind of assumed the same would be true now. Also, based on what I do know of the source… pic.twitter.com/u0ecHjbWgM
“Eu AMEI ‘Mestres do Universo’! É uma verdadeira declaração de amor a tudo relacionado ao He-Man, além de ser um filme de fantasia/ficção científica lindo e bombástico que agrada a todos e não esconde suas emoções. É inacreditável que esse filme exista, mas estou muito feliz por isso. Passei o filme inteiro com um sorriso enorme no rosto.”
I LOVED #MastersoftheUniverse! Both a love-letter to all things He-Man and a beautiful, bombastic fantasy/sci-fi crowd pleaser that wears its heart on its sleeve. It’s insane this movie exists but I’m so happy it does. I had the biggest smile on my face the whole way through. pic.twitter.com/ZeHwvhBtAk
“Verdadeiramente épico! ‘Mestres do Universo’ captura a magia dos desenhos animados clássicos dos anos 80 com visuais modernos, ação empolgante e batalhas cheias de adrenalina que vão te arrepiar. Uma aventura de fantasia nostálgica que lembra aos adultos o que tornou os desenhos animados de sábado de manhã tão lendários.”
TRULY EPIC!#MastersOfTheUniverse captures the magic of classic 80s cartoons with modern visuals, crowd pleasing action, and adrenaline fueled battles that will give you chills. A nostalgic fantasy adventure that reminds adults what made Saturday morning cartoons feel legendary pic.twitter.com/E40jgUE5Cr
“‘Mestres do Universo’ revive a magia dos desenhos animados de sábado de manhã com muita ação, risadas bobas e muita emoção! Eternia parece a arte da capa de Rudy Obrero ganhando vida em toda a sua glória tecnicolor.”
Masters of the Universe revives Saturday morning cartoon magic with massive action, silly laughs, and real heart! Eternia looks like Rudy Obrero’s box art brought to life in full technicolor glory. And yes, MOTU is absolutely all about them muscles 💪@mastersmovie@BigGoldBeltpic.twitter.com/JLGYGhoVEt
“‘Mestres do Universo’ é pura diversão. Nicholas Galitzine traz uma doçura ao Adam Glenn que torna sua interpretação de He-Man memorável e também uma visão fascinante da masculinidade. Diversão garantida!”
MASTERS OF THE UNIVERSE is a hell of a lot of fun. Nicholas Galitzine brings a sweetness to Adam Glenn that makes his take on He-Man memorable and also a fascinating take on masculinity. Fun, fun, fun and features The Man by The Killers so I was IN! pic.twitter.com/6misEcxupu
“‘Mestres do Universo’ é tudo o que essa criança dos anos 80 queria e muito mais. É gloriosamente exagerado, incrivelmente divertido e pura alegria do começo ao fim. Travis Knight entendeu perfeitamente a missão e entregou exatamente o que os fãs da franquia estavam esperando. Nicholas Galitzine está perfeito no papel de He-Man, e todo o elenco abraça a cafonice enquanto se diverte horrores. ‘Mestres do Universo’ pode muito bem ser a maior surpresa do verão. É simplesmente sensacional!”
Masters of the Universe is everything this ’80s kid wanted and more. It’s gloriously campy, wildly entertaining, and nonstop fun from beginning to end. Travis Knight completely understood the assignment and delivered exactly what fans of this franchise have been waiting for.… pic.twitter.com/QrbYzSO1oO
“A melhor parte de ‘Mestres do Universo’ é que o filme abraça completamente suas raízes como um desenho animado exagerado dos anos 80 que ganha vida. O live-action nunca se leva muito a sério, se entrega totalmente ao lado mais brega e exibe com orgulho suas emoções. Em vez de tentar modernizar demais a franquia, ele resiste a essa ideia e é muito melhor por isso.”
The best thing about Masters of the Universe is that it fully embraces its roots as an over-the-top 80s cartoon come to life.
The film never takes itself too seriously, leans completely into the cheese factor, and proudly wears its heart on its sleeve. Instead of trying to turn… pic.twitter.com/L2V2TUCkgr
Na trama, após 15 anos separados, Príncipe Adam (Nicholas Galitzine) é guiado pela Espada do Poder até o seu lar em Eternia, que está sob o domínio do cruel Esqueleto (Jared Leto). Para salvar a todos, ele vai ter que aceitar o seu destino como He-Man, o homem mais poderoso do mundo, e contar com a ajuda de seus aliados, Teela (Camila Mendes) e Duncan / Mentor (Man-At-Arms, Idris Elba).
Na trama, uma conferência de biotecnologia se transforma em caos quando um vírus que sofre rápida mutação transforma os infectados, forçando as autoridades a isolar as instalações com os sobreviventes presos lá dentro.
O projeto está sendo descrito como “o ápice do universo de Yeon Sang-ho, que começou por ‘Invasão Zumbi'”, mas não está claro se a produção se passará no mesmo universo da popular franquia.
O astro Finn Cole irá protagonizar ‘Gable’, cinebiografia que contará a extraordinária história real do lendário lutador olímpico e medalhista de ouro Dan Gable. De acordo com o Deadline, os atores Ben Foster, Leslie Bibb e KJ Apa também foram oficialmente confirmados no elenco do longa.
O longa-metragem acompanhará a trajetória de superação do atleta, um jovem da classe trabalhadora de Waterloo, Iowa, que enfrentou uma tragédia familiar inimaginável antes de se consagrar como um dos competidores mais dominantes da história dos esportes de combate. Ao longo do ensino médio e de sua passagem pela faculdade, Gable acumulou um impressionante cartel de 181 vitórias e apenas uma única derrota, culminando em confrontos históricos contra a temida delegação soviética durante o auge da Guerra Fria.
O comando da produção ficará a cargo do diretor Jon Greenhalgh, indicado ao Emmy de Notícias e Documentários pelo aclamado Team Foxcatcher, da Netflix.
O cineasta assina o roteiro em parceria com Michael Wallach e destacou o foco íntimo que pretende dar à narrativa: “Dan é lendário por seu treinamento implacável. Mas este é um filme sobre o que existe por trás dessa aparência de ferro”.
Considerado um dos maiores lutadores de todos os tempos, Dan Gable conquistou dois títulos da NCAA pela Universidade Estadual de Iowa e ganhou a medalha de ouro nas Olimpíadas de Munique, em 1972, sem ceder um único ponto aos adversários em suas seis lutas.
Após encerrar sua carreira competitiva nos tatames, ele fez história também como treinador principal da Universidade de Iowa, acumulando um recorde avassalador de 355 vitórias, 21 derrotas e 5 empates, além de faturar 15 campeonatos da NCAA. O legado rendeu a Gable introduções nos Halls da Fama Olímpico dos EUA e da Luta Livre, culminando com o recebimento da Medalha Presidencial da Liberdade em 2020.
A produção é liderada por Shaun Redick e Yvette Yates Redick, nomes por trás de obras premiadas e de grande impacto comercial como ‘Infiltrado na Klan’, ‘Corra!’ e ‘Dupla Jornada’, por meio da produtora Impossible Dream Entertainment.
Para traduzir a intensidade do esporte com o máximo de realismo nas telas, a equipe recrutou especialistas de alto nível do cenário esportivo, como revelou o produtor Shaun Redick:
“Em Gable, temos um coordenador de dublês de nível mundial, Steve Brown, que também foi um lutador All-American. Ele está trabalhando ao lado do diretor e do campeão universitário Zack Esposito para levar o público aos momentos brutais e cheios de ação de uma maneira nunca vista antes”, afirmou.
A produtoraYvette Yates Redick, por sua vez, ressaltou que o núcleo dramático do filme reside nos laços afetivos que mantiveram o atleta de pé nos momentos mais sombrios:
“O que mais me tocou pessoalmente, especialmente como mãe, foi o peso carregado por essa família. Por trás das conquistas de Dan existe uma história profundamente humana sobre resiliência, conexão e encontrar propósito uns nos outros”, acrescentou.
Gable contará ainda com Andy Barth e Graham Manley na produção executiva, enquanto Nate Adams e David Gould completam o time de produtores.
Anteriormente, o showrunner SaschaPenn confirmou que o encerramento da série já fazia parte do plano desde o início: “Foi sempre minha intenção que ‘Raising Kanan’ tivesse cinco temporadas, e graças aos meus amigos e parceiros na Starz e na Lionsgate, assim como ao elenco incrível, à equipe e aos roteiristas, pude contar toda a história que comecei a escrever lá em 2019. Dito isso, com o que preparamos neste final de temporada e a inevitável introdução de Breeze, ainda temos uma temporada excepcionalmente intensa e cheia de ação pela frente. Garanto que os riscos para Kanan e toda a família Thomas nunca foram tão altos”.
Criada por Penn, a série é o terceiro spin-off do universo de ‘Power‘.
A produção é uma pré-sequência que segue os primeiros anos de Kanan Stark, o personagem interpretado pelo Curtis “50 Cent” Jackson na série original.
De acordo com o Deadline, Lili Reinhart (‘Riverdale’) foi confirmada no elenco de ‘The Mannequin‘, novo terror do diretor Sean Byrne (‘Animais Perigosos’).
Ela se junta à atriz Melissa Leo (‘Passageiro do Mal’), previamente anunciada.
Detalhes sobre a trama não foram divulgados, mas o projeto está sendo descrito como um “thriller de terror intenso focado em um serial killer”.
Anteriormente, o diretor havia comentado sobre o que podemos esperar do longa: “Já vimos outros filmes com assassinos em série, mas este projeto será ainda mais intenso — perturbador, eletrizante e ancorado pela atuação destemida de Melissa Leo, culminando em uma reviravolta chocante que o público não conseguirá prever.”
William Woods, Maddy Falle e Kristian Moliere servem como produtores.
As filmagens estão programadas para começarem nos próximos meses.
Traído, comprometido e assombrado pela mulher que não conseguiu salvar, o mundo do agente da CIA Martian desmorona quando uma caçada a um informante mergulha a Unidade de Londres no caos. À medida que as lealdades se fragmentam, a verdade se torna uma arma – e a única saída para Martian é se jogar ainda mais na direção do perigo.
O próximo ciclo estreará oficialmente no dia 21 de junho.
A trama gira em torno de Martian (Fassbender), um agente secreto da CIA, ordenado a abandonar sua vida secreta e retornar à estação de Londres. Quando o amor que ele deixou para trás reaparece, o romance reacende. A sua carreira, a sua verdadeira identidade e a sua missão estão contra o seu coração; lançando ambos num jogo mortal de intriga e espionagem internacional.
Criada por Jez Butterworth e John-Henry Butterworth, a produção é baseada na série francesa ‘Le Bureau des Légendes‘.
Vale lembrar que Cage já havia dublado o personagem titular na franquia animada ‘Homem-Aranha no Aranhaverso‘.
A trama será ambientada nos anos 30, em Nova York, e seguirá um investigador particular que é forçado a confrontar seu passado como o único super-herói da cidade. A produção se passa em um universo paralelo sem a presença de Peter Parker, o Homem-Aranha original.
Anteriormente, Cage havia confirmado que ‘Spider-Noir‘ contará com oito episódios: “a 1ª temporada terá oito episódios de quarenta e cinco minutos. Então, é o equivalente a quatro filmes em cinco meses. E eu tenho outro filme para o qual tenho que me preparar, e então um filme logo depois dele.”
‘Maximum Pleasure Guaranteed’ acompanha Paula (Maslany), uma mãe recém-divorciada, enquanto ela se vê envolvida em uma perigosa trama de chantagem, assassinato e futebol infanto-juvenil. Convencida de ter testemunhado um crime e em meio a uma batalha pela guarda dos filhos e uma crise de identidade, Paula inicia sua própria investigação, que pode desvendar uma conspiração ainda maior e, ao mesmo tempo, conter as chaves para reconstruir sua família e sua autoestima.
BrandonFlynn (’13 Reasons Why’), JakeJohnson (‘New Girl’), MurrayBartlett (‘The White Lotus’), JessyHodges (‘Barry’), Jon Michael Hill (‘Elementary’), Charlie Hall (‘A Vida Sexual das Universitárias’), Kiarra Hamagami Goldberg (‘Invasão’), Nola Wallace (‘Os Estranho’) e Dolly De Leon (‘Nove Desconhecidos’) integram o elenco.
Os irmãos Matt e Ross Duffer, criadores do fenômeno global ‘Stranger Things’, revelaram recentemente os bastidores do processo de escalação para um dos personagens mais queridos da produção da Netflix. Em uma revelação surpreendente, os diretores confirmaram que David Harbour não foi a escolha inicial para interpretar o icônico chefe de polícia Jim Hopper.
De acordo com a Variety, a revelação aconteceu durante a participação dos showrunners no podcast Happy Sad Confused. Na ocasião, os irmãos foram colocados contra a parede pelo próprio David Harbour, que enviou uma pergunta gravada em vídeo questionando quem havia sido cogitado antes dele:
“Olá, irmãos Duffer”, disse Harbour. “Eu gostaria de saber como foi o processo de escalação do Hopper. Tenho quase certeza de que fui a segunda escolha, e não sei de quem eu fui a segunda escolha — talvez eu tenha sido a terceira? Mas vocês poderiam responder como acabei sendo escalado como o Chefe Hopper e quem precisou recusar o papel para que eu pudesse interpretar esse personagem incrível?”.
O apresentador do podcast, Josh Horowitz, tentou adivinhar o nome do ator misterioso baseando-se em uma pista dos criadores de que se tratava de um amigo de Harbour, sugerindo o nome de Josh Brolin (‘Duna’). No entanto, Matt Duffer logo corrigiu o palpite:
“Não, não, não, não. Foi Billy Crudup, o que seria algo bem diferente. Mas tudo acontece por um motivo, certo? Quando tudo finalmente se encaixa… enfim, Billy Crudup recusou o papel. Acho que ele não fazia muita televisão naquela época”, afirmou.
Após a recusa de Crudup, a produção continuou a busca pelo intérprete ideal para o xerife de Hawkins. Foi quando o nome de Harbour entrou no radar de forma avassaladora, como relembrouRoss Duffer:
“Então o David simplesmente entrou e, sinceramente, uma das nossas diretoras de elenco achou que ele poderia ser ótimo para o papel. Ele fez o teste e gravou apenas uma tomada. Nós nem estávamos lá, apenas vimos a fita depois, e ficou imediatamente claro: ‘Esse é o Hopper’. Nós o escalamos na mesma hora”, destacou.
Os novos episódios se passam no outono de 1987. Hawkins segue abalada pela abertura dos portais, e nossos heróis se unem pelo mesmo objetivo: encontrar e matar Vecna (Jamie Campbell Bower). Mas ele desapareceu e ninguém sabe seu paradeiro. Para complicar tudo, o governo colocou a cidade sob quarentena militar e intensificou a caça à Onze (Millie Bobby Brown), que precisou se esconder novamente. Conforme o aniversário do desaparecimento de Will (Noah Schnapp) se aproxima, uma ameaça familiar volta à tona. A batalha final se aproxima e, com ela, uma escuridão ainda mais poderosa e mortal. Para acabar com esse pesadelo, todo o grupo precisará se unir de novo pela última vez.
Apesar da força política e histórica deFatherland, o novo filme de Paweł Pawlikowski impressiona primeiro pela forma. A fotografia austera em preto e branco, o refinamento dos enquadramentos e a execução rigorosa da câmera imediatamente chamam a atenção do público. Existe um controle visual extremamente sofisticado na maneira como o diretor transforma ruínas físicas e emocionais em composição estética. Tudo parece milimetricamente calculado para sufocar qualquer excesso. É justamente nesse controle, no entanto, que o filme também encontra sua limitação.
Fatherland parece deliberadamente incapaz de alcançar grandes ápices emocionais. Não existem rupturas bruscas, reviravoltas dramáticas ou momentos de explosão sentimental que reorganizem completamente a trajetória dos personagens. Mesmo a tragédia familiar que atravessa a narrativa surge quase sublimada dentro do contexto político maior, como se Thomas Mann (Hanns Zischler) precisasse permanecer uma figura pública antes de permitir que qualquer emoção invadisse sua humanidade.
A escolha claramente é proposital. Pawlikowski nunca transforma Mann em herói, mas também evita humanizá-lo completamente. O escritor permanece constantemente observado à distância: uma figura intelectual tentando organizar moralmente um continente devastado enquanto falha silenciosamente dentro da própria intimidade. Mas essa mesma contenção produz um efeito colateral: o distanciamento.
A cena inicial apresenta essa figura austera diante de uma imprensa descrente de suas intenções de voltar ao país natal após passar 16 anos nos Estados Unidos, tornando-se, assim, um cidadão mais estadunidense do que alemão. A coletiva de imprensa soa como um julgamento de tribunal, cujo réu é defendido por sua filha, Erika Mann (Sandra Hüller), que traduz para o inglês as respostas do pai — embora seu inglês seja perfeito. A impavidez diante do aterrorizador já é papel muito bem dominado pela atriz alemã depois de Zona de Interesse (2023), Anatomia de uma Queda (2023) e Rose (2024).
Diferente de Ida (2013), quando a protagonista finalmente confronta os restos da própria história familiar, ou de Guerra Fria(2018), em que o romance tóxico implode emocionalmente diante do espectador, Fatherland parece recusar qualquer catarse. Não existe aqui um momento em que tudo desaba. Existe apenas a constatação melancólica de que o mundo continua; mesmo depois da guerra, mesmo depois da culpa, mesmo depois da destruição.
Talvez justamente por ser baseado em uma verdade histórica tão dura, o filme entenda que algumas dores nunca encontram resolução dramática. A relação entre pai e filha permanece presa em olhares secos, tensões silenciosas e tentativas frustradas de reorganizar afetos em meio aos escombros políticos da Europa. Nada é plenamente sublimado. Nada se transforma em redenção.
Nesse ponto, Fatherland encontra sua discussão mais interessante. O discurso de Thomas Mann — de não se posicionar entre extremos, mas tentar ocupar um espaço de apaziguamento — atravessa todo o filme. O diretor polonês parece interessado em mostrar que a dificuldade de sustentar a moderação política não é uma questão contemporânea: a humanidade sempre foi atraída por polos, radicalismos e discursos absolutos. Caminhar em linha reta talvez seja justamente o gesto mais impossível.
Por isso, a obra enxerga Mann não necessariamente como um exemplo a ser seguido, mas como uma figura importante para revelar os limites desse pensamento conciliador. Um homem brilhante, capaz de compreender profundamente o mundo através da literatura, mas que talvez também simbolize como inteligência e lucidez nem sempre são suficientes diante do colapso histórico. Embora não permita emoções à superfície nem ofereça uma possibilidade de catarse, Fatherland nos preenche de reflexão e, por isso, permanece ecoando após o término.
A premiada atriz Julianne Moore, estrela de produções aclamadas como ‘Para Sempre Alice’ e ‘O Preço da Traição’, comentou abertamente sobre o seu futuro profissional. Em tom reflexivo, a veterana revelou os critérios que utiliza atualmente para escolher seus papéis e apontou os gêneros cinematográficos com os quais não deseja mais trabalhar.
De acordo com a Variety, a atriz destacou que prioriza parcerias com cineastas que demonstrem clareza narrativa: profissionais que sejam “claros sobre de quem é a história, como ela está sendo contada e se aquilo é ou não verdadeiro”. Moore explicou que, ao conquistar maior autonomia artística e liberdade de escolha ao longo das décadas, passou a filtrar seus projetos de forma mais rigorosa, perdendo o interesse por narrativas puramente trágicas.
“Estou cada vez menos interessada em tragédias”, explicou a atriz. “Especialmente agora, em um momento em que o mundo está tão difícil, é complicado investir em uma história que parece falsa, em que a profundidade emocional não corresponde ao que está acontecendo na realidade.”
A artista também detalhou sua aversão ao cinema pautado no escapismo violento e na espetacularização visual sem substância:
“Eu não gosto de ver alguém sendo assassinado. Não gosto de explosões e armas. Não gosto de histeria. Não gosto de coisas que aumentam as apostas sem emoção real por trás. Isso realmente me incomoda porque parece apenas barulho. Eu não sei como interpretar isso. E também não quero assistir”, acrescentou.
Durante a sabatina, Moore relembrou alguns de seus trabalhos mais marcantes, incluindo o clássico ‘As Horas’ (2002), no qual dividiu o protagonismo comNicole Kidman e Meryl Streep. Questionada sobre o impacto de Streep em sua própria trajetória, ela não poupou elogios à colega de profissão:
“Ela é o padrão ouro. Eu cresci assistindo televisão e filmes, vendo estrelas de cinema, e ela foi a primeira mulher que vi parecer ao mesmo tempo acessível e inalcançável. Havia algo muito humano nela e, ao mesmo tempo, muito moderno”, declarou Moore. “Ali estava uma atriz que era a próxima grande estrela, extremamente precisa no que fazia, moderna, acessível, glamourosa, maravilhosa e corajosa ao mesmo tempo. Então sinto que ela acendeu uma chama em todos nós sobre como queríamos ser e sobre o que acreditávamos ser possível alcançar em nosso trabalho”.
“No começo do século XX, Virginia Woolf lida com a depressão e tenta finalizar o romance “Mrs. Dalloway”. Seu texto afeta profundamente uma dona de casa dos anos 1950 e uma mulher atualmente, que parece viver os eventos do livro”, diz a sinopse.
“Este é um momento interessante para falar mais sobre Thomas Mann e sua agenda política, especialmente na Alemanha, mas no resto do mundo também”, declara a atriz Sandra Hüllerem um apartamento de frente para o Palais des Festivals, durante a 79ª edição do Festival de Cannes. A conversa aconteceu em uma mesa-redonda exclusiva com poucos jornalistas internacionais — entre eles, o CinePOP — logo após a coletiva de imprensa de Fatherland, marcada por discussões sobre culpa histórica, pertencimento e o peso da memória alemã após a Segunda Guerra Mundial.
Usando brincos em formato de flor, contida nas respostas e parece ainda pouco acostumada ao fascínio em torno de seu trabalho; embora este seja, definitivamente, o ano dela.
Após conquistar o Urso de Ouro em Berlim por sua atuação devastadora em Rose e explodir nas bilheterias ao lado de Ryan Gosling em Devoradores de Estrelas, ela desembarca em Cannes como uma das atrizes mais comentadas do festival, novamente em um filme potente, daqueles que dificilmente sairão de mãos vazias da cerimônia do próximo 23 de maio. Mais do que isso: Sandra parece já carimbar o passaporte para a próxima temporada do Oscar, acumulando três títulos importantes ainda no primeiro semestre.
Dirigido pelo cineasta polonês Paweł Pawlikowski, Fatherland acompanha o retorno de Thomas Mann à Alemanha após 16 anos vivendo nos Estados Unidos. Autor de obras fundamentais como A Montanha Mágica e vencedor do Nobel de Literatura, Mann retorna a uma Alemanha em ruínas para uma série de encontros públicos e debates políticos, enquanto tenta entender se ainda pertence àquela terra devastada pelo nazismo.
Sandra interpreta Erika Mann, filha do escritor, autora, atriz e ativista política que dedicou grande parte da própria vida a acompanhar o pai no exílio. No filme, a relação entre os dois se torna também um retrato melancólico de uma Europa tentando sobreviver aos próprios escombros.
O tema central de Fatherland acabou atravessando naturalmente a conversa e Sandra é questionada sobre pertencimento geográfico, tema inevitável para uma atriz que hoje transita naturalmente entre produções em alemão, francês e inglês.
“Sabe quando você entra em um lugar e ele parece familiar? É porque suas moléculas já se misturaram ao ar dali alguma vez. Eu sempre me sinto assim em Turíngia. É o lugar onde conheço a língua, a comida, o jeito das pessoas”, responde. “Sou muito grata por poder conhecer tantas partes do mundo e ser calorosamente recebida em tantos lugares, o que para mim é um milagre. Gostaria que acontecesse com mais pessoas. Ainda assim, eu sempre serei da Turíngia.”
O peso da memória alemã
Existe algo profundamente íntimo na maneira como Sandra fala sobre Fatherland. Filha e neta de alemães que cresceram sob as sombras da guerra, ela explica que não precisou fazer uma pesquisa extensa para compreender o trauma presente no filme: “Partículas disso estão no meu corpo e no meu sistema”, comenta. “O roteiro captura esse vazio estranho em que todos estão, essa urgência de reconstruir alguma coisa sem saber exatamente como.”
Essa sensação atravessa toda a atmosfera do longa. Filmado na Polônia, país historicamente devastado pela ocupação nazista, Fatherland parece carregar um desconforto permanente entre culpa, luto e sobrevivência. Sandra admite que filmar em cidades que ainda preservam nomes alemães originais tornava impossível ignorar o peso histórico daqueles espaços.
“Não estávamos filmando a destruição da Alemanha, mas a destruição da Polônia. E atuar como se fosse… é complicado explicar. Mas isso influenciava tudo: as conversas, o clima, o que sentíamos.”
A atriz fala de luto de maneira quase física. Em determinado momento, comenta que não acredita muito em “construir personagens”. Para ela, atuar passa mais por reagir emocionalmente ao que existe ao redor: “Você não pode procurar uma emoção dentro daquele enquadramento. Ela simplesmente precisa estar ali.”
O artista precisa se posicionar politicamente?
Foi justamente nesse contexto que perguntei a Sandra sobre o peso político de Thomas Mann e sobre como o filme inevitavelmente resgata discussões atuais sobre o papel do artista diante do avanço de discursos extremistas ao redor do mundo.
Ela respira por alguns segundos antes de responder, cuidadosamente: “Eu não acho que um artista tenha que fazer alguma coisa. Nenhum artista é obrigado a nada”, afirma. “Eu posso decidir sobre o que quero falar — ou se quero falar sobre alguma coisa. Acho que essa escolha precisa ser respeitada.”
Ainda assim, Sandra reconhece que revisitar Thomas Mann mudou profundamente sua visão sobre o escritor. Durante anos, ela o enxergou apenas como um autor daqueles obrigatórios da escola alemã. Hoje, enxerga nele uma figura política muito mais complexa.
“A imagem dele na Alemanha durante muito tempo foi a de alguém covarde, que simplesmente fugiu para os Estados Unidos. E isso não é verdade”, comenta. “Todo mundo teria feito essa escolha se tivesse tido a oportunidade. Nem todos tiveram.”
Essa resposta ganha ainda mais força porqueFatherland nunca transforma Thomas Mann em herói. O filme parece mais interessado em discutir as contradições de intelectuais tentando preservar algum senso moral em uma Europa destruída. Thomas Mann surge como um homem preso entre dilemas particulares e um continente dividido entre capitalistas e comunistas, enquanto tenta ocupar um espaço de apaziguamento, como a atriz ressalta: “é bom falar sobre esses temas, porque algumas discussões ficaram muito violentas, e devemos conversar uns com os outros de forma calma.”
Existe uma calma quase desconcertante em Sandra Hüller. Mesmo sendo hoje um dos rostos mais requisitados do cinema europeu, ela continua respondendo às perguntas como alguém genuinamente surpresa pelo tamanho da repercussão em torno de si.
Talvez porque sua força nunca esteja no estrelismo, mas justamente nessa capacidade rara de parecer absolutamente humana diante da câmera. Em Fatherland, isso fica evidente. Erika Mann não surge apenas como filha de um gênio literário, mas como alguém tentando equilibrar devoção familiar, exílio, culpa histórica e a sensação permanente de deslocamento.
No fim da conversa, um jornalista ucraniano pergunta como alguém continua vivendo depois da guerra. Sandra demora alguns segundos antes de responder: “Acho que essa é uma das perguntas mais misteriosas sobre a humanidade”, diz. “Mas as pessoas conseguem. Elas sobrevivem umas com as outras, com ajuda umas das outras.”
Há algo deliciosamente contraditório no Festival de Cannes abrir sua seção Um Certo Olhar com um filme chamado Teenager Sex and Death at Camp Miasma (na tradução livre Adolescente, Sexo, Morte no Acampamento Miasma). O título parece saído diretamente de uma locadora mofada dos anos 1980, daqueles VHS de capa neon cuja promessa era sempre mais ousada do que o próprio conteúdo.
O novo filme de Jane Schoenbrun, embora pareça evocar essa época do slasher chamado de filme B, com sua cena inicial de jatos eufóricos de sangue, tem um projeto mais audacioso. Trata-se de um slasher metalinguístico que ama profundamente o gênero ao mesmo tempo em que o disseca sem misericórdia.
Desde os primeiros minutos, Schoenbrun deixa claro que seu interesse não está apenas no horror, mas na memória cultural do horror. O prólogo recapitula a trajetória da franquia fictícia Miasma: o sucesso inesperado do original, a avalanche de continuações cada vez mais absurdas, a degradação estética típica das franquias exploradas até o esgotamento, o fracasso comercial inevitável, a humilhação do Framboesa de Ouro.
A diretora entende perfeitamente o ciclo industrial do cinema de gênero: como um produto nasce de uma pulsão criativa e termina convertido em algoritmo corporativo, vide o aclamado Jogos Mortais (Saw), de James Wan, e suas intermináveis sequências sem lógica. É um começo hilário justamente porque se assemelha à realidade.
Dada a ambientação metalinguística, a narrativa acompanha uma jovem roteirista não-binária Kris (Hannah Einbinder) obcecada pela saga, determinada a realizar um reboot “definitivo”. Para isso, ela viaja até o interior para convencer Billy, a atriz do primeiro Miasma, a retornar ao papel que a transformou na primeira final girl da franquia. Vivida com melancolia elegante porGillian Anderson, Billy carrega no rosto o peso de alguém que passou três décadas aprisionada por uma imagem cultural que nunca lhe pertenceu inteiramente.
A dinâmica entre ela e a protagonista funciona como o coração emocional do filme: duas gerações tentando entender o que significa amar uma obra construída sobre estruturas violentas. Dentro dessa proposta, o roteiro encontra sua melhor camada. Em vez de simplesmente condenar os slashers dos anos 1980 por seus vícios machistas e homofóbicos, Jane Schoenbrun tenta compreender como esses códigos foram naturalizados por décadas até se tornarem invisíveis.
Teenager Sex and Death at Camp Miasma aponta diretamente para aquilo que antes era aceito como parte da diversão: a objetificação feminina, a punição moral do desejo, os estereótipos queer transformados em piada, e pergunta o que significa revisitar essas imagens hoje sem reproduzi-las. Não há didatismo panfletário aqui; existe, antes, um desconforto constante e uma sátira cômica à nossa aceitação sem questionamento.
Uma das melhores cenas nem sequer envolve assassinatos, mas uma reunião de produção via Zoom. Produtores, agentes e executivos discutem o reboot como se fosse um produto matemático: “precisamos de legado, mas a atriz original não pode ser velha demais”; “diversidade vende, desde que não pareça militante”; “o público quer autenticidade, mas algo familiar”.
É impossível não perceber o quanto a diretora não-binária está satirizando a própria indústria contemporânea (e a protagonista é o seu alter ego), especialmente esse cinema corporativo que transforma qualquer gesto artístico em cálculo de mercado. O humor nasce do reconhecimento imediato de um processo criativo esmagado por planilhas.
Ainda assim, Teenager Sex and Death at Camp Miasma nunca abandona o prazer do slasher. Há adolescentes correndo pela floresta, corpos pendurados, sustos coreografados, sangue artificial em abundância. O assassino — uma espécie de primo degenerado de Jason Voorhees — vive escondido no fundo de um lago e usa um aparelho de ventilação que produz uma respiração abafada e mecânica, transformando cada aproximação em um ruído quase industrial.
Schoenbrun filma essas sequências com evidente fascínio visual, mas sempre sublinhando sua artificialidade. A câmera frequentemente assume o ponto de vista do assassino apenas para revelar depois que estamos vendo um filme dentro do filme dentro do filme. É um jogo constante entre imersão e distanciamento.
Essa autoconsciência poderia facilmente virar mero exercício pós-moderno, mas a diretora encontra uma dimensão mais íntima ao relacionar horror e identidade. Como já acontecia em Eu Vi o Brilho da TV (2024) e especialmente em Vamos Todos à Exposição Mundial (2021), a diretora continua interessada em como imagens moldam subjetividades.
Se antes ela investigava a influência da internet e das ficções digitais sobre adolescentes em formação, aqui ela amplia essa reflexão para a cultura pop como estrutura emocional coletiva. Os filmes que consumimos não desaparecem; eles permanecem inscritos na memória como uma tatuagem psíquica.
Talvez seja exatamente isso que o filme tenta desmontar: não apenas os códigos do slasher, mas os códigos invisíveis da própria cultura dominante. Afinal, quando o imaginário popular é historicamente construído sob perspectivas patriarcais, heteronormativas e violentas, romper com essas estruturas exige mais do que simples atualização estética. Exige revisitar os fantasmas que ainda continuam vivos dentro das imagens que amamos.
O mais impressionante é que Jane Schoenbrun consegue fazer tudo isso sem abandonar o prazer do cinema de gênero. Ainda que se perca em um romance maçante entre diretora e atriz e repita algumas cenas, Teenager Sex and Death at Camp Miasma é engraçado, autoconsciente e sangrento. Um filme que entende que certos monstros não vivem no lago, vivem nas narrativas que aprendemos a aceitar como naturais.
Entre encontros históricos, sessões nostálgicas e filmes que já despontam como favoritos da crítica, o terceiro e o quarto dia da 79ª edição do Festival de Cannes já consolidaram algumas das principais conversas deste ano.
Da abertura da mostra Un Certain Regard com um slasher metalinguístico ao aguardado encontro com Peter Jackson, passando pela celebração dos 25 anos de Velozes e Furiosos e pela recepção calorosa a Fatherland (2026), de Paweł Pawlikowski, a Croisette viveu dias intensos. Confira um resumo completo para ficar por dentro de tudo o que movimentou o festival até agora.
Peter Jackson revisita a própria carreira
Um dos momentos mais disputados da programação foi a conversa com Peter Jackson, que percorreu toda a trajetória do diretor, do horror trash de Total Náusea (1987) ao fenômeno mundial de O Senhor dos Anéis.
Jackson relembrou como King Kong (1933) foi decisivo para despertar sua paixão pelo cinema ainda na infância, inspiração que décadas depois culminaria em sua própria versão do clássico, King Kong (2005). O diretor também comentou os bastidores de Almas Gêmeas (Heavenly Creatures, 1994), responsável por revelar Kate Winslet ao mundo.
Questionado sobre a inteligência artificial no audiovisual, Jackson adotou um discurso pragmático. Para ele, a IA deve ser encarada como mais uma ferramenta de criação, desde que respeite direitos autorais e direitos de imagem.
A delicadeza do cinema japonês na competição
Entre os filmes da competição oficial, Nagi Notes, de Kōji Fukada, apostou na sutileza emocional para retratar afetos e solidão. O longa acompanha o reencontro entre uma escultora e a ex-cunhada que retorna à cidade depois de anos vivendo fora do Japão.
O filme remete ao estilo contemplativo de obras como Monster, de Hirokazu Kore-eda, e Dias Perfeitos, de Wim Wenders, ao explorar a beleza dos pequenos gestos e das relações silenciosas.
Já A Vida de Uma Mulher (no original La Vie d’une Femme), de Charline Bourgeois-Tacquet, trouxe Léa Drucker como uma cirurgiã que tenta equilibrar carreira, casamento, maternidade e o Alzheimer da mãe enquanto vive um romance inesperado com uma escritora.
O filme faz uma leitura metalinguística dos slashers dos anos 1980, dialogando diretamente com franquias como Sexta-feira 13, Halloween e A Hora do Pesadelo. A narrativa acompanha uma jovem diretora encarregada de revitalizar uma franquia de terror decadente, usando o próprio funcionamento da indústria cinematográfica como alvo da sátira.
Conhecida por We’re All Going to the World’s Fair e Eu Vi o Brilho da TV (I Saw the TV Glow), Schoenbrun entrega um filme que mistura horror, humor e crítica à cultura das franquias.
Velozes & Furiosos transforma sessão da meia-noite em celebração
O quarto dia do festival começou ainda de madrugada, com a sessão especial em homenagem aos 25 anos de Velosos e Furiosos. A exibição contou com a presença de Vin Diesel, Michelle Rodriguez e Meadow Walker, filha de Paul Walker.
Durante o evento, Vin Diesel reforçou o discurso de que a franquia se tornou um fenômeno mundial graças à relação construída com o público ao longo de mais de duas décadas. Segundo o ator, apesar da fama pelas cenas de ação e carros tunados, o sentimento central da saga sempre foi “amor” e “família”.
Ceniza en la Boca aborda imigração e amadurecimento
Na mostra Cannes Premiere, Diego Luna apresentou Ceniza en la Boca (2026), drama sobre uma família mexicana tentando reconstruir a vida na Espanha.
O longa começa como um coming-of-age centrado na filha mais velha da família, obrigada a amadurecer rapidamente enquanto enfrenta empregos precários e problemas familiares. Porém, a narrativa muda de direção quando a família enfrenta uma tragédia na Espanha e os personagens retornam ao México, o que altera completamente o tom da história.
Entre os concorrentes à Palma de Ouro, Fatherland surge até aqui como um dos títulos mais fortes da competição. O novo filme de Paweł Pawlikowski acompanha Thomas Mann em meio às tensões políticas da Alemanha dividida no pós-guerra.
Conhecido por Ida(2013) e Guerra Fria(2018), Pawlikowski mantém sua assinatura visual elegante e histórica. O elenco liderado por Sandra Hüller reforça o peso dramático da produção. Mesmo dividindo opiniões emocionalmente, o longa já aparece entre os preferidos da crítica especializada graças à sua direção rigorosa, à fotografia sofisticada e à abordagem política ambígua sobre a divisão entre Oriente e Ocidente.
Com um elenco que reúne Isabelle Huppert, Virginie Efira e Catherine Deneuve, o diretor constrói uma narrativa sobre criação, manipulação e os limites entre ficção e realidade. Até aqui, o longa surge como um dos grandes destaques artísticos do festival, reforçando a habilidade de Farhadi em criar dramas psicológicos carregados de ambiguidades morais.
Com ainda muitos dias pela frente, a 79ª edição do Festival de Cannes segue alternando nostalgia, debates políticos, novas linguagens e filmes autorais que prometem dominar as discussões cinematográficas nas próximas semanas.
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